tag:blogger.com,1999:blog-60780617065838544562024-03-19T05:39:38.656+01:00||:doblebarra:||Críticas, reseñas y otras disquisiciones musicales. Histórico y moderno, auténtico y plagal, purista y heterodoxo: dos voces complementarias para una misma pasiónMario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.comBlogger235125tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-873087251579719372015-07-14T10:43:00.000+02:002015-07-14T10:44:40.647+02:00«Gloriosa música al...» | Crítica, para Codalario, del último disco de Stilo Antico<span style="font-size: large;"><b>Gloriosa música al servicio de emperadores</b></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<b>El fantástico conjunto británico nos propone este viaje por la
música que algunos de los más grandes compositores del Renacimiento
compusieron estando al servicio de los Habsburgo, firmando uno de los
mejores discos vocales del pasado año.</b></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<i>From the Imperial Court. Music for the House of Hapsburg</i>.
Música de Josquin des Prez, Heinrich Isaac, Pierre de la Rue, Ludwig
Senfl, Nicolas Gombert, Cristóbal de Morales, Thomas Crecquillon, Thomas
Tallis, Jacob Clemens Non Papa y Alonso Lobo. Stile Antico. Harmonia
Mundi | Production USA, 1 CD [HMU 807595], 2014. T.T.: 71:07.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuJ0qUPevGc5w5kx-eJft6VeP5zN39exnzIQXbRvnbhLg3Rf7iApgbnLj1mpxhKxeqeLMYOG2VySiW32SY3S-3IcrkiPBfjq5nmnSeZQECJ3_kbQkpD6d1FOAINxy2qHYVC6eK_szF6Pes/s1600/From+the+Imperial+Court.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuJ0qUPevGc5w5kx-eJft6VeP5zN39exnzIQXbRvnbhLg3Rf7iApgbnLj1mpxhKxeqeLMYOG2VySiW32SY3S-3IcrkiPBfjq5nmnSeZQECJ3_kbQkpD6d1FOAINxy2qHYVC6eK_szF6Pes/s400/From+the+Imperial+Court.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="txa_j">
</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
La música, especialmente la sacra, aunque también la profana, y sobre
todo aquella creada antes de que el siglo XIX trajera consigo la
emancipación del compositor como asalariado y miembro de la plantilla de
una casa real o institución religiosa, nos ha legado una gran parte de
obras compuestas con un fin específico, bien fuera de corte real o
religioso. En cierto que las instituciones religiosas y las casas reales
son las causantes de la práctica totalidad de la creación musical en
siglos pretéritos. El Renacimiento es probablemente el caso más
paradigmático. Es por ello que resulta bastante habitual encontrar
registros discográficos que reparan en la creación amparada al auspicio
de una casa real dada o de una institución clerical de este o aquel
lugar.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Dentro de las casas reales, sin duda la de los
Habsburgo es uno de las más celebradas, puesto que por su importancia en
toda Europa la hizo extenderse de manera impresionante por gran parte
del territorio europeo, en el que reinó durante varios siglos <!--[if gte mso 9]><xml>
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</xml><![endif]--><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>nada
menos que desde el siglo XI hasta 1918 dependiendo de los territorios<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>.
Esto la hace especialmente idónea para un registro discográfico de estas
características, pues por sus distintas pasaron muchos de los mejores
compositores del momento en la Europa del Renacimiento.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Uno de los grandes exponentes de la Casa de los
Habsburgo fue Maximilian I, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico
desde 1486 hasta 1519. Por su corte pasaron algunos de los grandes
maestros del momento. Quizá el de mayor importancia fue <b>Heinric Isaac</b>
[<i>c</i>. 1450-1517], uno de los grandes maestros franco-flamenco, sin duda a
la altura de los grandes como Pierre de la Rue, Alexander Agricola,
Jacob Obrecht e incluso en parte a la de Josquin Des Prez. De él se
interpreta aquí su hermoso y monumental motete <i>Virgo prudentissima</i>
a 6, claro ejemplo de la composición ex profeso para la corte, pues se
creó en 1507 para el Reichstag que confirmaba a Maximilian I como
emperador del Sacro Imperio.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_13434" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
Otro de los grandes autores ya mencionados es <b>Pierre de la Rue</b> [1460-1518], quien fuera miembro de la <i>Grande Chapelle</i> de la corte borgoñona, que por aquel entonces mantenía la regencia de Felipe I de Castilla. <i>Absalon fili mi</i>
a 4 es una obra sobre cuya autoría se lleva años transitando entre la
figura de Des Prez y la de de la Rue. Finalmente parece que este último
es el candidato más defendido para ser el autor de este subyugante y
emocionante motete, uno de los mejores ejemplos de motetes sobre temas
luctuosos y de lamentos de todo el Renacimiento, que parece haberse
compuesto en 1506 con la muerte precisamente del propio Felipe I.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Otro de los grandes compositores franco-flamencos que trabajó para Maximilian I fue <b>Ludwig Senfl</b>
[<i>c</i>. 1486-<i>c</i>. 1543], compositor suizo de nacimiento y alumno de Isaac,
que ayudó a desarrollar de manera fundamental algunos géneros vocales
profanos como el <i>lied</i>. Para la muerte del emperador en 1519 compuso su maravilloso <i>Quis dabit oculis</i> a 4, con gran carga expresiva y una belleza desgarradora.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Otro de las grandes figuras en la Casa de los
Habsburgo es la del emperador Carlos <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>I de España y V de Alemania, como
nos obligaban a repetir en la escuela<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. En su afamada <i>Grande Chapelle</i> o <i>Capilla Flamenca</i> <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>como también se la conocía<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> trabajaron varios de los mejores talentos musicales. Uno de estos era <b>Nicolas Gombert</b>
[<i>c</i>. 1495-<i>c</i>. 1560], que fue cantor de la capilla desde 1526 y maestro de
los niños cantores desde 1529. Precisamente por abusar de uno de estos
infantes fue condenado a galeras, aunque fue perdonado al componer para
el emperador sus cantos del cisne, en probable referencia a sus últimas
composiciones sobre el <i>Magnificat</i>. Aquí se interpreta su <i>Magnificat primi toni</i>
a 4, magnífica pieza en la contrae y expande la polifonía a su antojo
con gran maestría, con secciones a 3 y un esplendoroso final a 6. De él
se registra su composición a 6 sobre la célebre <i>chanson Mille regretz</i>
a 4, denominada como La canción del emperador por decirse que era la
favorita de Carlos V. Gombert amplia de manera realmente hermosa las
cuatro partes originales a seis, convirtiendo así la sencilla
composición original en una magnífica obra de densa textura y un
refinado contrapunto. La <i>chanson</i> original, obra del gran <b>Josquin des Prez</b>
[<i>c</i>. 1440-1521], es un dechado de elegancia y delicadeza, en la que
muestra su genialidad el construir una de las obras profanas más
geniales de toda la historia de la música sobre un material realmente
sencillo. Es por eso que demuestra que es probablemente el autor más
grande de todos los franco-flamencos, al que sin duda admiraban y que
fue inspiración para la gran parte de ellos.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_13435" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
Un ejemplo excelente que aúna el encargo de una obra a medio camino entre lo real y lo religioso es el motete celebrativo <i>Jubilate Deo omnis terra</i> a 6, que <b>Cristóbal de Morales</b>
[<i>c</i>. 1500-1553] compuso en 1538 por encargo de su patrón, el Papa Pablo
III para conmemorar la paz firmada ese mismo año por Carlos V y François
I. Un excelente motete bipartito, que una interesante mezcla de
material exultante con más reflexivo, que utiliza como <i>cantus firmus</i> el <i>incipit</i> del canto <i>Gaudeamus omnes in Domino</i>.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Otro motete festivo es <i>Andreas Christi famulus</i> a 8, compuesto por <b>Thomas Crecquillon</b>
[<i>c</i>. 1505-1557] <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>gran maestro franco-flamenco que desarrolló buena parte
de su carrera en la capilla de Carlos V<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> en 1546 para una reunión de la
Orden del Toisón de Oro, de la que el emperador era miembro. Un motete
extraordinario si nos atenemos a su compleja construcción, armónicamente
muy rica y con recurrente uso de falsas relaciones.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
<i>Carole magnus eras</i> a 5 fue compuesto por otro de los mejores franco-flamencos, <b>Jacob Clement</b> [<i>c</i>. 1510-<i>c</i>. 1555], conocido como Clemens non Papa a raíz de aparecer mencionado en una edición de Tilman Susato como <i>Clement non Papa</i>,
una obra para distinguirlo del Papa Clemente. Motete compuesto
probablemente tres años después de la promulgación de la Pragmática
Sanción de 1549, la cual determinaba que las 27 provincias de los Países
Bajos pasaban a ser propiedad de su hijo Felipe II. Se trata de un
texto latino pero con texto profano, aunque su construcción musical se
corresponde de manera fiel a la de un motete sacro.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Aunque lejos de las tierras de dominio Habsburgo,
Inglaterra estuvo relacionada de manera directo con la dinastía, entro
otras cosas porque Felipe II contrajo matrimonio en 1554 con Mary I. Es
por eso que se añade aquí una obra del maestro inglés <b>Thomas Tallis</b> [<i>c</i>. 1505-1585], uno de los grandes compositores británicos de la historia. Su motete <i>Loquebantur variis linguis</i>
a 7 no tiene una conexión directa con el monarca, aunque se defiende
que es una de las pocas piezas que fueran compuestas para ser
interpretadas en conjunto por la <i>Capilla Flamenca</i> y la <i>Chapel Royal</i>
de la reina Mary. Pieza inusual por su plantilla, muestra la capacidad
de Tallis para condensar una densa textura contrapuntística en una
refinada tela polifónica claramente inteligible.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
<b>Alonso Lobo</b> [1555-1617] es sin duda
uno de los grandes maestros entre la pléyade geniales polifonistas
hispánicos de los siglos XV y XVI. Su delicado y fascinante motete <i>Versa est in luctum</i>
a 6 fue compuesto en 1598 para las exequias de Felipe II, suponiendo
sin duda su gran legado al monarca, que musicaliza uno de los textos
luctuosos más hermosos sobre los que de manera recurrente pusieron
música los maestros hispánicos.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_13436" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150" style="text-align: justify;">
<div class="txa_j">
Se trata, pues, de un registro que aglutina algunas
de las composiciones más hermosas de los siglos XV y XVI, lo que per se
es ya razón suficiente para adquirirlo y escucharlo en momentos de
reflexión, calma y sosiego. Pero es que además está interpretado por <b>Stile Antico</b>,
ensemble británico que desde hace años se encuentra entre lo más
granado de la interpretación de polifonía renacentista en el mundo. Su
calidad vocal fuera de toda duda, su capacidad para acometer lecturas
repletas de rigor, con una afinación, sonoridad y equilibrio dignos del
mejor <i>British sound</i>, del que son garantes desde hace diez años,
sin duda les coloca, por méritos propios, a la altura de los mejores
conjuntos especializados a nivel mundial. Destaca especialmente su
capacidad de conjunto, puesto que llevan prácticamente desde su
fundación con la misma plantilla, lo que les convierte en un excelso
ejemplo del <i>feedback</i> anhelado por cualquier conjunto de estas
características. Además, lejos de esa visión estática y fría que algunos
achacan a ciertos conjuntos británicos, estos jóvenes resultan
tremendamente expresivos, vehementes, elocuentes y evocadores. Han
sabido conseguir la alquimia perfecta para hacernos llegar composiciones
de tan exquisita belleza y tan imponente hondura, como son estas, de la
mejor manera imaginable.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Por lo demás, el compacto es un ejemplo del <i>savoir faire</i> de <b>Harmonia Mundi</b>,
que de manera realmente inteligente apostó por este joven conjunto hace
ya diez años, y que ha ido editando todos sus discos desde entonces <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>su
discografía actual consta de nueve álbumes, a cada cual mejor<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. El
álbum presenta un diseño maravilloso, elegante y vistoso, repleto de
imágenes en color de algunos de los monarcas y cuadros relacionados con
estos, obras de grandes artistas del Renacimiento europeo. Las notas al
programa, obra del cantor <b>Matthew O’Donovan</b>, son
realmente ilustrativas e interesantes. Además, la toma de sonido resulta
absolutamente límpida, nítida y consigue un equilibrio admirable. Gran
trabajo el de <b>Brad Michel</b> en este sentido, y por supuesto el de <b>Robina G. Young</b> como productora habitual de los discos bajo el subsello Production USA de la casa francesa.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Estamos, a todas las luces, ante un disco
esplendoroso. Cualquier apasionado de la polifonía renacentista debe
tenerlo en sus anaqueles, porque encontrar tanta belleza compositiva y
calidad interpretativa en un espacio tan pequeño es difícil actualmente.
Un lujo 100%.</div>
</div>
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
Publicado en <a href="https://www.codalario.com/stile-antico/grabaciones/cd-from-the-imperial-court--de-stile-antico_3198_31_8329_0_1_in.html">Codalario</a> el 05-VI-2015.</div>
<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-63062781321927466302015-07-07T09:44:00.000+02:002015-07-07T09:45:57.215+02:00«Madrigali alla...» | Crítica, para Codalario, del primer volumen de Les Arts Florissants dedicado a los madrigales monteverdianos<span style="font-size: large;"><i><b>Madrigali alla francese</b></i></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<b>Se presenta el primero de los volúmenes que Les Arts Florissants
y Paul Agnew han dedicado a los madrigales monteverdianos, reflejo de
la integral que llevan interpretando desde hace varios años y que en el
presente registro se centra en la ciudad de Mantova.</b></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<i>Madrigali. Vol. II | Mantova</i>. Música de Claudio Monteverdi. Les Arts Florissants | Paul Agnew. Éditions Arts Florissants, 1 CD [AF.003], 2014. T.T.: 74:03.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhtxlHoqihVoZpxFyz7nycgUPxsAu6g4Z7sdONDRciFg9dNIsICZI-LeeJonE-pGZ_NetH0_jHwTx1YI36uLSo5-m9njCNoaUEb1NUdFAMC56l4I917p81lg6D3ek6akum4lgpL-f1PUel/s1600/Madrigali+Vol.+II+%25E2%2594%2582+Mantova.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhtxlHoqihVoZpxFyz7nycgUPxsAu6g4Z7sdONDRciFg9dNIsICZI-LeeJonE-pGZ_NetH0_jHwTx1YI36uLSo5-m9njCNoaUEb1NUdFAMC56l4I917p81lg6D3ek6akum4lgpL-f1PUel/s400/Madrigali+Vol.+II+%25E2%2594%2582+Mantova.png" width="400" /></a></div>
<br />
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Los madrigales monteverdianos siguen siendo cima y culmen del género.
Es bien cierto que no son los suyos los únicos con sobrada calidad y
dosis elevadas de genio <!--[if gte mso 9]><xml>
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</xml><![endif]--><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>no podemos olvidarnos de Carlo Gesualdo,
Luzzascho Luzzaschi o Luca Marenzio<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, pero sí que logró como ningún otro
estructurar un corpus madrigalístico en torno a sus ocho libros que han
pasado a la historia como el mejor ejemplo y el <i>summum</i> de la
producción del madrigal en toda su historia. Ya el pasado febrero
dedicamos una crítica a hablar largo y tendido de la integral que La
Venexiana | Claudio Cavina grabaran durante varios años y que Glossa
reeditaba en un fantástico estuche. Pero los madrigales dan para mucho y
parece que todavía se tiene mucho que decir al respecto, cuando era un
terreno que ya parecía prácticamente inaccesible para los intérpretes,
puesto que estos madrigales se han grabado en numerosas ocasiones y muy
bien, por cierto.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Fue en 2011 cuando el conjunto francés<b> Les Arts Florissants</b>, con su director musical adjunto, el cantante escocés <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>aunque francés de adopción<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span><b> Paul Agnew</b>, se embarcaran en un proyecto fascinante: la interpretación integral en concierto de los ocho libros de madrigales de <b>Claudio Monteverdi</b>
[1567-1643]. Desde entonces y hasta este mes de mayo, cuando se da por
finalizado el proyecto, han llevado por gran parte del mundo y a algunos
de los escenarios más importantes sus interesantes lecturas de este
monumento musical. Afortunadamente, y gracias a la disponibilidad que
actualmente se tiene de la tecnología, y que a Les Arts Florissants es
un conjunto que se afana considerablemente por difundir a los
internautas muchos de sus espectáculos, su integral se ha podido seguir
en directo a lo largo de estos años, concretamente en cada uno de los
conciertos que se han interpretado en la Cité de la musique,
reconvertida este año en la nueva Philharmonie de Paris.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Como reflejo de este magno proyecto, <b>Éditions Arts Florissants</b>, el sello propio creado por<b> William Christie</b>
y su conjunto en 2013, ha planeado la edición discográfica de algunos
de los madrigales. Hay que lamentar que no se trata de una integral,
sino de una edición de tres volúmenes en los que se presentan algunos de
los extractos de los conciertos, por lo tanto, se trata de grabaciones
en directo, lo cual siempre supone un aporte de frescura y naturalidad a
los registros, con algunas pistas pertenecientes no estrictamente al
directo, sino a sesiones de anteriores o posteriores a dichos
conciertos. El concepto a la hora de seleccionar y editar ha sido el
siguiente: los madrigales según las ciudades en las que se compusieron.
Así, se ha presentado primeramente este segundo volumen, que tiene a la
ciudad de Mantova como protagonista.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_13315" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
Están representados aquí su <i>Quarto Libro</i> [1603], <i>Quinto Libro</i> [1605] y <i>Sesto Libro</i>
[1614], publicados todos en ellos en Venezia, a pesar de ser compuestos
en su estancia mantovana. Los límites no resultan tan claros como
podría parecer <i>a priori</i>, pues este <i>Sesto Libro</i> ya coincide con el año en que Monteverdi se traslada a la laguna veneciana, al igual que el <i>Terzo Libro</i>
[1592] lo hace con su traslado a Mantova, sin embargo, se eligen
criterios puramente musicales y de estilo para establecer dicha
separación geográfica. Un total de 22 piezas, que no son sino una
muestra pequeña dentro de la producción total de los tres libros, pero
que sirven como referencia para apreciar el excelso trabajo desarrollado
por Monteverdi durante estos años, especialmente para apreciar su
evolución en la escritura y el tratamiento de las voces, además de la
introducción de acompañamiento instrumental.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
<i>Il quarto libro de madrigali</i> todavía pertenece a los madrigales desarrollados bajo los designios de la <i>Prima prattica</i> o <i>Stile antico</i>,
un estilo dominado por la ausencia de acompañamiento instrumental y en
el que el lenguaje mira en cierta manera hacia el pasado, aunque con
ciertas licencias que Monteverdi supo introducir de manera fantástica,
especialmente en lo que al tratamiento armónico se refiere. Utiliza
básicamente todos los textos firmados por uno de los grandes autores del
momento, <b>Giovanni Battista Guarini</b>. Algunos de los madrigales aquí representados son obras de la grandeza de <i>Sfovaga con le stelle</i>, <i>Si ch’io vorrei morire</i> o <i>Anima dolorosa, che vivendo</i>.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
En <i>Il quinto libro de madrigali</i> se produce
el cambio más sustancial en la historia del género y una inflexión en la
carrera de Monteverdi, pues del total de 19 madrigales que se contienen
en el libro, los trece primeros están escritos en la línea de sus
anteriores libros <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>aquí representados por el célebre <i>Cruda Amarilli</i> o por <i>Era l’anima mia</i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>,
los seis últimos constan de una línea de bajo continuo, algo hasta
ahora inédito. De esta manera el madrigal pasa a convertirse en una
forma musical <i>concertata,</i> suponiendo este uno de los mayores
avances dentro del género. Si bien a principios de siglos algunos
compositores como Salomone Rossi o Luzzaschi ya habían compuesto
colecciones en las que se introducían instrumentos, puede decirse que
con Monteverdi este paso se convertiría en una práctica ya consolidada y
que cambiaría los designios del género desde ese momento. La mayoría de
los textos pertenecen de nuevo a Guarini. Además, Monteverdi se atreve a
traspasar la barrera de las cinco partes para las que había compuesto
todos sus madrigales, y utiliza siete en <i>E così, a poco</i> y nueve en <i>Questi vaghi </i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>que cierra el disco<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, en el que introduce unos pasajes puramente instrumentales a modo de introducción y <i>ritornelli,</i> que suponen otro de los momentos más imponentes en el desarrollo del madrigal a lo largo de su historia.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_13316" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
<i>Il sesto libro de madrigale</i> supone ya el
gran cambio en la producción madrigalística del propio Monteverdi, pero
especialmente en toda la historia del género. Continúa con su estructura
a cinco partes vocales <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>a excepción de su <i>Presso un fiume tranquillo</i>,
obra a siete partes<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, añadiendo en algunos de ellos el bajo continuo,
pero el cambio esencial se produce en el tratamiento de la escritura:
Monteverdi pasa del contrapunto polifónico a una textura en la que la
monodia acompañada comienza a adquirir el mayor peso en las
composiciones. Las partes siguen interactuando, pero ya no lo hacen a la
manera de una pieza polifónica renacentista profana, sino que se
presentan como estructuras complejas en forma y variedad de conjunto que
plantean un evidente cambio de mentalidad. A este libro pertenecen
piezas maestras como su <i>Lamento d’Arianna</i> o la <i>Sestina</i>,
que juntas aglutinan 10 de los 18 madrigales del libro. Los poetas
elegidos para la ocasión son Ottavio Rinuccini, Francesco Petrarca,
Scipione Agnelli y Giambattista Marino.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
¿Y qué pueden ofrecer Les Arts Florissants y Paul
Agnew a unas obras que, como decimos, se han grabado tantas veces y de
manera tan extraordinaria por algunos de los intérpretes a priori más
dotados para ello, como La Venexiana | Claudio Cavina o Concerto
Italiano | Rinaldo Alessandrini? Pues presentan unas lecturas muy
sólidas, técnicamente muy solventes, con una gran carga expresiva, pero
con una visión apasionada que es capaz de mantenerse a cierta distancia.
Al contrario de los italianos, que sienten el género y las obras como
propias, el conjunto francés logra unas interpretaciones vívidas pero
menos mediterráneas, algo más estáticas y menos extáticas, presentando
así a un Monteverdi nuevo hasta el momento, lo cual es todo un logro. Se
cuenta con voces de contrastada calidad, como el propio Agnew o <b>Miriam Allan</b>
[soprano], a la que se añaden auténticas sorpresas <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>al menos para el
que firma<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, la de cantores de una calidad superlativa, entre las que
cabe mencionar la belleza y ligereza de <b>Maud Gnidzaz</b> [soprano], el timbre cálido y el poderosísimo e impactante registro grave de <b>Lucile Richardot</b> [alto], el color británico aportado por <b>Sean Clayton</b> [tenor], o el poderío y contundencia, además de la elegancia en la línea, de <b>Lisandro Abadie</b> y <b>Cyril Costanzo</b> [bajos].</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Se suman a ellos un conjunto de instrumentistas de
enorme calidad, entre los que se encuentra una curiosa mezcla de
experiencia <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>los violines barrocos de <b>Myriam Gevers</b> y <b>Sophie Gevers</b><b><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">-</span>Demoures</b>, las violas barrocas de <b>Galina Zinchencko</b> y<b> Simon Heyerick</b>, la viola da gamba de <b>Anne-Marie Lasla</b> o la tiorba y el laúd barroco de <b>Jonathan Dunford</b> y <b>Massimo Moscardo</b><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> con juventud <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>la tiorba de <b>Thomas Dunford</b> y el clave de <b>Florian Carré</b><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"></span>. El momento conseguido por los instrumentistas en <i>Questi vaghi concenti</i>
es uno de los más gloriosos de cuantos se hayan escuchado a lo largo de
la ingente discografía dedicada a Monteverdi. Si definir el buen gusto
es casi imposible, por lo subjetivo que resulta, desde luego este disco
es un ejemplo magnífico palpable de lo que ello puede ser.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Paul Agnew, que lleva años mostrándose como uno de
los mejores cantantes del repertorio barroco, especialmente en el
francés <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>para mí sin duda uno de los mejores <i>hautes-contres</i> que
han tenido los siglos XX y XXI<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, estaba un tanto alejado de la
interpretación vocal, pues se había centrado en su carrera como
director. Por lo tanto, escucharle aquí para comprobar que sigue en
plano forma, y observar con qué naturalidad es capaz de aunar su faceta
vocal con la directora, suponen un auténtico regalo. Siempre cálido,
elegante, con una fluidez en su línea admirable, con una facilidad para
el agudo de la que adolecen otros muchos, Agnew se presenta aquí además
como un director notable, un gran conocedor del repertorio <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>que llevaba
cantando desde hacía años con otros conjuntos<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, que le postulan como un
director ideal para acometer un proyecto de estas características. El
trabajo realizado es grandioso.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Un disco hermoso que se completa con un doble
libreto realmente cuidado y de máximo interés, pues en el primero,
además de los textos, unas preciosas fotografías, y los datos relevantes
del disco, se añaden una serie de textos del propio Agnew sobre
Monteverdi y sus madrigales, además de un texto de <b>Ritta de Letteris</b> centrado en los poetas de los madrigales y otro de <b>Jean-Pierre Darmon</b> sobre la ciudad de Mantova en la época de Monteverdi. Un segundo libreto presenta el texto inédito del escritor francés <b>René de Ceccatty</b>,
encargado para la ocasión, titulado <i>La Sibylle ou la fresque des
illusions</i>. Un hermoso disco, de cuidado y elegante diseño, que supone un
exquisito trabajo en colaboración de Les Arts Florissants, el Théâtre
de Caen, la Cité de la musique y Radio France. Todo un ejemplo del buen
hacer de los franceses en estas cuestiones. Un Monteverdi no inédito,
pero sí redescubierto, que promete dejarles fascinados. Esperamos con
ansia ya el primer volumen de la serie, dedicado a los tres primeros
libros y a Cremona, que se anuncia para este mes.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="https://www.youtube.com/embed/o3b5ONBVo-I?rel=0" width="640"></iframe><br />
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
Publicado en <a href="https://www.codalario.com/critica/grabaciones/cd-los-madrigali-de-monteverdi-por-les-arts-florissants_3173_31_8244_0_1_in.html">Codalario</a> el 27-V-2015</div>
<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-72122522741106676022015-06-29T09:47:00.002+02:002015-06-29T09:48:31.538+02:00«Herreweghe se...» | Crítica, para Codalario, del disco del Collegium Vocale Gent cvon música de William Byrd<span style="font-size: large;"><b>Herreweghe se pone británico</b></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<b>El director belga nos trae un espectacular registro dedicado a
la figura de William Byrd, uno de los mayores talentos de la Europa del
XVI, en una visión novedosa y exquisita que nos demuestra que estamos
probablemente ante el mejor coro del mundo.</b></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<i>Infelix ego</i>. Música de William Byrd, Alfonso Ferrabosco y
Philippe de Monte. Collegium Vocale Gent | Philippe Herreweghe. Phi, 1
CD [LPH 014], 2015. T.T.: 49:49.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgw810ua16PuX7qbNKjB7EhzGWbWdQEXahEwLtR9DR82zcXLRJkggIVWLwPDR6Jl1wDa9eyZKQO9An-kqLrLwIvyjpS_fA28H-UZbtvo26Pks-7s5ke08Mjs8H0j4gbW8dwJwvMcmdWW8nH/s1600/Infelix+ego.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="356" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgw810ua16PuX7qbNKjB7EhzGWbWdQEXahEwLtR9DR82zcXLRJkggIVWLwPDR6Jl1wDa9eyZKQO9An-kqLrLwIvyjpS_fA28H-UZbtvo26Pks-7s5ke08Mjs8H0j4gbW8dwJwvMcmdWW8nH/s400/Infelix+ego.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Está bien, lo confieso: me apasionan el Collegium Vocale Gent y
Philippe Herreweghe. Por eso, cada nuevo disco en el que se aproximan a
la polifonía del Renacimiento supone para mí todo un acontecimiento <!--[if gte mso 9]><xml>
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<o:Version>15.00</o:Version>
</o:DocumentProperties>
<o:OfficeDocumentSettings>
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</xml><![endif]--><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>ya
lo es cuando lo hacen con Bach y el Barroco, por supuesto<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. Y qué
lástima que no lo hagan más a menudo. Su última incursión fue ese
descomunal doble álbum dedicado a los Responsorios de Semana Santa de
Carlo Gesualdo. Pero hay algo que convierte, más si cabe, a este disco
en un evento de suma importancia: supone el primer acercamiento
discográfico del conjunto a la figura del británico <i>William Byrd</i>
[c. 1540-1623], que es sin duda uno de los compositores más geniales en
la historia de la música europea del siglo XVI, y que si me preguntan,
considero desde luego como el mejor compositor británico de la historia,
así, sin ambages.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Compositor de interesante vida, supo mantener una
curiosa relación con la reina Elizabeth I, siendo él un probado y devoto
católico, además de recusante del protestantismo imperante en la época,
pero que merced a su talento musical y el gusto que por su obra tenía
la reina caminó por la cuerda floja durante toda su vida sin caerse.
Auténtico acróbata vital, Byrd vertió todos los sentimientos de
desasosiego, agobio y desconsuela espiritual por lo que le tocó vivir en
un corpus compositivo de auténtico genio, en la que los géneros más
desarrollados fueron los motetes y la misa latina <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>con todo lo que ello
conllevaba<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Precisamente una de las tres misas que compuso, su <i>Mass for five voices</i>,
se graba aquí como pieza central. Sin duda, estas misas católicas
fueron una de las grandes aportaciones de Byrd a la música del período,
compuestas a tres, cuatro y cinco partes respectivamente, las cuáles
pueden fecharse entre 1593 y 1595. No es posible comprender el porqué de
la atención de Byrd hacia el ordinario de la misa sin observar el
contexto en que fueron creadas. Es precisamente gracias a esa relación
con John Petre, quien tenía su residencia en Essex muy cerca de la de
Byrd, que estas misas pudieron ver la luz formando parte de las
celebraciones secretas en residencias de este tipo, en las que
recusantes de cierto nivel se reunían para realizar oficios católicos y
en los que es muy posible se interpretasen estas misas, cuyas partes
altas podían ser cantadas incluso por mujeres. Las misas carecen de
nombre en su edición original, sin embargo, el nombre de William Byrd
aparece en todas y cada una de las páginas, una auténtica osadía si
consideramos la situación en la que se encontraba. Pero es que, además,
en Inglaterra no se componía una misa desde la década de 1550, cuando
Tallis escribió sus tres misas. Reinventó el estilo, comenzando por
componer sobre el <i>Kyrie</i>, cuando tradicionalmente no se hacía en
Inglaterra. Además se inspiró claramente en la música del continente,
aunque las frases son menos angulosas que las que encontramos en Europa,
con muchos saltos amplios e intervalos de séptima e intervalos mayores;
además, el texto realmente no es fundamental en la estructura de la
pieza <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>excepción hecha del pasaje del <i>Credo</i>: <i>et unam sanctam Catholicam et Apostolicam Ecclesiam</i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>.
Aun así, encontramos referencias a las misas inglesas de la primera
mitad del XVI, sobre todo con inspiración en John Taverner, aunque
realmente Byrd desarrolla una escritura sencilla, en la que las frases
se alejan de aquellos desarrollos inmensos de sus colegas de anteriores
generaciones, utilizando este un material más sencillo y «clásico», en
el que se evita la expresividad explícita. A pesar de su relativa
sencillez encontramos en ellas algunos momentos gloriosos. Esta misa a
cinco partes guarda algunos de los pasajes más impresionante en la
producción de sus misas, como su magnífica musicalización sobre <i>et venturi sæculi</i>. <i>Amen</i> en el <i>Credo</i>, o el hermosísimo y subyugante comienzo del subsiguiente <i>Sanctus</i>,
por poner únicamente un par de ejemplos, pues toda la misa es un
auténtico dechado de la capacidad inmensa de Byrd para la creación
polifónica que conquista el interior más sombrío del oyente.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_13256" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
La otra gran obra en la que se centra la grabación es el motete <i>Infelix ego</i>
a 5, compuesto por Byrd en 1591. Monumental motete tripartito, se trata
sin duda de una de las piezas más impresionantes dentro de su género en
la Europa del Renacimiento. Compuesto sobre una meditación escrita por
Girolamo Savonarola sobre el Salmo 50, Byrd pone en música de manera
fascinante las numerosas declaraciones retóricas y las cuestiones que el
texto hace suyas, mostrando toda la gama de emociones posibles para un
alama atormentada <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>como bien se aclara en las notas críticas del disco<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Se completa el disco con una serie de motetes del propio Byrd, así como de otros compositores. Abre el disco <i>Emendemus in melius</i> a 5, primera de las obras presentadas por Byrd en las <i>Cantiones Sacræ</i>
de 1575, colección de 34 motetes de Byrd y Thomas Tallis, que supuso la
primera colección musical impresa en Inglaterra, que supone además el
comienzo el primer monopolio editorial en la historia de la música
británica para ambos autores, concedido por la reina. También se graban
su precioso, delicado y cas ingenuo <i>Ave Maria</i> a 5, así como su <i>Christe qui lux es et dies</i>
a 5, la pieza más temprana de las aquí se graban, con una escritura muy
homofónica y un estilo que algo más arcaico que puede recordarnos a las
piezas escritas sobre el mismo texto por Robert White [c. 1538-1574].</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Acuden a la cita con Byrd dos autores que siempre se han relacionado de manera directa con él. <b>Alfonso Ferrabosco</b>
[1543-1588] <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>primero de los dos Alfonso Ferrabosco compositores<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>,
maestro italiano que se trasladó a la corte inglesa para servir a
Elizabeth I entre 1562 y 1578, donde con total seguridad conoció a Byrd.
De él se graba su <i>Peccantem me quotidie</i> a 5, motete luctuoso
de refinada escritura y densidad contrapuntística, que delatan a un
compositor bien dotado para la expresividad. El segundo de los
compositores invitados es <b>Philippe de Monte</b>
[1521-1603], compositor franco-flamenco que formó parte de la Capilla
Real de Felipe II, con la que viajó en 1554 a Inglaterra para las
nupcias del monarca con Mary I, y aunque no se tienen datos fehacientes
de que hubiera un encuentro entre ambos en aquel momento <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>Byrd tenía 14
años<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, sí que es sabido el posterior contacto entre ellos, al menos
cuando de Monte envía a Byrd una partitura con su motete <i>Super flumina Babylonis</i> a 8 en 1583, ante lo que Byrd corresponde con el envío de un motete a 8 sobre el texto <i>Quomodo cantabimus</i>. Aquí se registra su <i>Miserere mei</i> a 5 <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>que se encuentra dentro de su <i>Sacrarum Cantionum… liber secundus</i>,
de 1573<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, y que supone un maravilloso ejemplo de la capacidad de este
maestro para combinar estilos variopintos en su escritura, aunque se
contiene una gran carga de la densa y emotiva polifonía franco-flamenca
de la que era absoluto deudor.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
La versión que nos presentan los cantores del <b>Collegium Vocale Gent</b>
resulta absolutamente fascinante. Se trata de una lectura que aúna lo
mejor de los dos mundos más dotados para la interpretación de polifonía
renacentista: el inglés y el noreuropeo [belga-holandés, cabría decir].
Así, se conjuga a cantores de ambas «escuelas», que no son sino maneras
de concebir este repertorio <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>especialmente en cuanto al carácter
aplicado a las interpretaciones y la sonoridad conseguida, más etérea en
el caso de los ingleses y más terrenal en el caso de los noreuropeos<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>,
pero con igual cuidado por la sonoridad hermosa, la afinación perfecta y
el equilibrio más pulcro. Así, contando con el concurso de 12 <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>3 sopranos, 2 contratenores, 4 tenores y 3 bajos<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, se consigue una
emulsión maravillosa. Se aleja un tanto de la visión más celestial, que
persigue por la expresión y la belleza por las vías del sonido y
perfección técnica de los británicos. Aquí encontramos, sin embargo, más
atención y cuidado puesto en el texto, en la retórica. Acostumbrados a
tratar con Johann Sebastian Bach y otros autores barrocos alemanes, los
cantores del Collegium Vocale Gent llevan casi en su ADN la comprensión
de la música unida al texto. Desde luego, si para la polifonía del
Renacimiento esto es básico, lo es aún más para la producción de Byrd,
en la que como decimos, existe una carga notoria de la expresión de sus
sentimientos y acontecimientos vitales volcados en su música sacra
latina.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Esto no sería posible si no estuviera al frente de todo ellos una personalidad como la de <b>Philippe Herreweghe</b>.
El maestro belga, alguien del que se puede decir que es director de
directores, maestro de maestros, logra una excelencia interpretativa
fuera de toda duda. La elección de los <i>tempi</i> es calmada, pero sin detenerse en exceso en las cadencias ni dar un desmesurado espacio para los <i>ritardandi</i>,
consiguiendo así aportar el carácter preciso que cada pieza requiere.
Herreweghe es sin duda un director de ensayo, de grabaciones, de los de
trabajo de fondo. Quizá su gesto no dice mucho, incluso puede resultar
confuso. Es entonces cuando uno comprende que su grandeza está en todo
el trabajo previo a un concierto en vivo o el registro final de un
registro discográfico. Su inmensidad está en la comprensión de la
música, en la visualización que de ella tiene en su cabeza y en la
manera en que consigue hacerla llegar a sus cantores. La elección de un
cantor por parte para el <i>Infelix ego</i> si bien no me parece un
acierto, pues se trata de música de gran densidad, que si bien es cierto
requiere de extrema limpidez en la elaboración de las cinco líneas, no
lo es menos que la expresividad y la densidad de su textura resulta a
veces demasiado raquítica con un solo cantor por parte, a pesar de que
estamos ante una lectura de primer nivel. Esta es la única mácula que
puede ponerse a un disco de una calidad superlativa, que nos muestra un
Byrd de exquisita sonoridad y de una carga retórica hasta ahora pocas
veces escuchado.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
El álbum, decimoquinto en el cada vez más profuso
catálogo del sello Phi <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>que él mismo Herreweghe fundara en 2010<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, cuenta
con la toma de sonido, edición, masterización y producción de <b>Thomas Neubronner</b>, de <b>Tritonus,</b>
especialista de probada calidad en el campo de la música antigua, que
si bien en esta ocasión deja introducirse algunos sonidos que resultan
molestos, si bien el balance y el trabajo sonoro por lo demás resulta
fantástico. Se completa con unas excelsas notas críticas firmadas por <b>Andrew Carwood</b>,
uno de los mayores especialistas en el mundo de la obra de Byrd, no en
vano, como cantor y director del conjunto The Cardinall’s Musick ha
llevado a cabo una grabación integral de su obra que aún sigue en curso y
que lleva la nada desdeñable cifra de 14 volúmenes editados.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Me volveré a mojar, si para mí Byrd es el mejor
compositor británico de la historia <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>Händel no es británico, se siente<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>,
el Collegium Vocale Gent en el mejor coro del mundo, entendiendo como
tal a aquel que consigue un mayor nivel en prácticamente todos los
repertorios posibles, desde el Renacimiento hasta el siglo XX. Desde
este manera de verlo y a mí entender, no tiene rival. No se pierdan,
pues, este disco, pues encontrarán belleza a raudales y si conocen bien
la música de Byrd, hallarán en él una visión hasta ahora desconocida,
que por otro parte, le sienta como un guante.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="https://www.youtube.com/embed/ck1G7c24ilE?rel=0" width="640"></iframe><br />
<br />
<div style="text-align: right;">
Publicado en <a href="https://www.codalario.com/critica/grabaciones/cd-herreweghe-y-su-collegium-vocale-gent-redescubren-a-byrd_3160_31_8188_0_1_in.html">Codalario</a> el 21-IV-2015.</div>
</div>
<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-14822403276746782512015-06-26T10:53:00.001+02:002015-06-26T10:54:42.484+02:00«Que continúe...» | Crítica, para Codalario, de la última aportación rameauniana en Glossa<span style="font-size: large;"><b>Que continúe el festejo</b></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<b>Glossa no ceja en el empeño de rescatar obras olvidadas en la
producción del compositor francés y presenta esta primera grabación
mundial de una de las obras que contiene alguno de los números más
vibrantes de su producción escénica.</b></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<i>Les Fêtes de Polymnie</i>. Música de Jean-Philippe Rameau. Aurélia
Legay, Emőke Baráth, Márta Stefanik, Véronique Gens, Mathias Vidal,
Thomas Dolié, Domonkos Blazsó • Purcell Choir • Orfeo Orchestra | György
Vashegyi. Glossa Music, 2 CDs [GCD 923502], 2015. T.T.: 127:03.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAxFHKCE3d2pu7pfp1f9zmxWKdOI-QCJmnwKTDD98QKYjTMiJXbDt3HLK270I_kvIxLlqdWe8qfe0YJ7nl_nyEqbm9-5FUiQNfF9eTehD5GsX523H7ujwsaNaPEobw5jNsjAQD_GW0j9qR/s1600/Les+F%25C3%25AAtes+de+Polymnie.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="356" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAxFHKCE3d2pu7pfp1f9zmxWKdOI-QCJmnwKTDD98QKYjTMiJXbDt3HLK270I_kvIxLlqdWe8qfe0YJ7nl_nyEqbm9-5FUiQNfF9eTehD5GsX523H7ujwsaNaPEobw5jNsjAQD_GW0j9qR/s400/Les+F%25C3%25AAtes+de+Polymnie.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
A pesar de que la festividad <b><i>Rameau 2014</i></b>
ya terminó de manera oficial el pasado diciembre, somos afortunados al
poder decir que los ecos de la efeméride siguen llegando y que parece
que la cosa va para largo. Este registro es un claro ejemplo, como lo
son también la edición de <i>Castor et Pollux</i> en la versión de 1754 que acaba de presentar Harmonia Mundi, o las grabaciones de <i>Le Temple de la Gloire</i> y <i>Zaïs</i>
que están pendientes de salir al mercado en los próximos meses. El
registro discográfico que aquí presentamos tiene el valor añadido de
tratarse de una primera grabación completa de la obra, que por otro lado
lleva sin ser interpretada desde el 30-IV-1754. Han tenido que pasar
tal ingente cantidad de años para que alguien se decidiera a presentarla
al público para que este pueda por fin disfrutarlo.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<i><b>Les Fêtes de Polymnie</b></i> es un <i>ballet héroïque</i> en un prólogo y tres entrées, que <b>Jean-Philippe Rameau</b> [1683-1764] compuso en 1745 sobre libreto de <b>Louis de Cahusac</b>
[1706-1759]. La obra se estrenó en la Académie Royale de Musique de
Paris el 12 de octubre de 1745, siendo posteriormente repuesta en 1753 y
1754. El año de 1745 fue especialmente prolífico para Rameau, ya que
además de esta obra compuso <i>La Princesse de Navarre</i>, <i>Platée</i>, <i>Le Temple de la Gloire</i> y <i>Les Fêtes de Ramire</i>.
Este año abre, por lo demás, el período más fructífero en su carrera,
tercera de las etapas compositivas en su carrera operística que llegará
hasta 1751 y en la que compondrá un total de 12 obras para la escena.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Este es un período en el que la relación estrecha de
Rameau con la corte favorece la creación de muchas piezas escénicas
destinada a celebrar o conmemorar algún evento real importante, es por
eso que estamos ante un período tan fructífero en lo creativo, que por
otra parte alienta la creación de obras de tipo cortesano <!--[if gte mso 9]><xml>
<o:DocumentProperties>
<o:Version>15.00</o:Version>
</o:DocumentProperties>
<o:OfficeDocumentSettings>
<o:AllowPNG/>
</o:OfficeDocumentSettings>
</xml><![endif]--><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>nada de
tragedias<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, como <i>comédie-ballet</i>, <i>acte de ballet</i>, <i>ballet bouffon</i> o este <i>ballet héroïque</i>. De hecho, <i>Les Fêtes de Polymnie</i>
tiene a la victoria de Louis XV en la Batalla de Fontenoy, lo que
cambió el balance a favor de los franceses en la Guerra de Sucesión
Austríaca [1740-1748], como trasfondo de la historia. Son estas, obras
con una carga de propaganda política elevada, entendiéndolo como lógico
si se comprende el contexto en que nacen. Como se destaca en las notas
críticas del disco, estudios llevados a cabo por la experta en Rameau,
Sylvie Bouissou, junto a Thomas Green sugieren que esta obra se concibió
para su estreno en la corte, pero una intriga <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>para algunos
posiblemente dirigida por Voltaire<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> detuvo las representaciones en
Versailles para enviarlas directamente a la Académie Royale de Musique,
estrenándose en octubre de 1745. A pesar de las pocas representaciones
de las que gozó <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>y eso que la crítica fue bastante favorable para la
obra<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, las diversas copias de la partitura que se han conservado
atestiguan una numerosa cantidad de modificaciones efectuadas por Rameau
a lo largo de estas representaciones, lo que no sorprende en el caso de
este autor, acostumbrado a retocar sus obras una y otra vez de manera
notable.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_13191" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
La obra supone el primer encuentro entre Rameau y
Cahusac, que será la relación más fructífera en la carrera de ambos.
Cahusac fue capaz de atraer a Rameau ante sus ideas renovadoras del
drama. Cahusac aceptaba las diferencias existentes entre<i> tragédie lyrique</i> y <i>opéra-ballet</i>,
y era consciente de que no podía proporcionar a la última la densidad
teatral de la primera, es por ello que se propone dejar espacio en el
ballet para el canto, la danza y los efectos escénicos. Pone así de
relieve que en el drama esto no ha tenido el suficiente espacio para
desarrollarse. El desarrollo de los <i>ballets figurés</i> es el
espacio a través del cual todo se estructura y cobra sentido. Cahusac
dejará, por lo demás, pequeños esbozos de sus ideas masónicas, las
cuales parece que Rameau compartía y gustaba de fomentar.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
El prólogo es una alegoría de la victoria real en Fontenoy, y aunque Cahusac concibe las <i>entrées</i>
con su propio argumento, todo el drama está en cierta manera
interconectado. Polymnie, musa de la retórica celebra la victoria
militar en un variopinto y elocuente espectáculo, para el que irá
atrayendo a cada una de las tres entradas que protagonizan el drama: <i>La Fable</i> [la Leyenda], <i>L’Historie</i> [la Historia] y <i>La Féérie</i>
[el Encantamiento o Cuento de hadas]. Como no podía ser de otra forma,
un enredo amoroso subyace en la escena, el protagonizado por Alcide y
Hébé, y también habrá espacio para la magia creada por Oriade en la
última entrada. Una obra, en definitiva, que muestra la capacidad de
Cahusac y Rameau para conformar un espectáculo escénico de primer nivel,
que aúne todos los elementos necesarios para una obra de estas
características y para el contexto y las exigencias que debe cumplir.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Y es precisamente en este punto donde cabe celebrar
la genialidad «rameauniana», que es capaz de poner una excelsa música a
pasajes que quizá carecen de la enjundia literaria necesaria. Sin
embargo, el genio de Dijon se muestra pletórico, como da muestra de ella
la impresionante y luminosa <i>ouverture</i> que abre el drama,
auténtico desafío a la historia de la obertura francesa, que muestra ya
la capacidad del autor para pasar por su exquisito tamiz todos los
elementos y herramientas de la tradición operística francesa. Para
algunos, el prologue de <i>Les Fêtes de Polymnie</i> es probablemente
el más hermoso de cuantos salieron de la mente de Rameau. Sin
aventurarnos tanto, sí diremos que se trata de una obra de un calibre
sobresaliente, al alcance de muy pocos, como queda constancia en sus
maravillosos pasajes instrumentales, sus fantásticos coros y las
delicadas y elegantes arias. Sus <i>entrées </i>no son menos y nos deparan
algunos momentos inconmensurables <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>escúchese, por ejemplo, la descomunal
<i>Chaconne dansé et chantée</i> y sabrán a qué nos referimos<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_13192" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
Lo que más sorprende de la presente grabación, que
como decimos supone un aporte fascinante al patrimonio musical francés,
es la elección de sus intérpretes. Si bien el elenco vocal está bien
representado por algunos de los mayores expertos en la ópera francesa
del XVIII en la actualidad, el coro, la orquesta y quien se sitúa al
frente de todos suponen todo un descubrimiento. El <b>Purcell Choir</b> y la <b>Orfeo Orchestra</b>
son dos conjuntos húngaros especializados en la interpretación con
criterios históricos del Barroco y Clasicismo europeo. Conjunto poco
conocido, no se encuentra desde luego entre la lista de 15 o 20
conjuntos especializados en el repertorio francés que a cualquier
conocedor del mismo le vendría a la cabeza. Y sin embargo, su concurso
en la presente grabación es excepcional. La orquesta se muestra muy
sólida, con un sonido muy cuidado, una gran sección de viento madera,
así como una cuerda muy equilibrada y de terso y límpido sonido. Se hace
notar el manejo y la mano sabia y experimentada de <b>Simon Standage</b>
como concertino <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>uno de los dos o tres instrumentistas no húngaros de
la orquesta<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. La orquesta utiliza 6/6 violines I/II, 3 hautes-contre de
violon, 2 tailles de violon, 1 basse de viole, 3 violonchelos y 2
contrabajos, además de 2 traversos, 2 oboes, 2 fagotes, 2 trompas,
trompeta, timbales y 2 claves. Del mismo modo, el coro cumple su papel
con gran solvencia <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>si bien quizá sale algo peor parado en comparación
con los franceses<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. Incluso se adecuan a la vocalidad francesa,
utilizando tres voces masculinas y solo a féminas para las sopranos <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>recordemos que los franceses utilizaban históricamente a tenores agudos
para la línea de altos<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. Con un nutrido número de componentes <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>que
privilegia de manera especial a sopranos y bajos<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, el sonido es
realmente equilibrado, con una afinación interesante y un color pulido.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
El elenco vocal, encabezado al menos en lo publicitario por la mezzo francesa <b>Véronique Gens</b>,
se completa con algunas voces de primer nivel <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>la mayoría, como en el
estreno, multiplican sus apariciones en diversos roles a lo largo de la
obra<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. Bien dotada aunque algo irregular se muestra la voz de <b>Aurélia Legay</b>, soprano francesa de poderosa emisión, aunque con un registro agudo a veces estridente. <b>Emőke Baráth</b>
es una interesante, y desconocida para nosotros en este repertorio,
soprano húngara, de bello timbre, grácil línea de canto y una adaptación
estilística fabulosa. El apartado de voces femeninas se completa con la
ya mencionada Gens, que es sin duda el principal reclamo vocal del
elenco, a pesar de que su participación no es tan elevada como la de
otros personajes. La <i>mezzo</i> francesa es sin duda la más experimentada en
el repertorio, y si bien ya no está en el glorioso momento en que se
hallaba a finales de los 90 y comienzo del presente siglo, sigue siendo
una artista muy completa, con una capacidad vocal fascinante y una
presencia escénica poderosa y epatante. El haute-contre francés <b>Mathias Vidal</b>
es sin duda uno de los cantantes más requerido en los últimos años a la
hora de grabar ópera francesa y especialmente de Rameau. Es un buen
cantante para este repertorio, con un registro agudo quizá no tan
delicado y fluido como el que podemos tener en la cabeza de los grandes
representantes del repertorio, que además en ocasiones resulta un tanto
engolado, pero sirve bien a las exigentes líneas que depara Rameau a los
roles que interpreta. <b>Thomas Dolié</b> es, junto a Bárath,
el gran descubrimiento del registro, un barítono francés de hermosa
sonoridad, gran presencia escénica y un gusto envidiable. Por lo demás,
la soprano <b>Márta Stefanik</b> y el bajo húngaro <b>Domonkos Blazsó</b> cumplen de manera correcta con su escueto papel.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Todos están fantásticamente comandados por <b>György Vashegyi</b>,
clavecinista y director húngaro que sorprende a propios y extraños por
su impresionante adecuación al lenguaje y estilo de la ópera francesa.
Fundador en 1990 del Purcell Choir y un año después de la Orfeo
Orchestra, se muestra muy preparado para acometer esta grabación, con un
sentido muy fluido del ritmo, sabiendo aportar los colores
instrumentales que cada pasaje requiere, dejando libertad a los
cantantes, pero equilibrando muy bien las fuerzas para que no se
produzcan desajustes entre estos y la orquesta, cediendo espacio al coro
para su lucimiento, tratando las danzas con rigor y una especial
sonoridad. En definitiva, todo un trabajo de filigrana que le lleva a
convertirse en un gran aporte en la discografía «rameauniana».</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
El álbum, realmente esperado por los apasionados de
Rameau que el mundo son <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>y son muchos<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, muestra como siempre las
calidades a las que el sello <b>Glossa</b> y su director <b>Carlos Céster</b> nos tienen acostumbrados, aunque con algunos cambios respecto a grabaciones precedentes, como el diseño, esta vez a cargo de<b> Rosa Tendero</b> [<b>rosacasirojo</b>], es mucho más minimalista. La toma de sonido de <b>Ádám Matz</b>
resulta quizá demasiado presente en algunos momentos, pero sin embargo
deja a los graves en un plano demasiado alejado, aunque equilibra muy
bien a los solistas y capta los matices del coro de manera vibrante. Las
notas al programa, que resultan excelsas <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>como es marca de la casa<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>,
están firmadas por <b>Benoît Dratwicki</b>, todo un especialista y director artístico del <b>Centre de Musique Baroque de Versailles</b>, que es a su vez el idóneo productor para un registro de estas características.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Estamos sin duda ante una aportación fundamental a
la discografía, que pone por fin en liza una de las pocas obras
escénicas de <i>Euclide-Orphée</i> que faltaban por grabar. Un evento
de magnitudes muy considerables, que sigue mostrando que Rameau no es
flor de un año, y que ya no solo en Francia se interesan y saben
interpretar su música con esta enorme calidad. El festín continúa, para
regocijo de todos.</div>
<br />
<div class="txa_j">
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="https://www.youtube.com/embed/gd-ivQT6bh4?rel=0" width="640"></iframe>
</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: right;">
Publicado en <a href="https://www.codalario.com/critica/grabaciones/cd-les-fetes-de-polymnie--rameau-de-nuevo-a-escena_3147_31_8146_0_1_in.html">Codalario</a> el 16-IV-2015. </div>
</div>
<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-80166242504408725512015-06-23T09:55:00.002+02:002015-06-23T09:57:43.782+02:00«Corelli...» | Crítica del último disco de Enrico Gatti y Ensemble Aurora para Glossa<span style="font-size: large;"><b>Corelli redescubierto</b></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<b>El violinista italiano y su conjunto graban por primera vez
estas sonatas inéditas, recientemente atribuidas al maestro de
Fusignano, en unas lecturas fascinantes y preclaras que suponen un
aporte trascendental a la fonografía existente del compositor italiano.</b></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<i>The ‘Assisi’ Sonatas</i>. Música de Arcangelo Corelli. Ensemble Aurora | Enrico Gatti. Glossa Music, 1 CD [GCD 921209], 2014. T.T.: 74:43.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3vW4m6AtL14WgLjVzenqKQZunXxB3XEI3dvBfli8wHMS29Xc2goTikXOewpTA17W5uC2djLpNIm4eyxm9xo0gTowNl7qKVmZ6-WGiE_hcSSB6GKKKCxqDajCcXNTsKzrQ9mx_JoZBXTcI/s1600/The+%2527Assisi%2527+Sonatas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="355" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3vW4m6AtL14WgLjVzenqKQZunXxB3XEI3dvBfli8wHMS29Xc2goTikXOewpTA17W5uC2djLpNIm4eyxm9xo0gTowNl7qKVmZ6-WGiE_hcSSB6GKKKCxqDajCcXNTsKzrQ9mx_JoZBXTcI/s400/The+%2527Assisi%2527+Sonatas.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
La música es fascinante. Cuando parece que ya está todo dicho de un
autor dado <i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>además de uno de esos sobre los que se ha vertido mucho
trabajo<i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i> llega alguien y nos muestra que todavía cabe un poquito más.
Este es el caso del registro fonográfico que presentamos aquí, que tiene
como protagonista a <b>Arcangelo Corelli</b> [1653-1713], figura fundamental en el desarrollo de la sonata para violín <i><!--[if gte mso 9]><xml>
<o:DocumentProperties>
<o:Version>15.00</o:Version>
</o:DocumentProperties>
<o:OfficeDocumentSettings>
<o:AllowPNG/>
</o:OfficeDocumentSettings>
</xml><![endif]--></i><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>da Camera</i> y <i>da Chiesa</i><i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>
y del <i>concerto grosso</i>, además de uno de los maestros más influyentes de
todo el Barroco europeo, imitado por muchos de los más grandes. De
Corelli se tenía claro desde hace varias décadas que su corpus
compositivo se componía únicamente de seis colecciones: cinco de ellas
dedicadas a sonatas para violín <i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>la última para violín y continuo,
mientras que todas las anteriores para dos violines y continuo<i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>,
centrando su Op. VI en el <i>concerto grosso</i>, publicando la colección más
importante e influyente en la historia de la música dentro de este
género. Además de estos seis <i>opus</i> se ha ido añadiendo algunas
piezas sueltas que se le han ido atribuyendo a lo largo de los años,
especialmente para violín y continuo, algunas <i>sonate a quattro</i>, e
incluso alguna obra para trompeta.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Por lo tanto, lo que supone esta aportación, ya no
solo al mercado discográfico, sino a la historia de la música es algo
que va más allá de un mero registro discográfico en el que se graban
algunas piezas de nueva atribución. Y es que estas <i>«Assisi» Sonatas</i> suponen un descubrimiento mayúsculo, pues hablamos de la incorporación del que sería su séptimo <i>opus</i>, compuesto por estas doce <b><i>Sonate da Camera à violino e violoncello solo</i></b>
hasta ahora desconocidas y por supuesto nunca antes grabadas en disco
compacto. Estas doce sonatas, llamada así por encontrarse custodiadas en
el Sacro Convento di San Francsico de Assisi, se han hallado en el
llamado <i>Ms. Assisi 177</i>, junto a una serie de obras, copias de
piezas conocidas de autores como Tomasso Albinoni, Giuseppe Torelli o el
propio Corelli <i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>algunas sonatas de su Op. V<i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>, así como algunas obras de
autor anónimo. El manuscrito parece haber sido descubierto en 1963 por
el musicólogo Mario Fabbri, aunque desde el comienzo estas sonatas
fueron catalogadas como espurias por Hans Joachim Marx, quedando fuera,
por tanto, de la edición crítica de la <i>Opera Omnia</i> de Corelli.
Sin embargo, y tras un exhaustivo estudio por parte de musicólogos e
intérpretes, se ha llegado a la conclusión de que sí se trata de piezas
con la mano de Corelli tras de sí. Piezas sin duda muy unidas a la
sonata de la escuela bolognesa del XVII, además de con grandes
similitudes en cuanto al uso de ciertos recursos, pero también en su
estructura, y con claras concordancias con algunas de las sonatas
posteriores de las que no se tiene duda de su autoría. Todo ello hace
que, tanto para <b>Guido Olivieri</b> <i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>musicológo y autor de las magníficas notas críticas del registro<i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i> como para <b>Enrico Gatti</b>
–quien no solo las graba aquí, sino que ha sido el autor de la edición
crítica de las mismas–, se trata de una colección de sonatas con clara
autoría por parte del maestro de Fusignano.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025 tooltipblq" id="blq_13089" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
Obras de duración muy breve, que suelen construirse en base a tres movimientos: un preludio inicial de carácter calmo y <i>tempo</i> lento, que es seguido por dos movimientos de danza con un <i>tempo</i> más ágil y un carácter más animoso, que suelen ser un <i>Balletto</i>/<i>Alemanda</i> para el primero, y una <i>Corrente</i>/<i>Gavotta</i>
para el último de ellos. Por su estructura, así como su lenguaje, y por
supuesto por la localización del manuscrito, se apunta a que se trata
de obras escritas durante su etapa en Bologna <i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>las datan como anteriores
a 1675<i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>, probablemente como ensayos previos a sus composiciones
posteriores <i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>para Olivieri se aprecia cierta inexperiencia en la
escritura en el tratamiento de la sonata<i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>. Si bien es cierto que no se
trata de piezas tan redondas como las de su Op. V, ni tan siquiera de su
primer opus, publicado en Roma en 1681, no lo es menos que se aprecian
algunos momentos gloriosos de esa escritura que tan grande le haría en
Italia y en gran parte de Europa. Algunos de sus movimientos lentos
iniciales son de una elocuencia y belleza fascinantes: escúchese el
Preludio: Adagio de la Sonata n.º 4 en Do mayor, el Preludio: Adagio de
la Sonata n.º 2 en La mayor, o el Preludio de la Sonata n.º 12 en La
mayor <i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>fantástico el bajo caminante tan característico en la escritura
de Corelli<i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Se completa el disco con cuatro sonatas que forman parte del catálogo «corelliano», dentro del apéndice <i>Anhang,</i>
piezas que parecen proceder de su período romano, con una escritura más
refinada, experimentada y pulida, pero que precedida de la escucha de
las «Assisi» Sonatas da interesantes y claras muestras de la similitud
existente en el lenguaje compositivo entre todas ellas.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
El trabajo realizado aquí por el violinista Enrico
Gatti, especialista en el violín barroco, y de manera particular en el
repertorio italiano de los siglos XVII y XVIII, es absolutamente
admirable, y en el caso que nos ocupa poco menos que devocional por su
parte. Gatti es uno de los intérpretes más solventes en el aspecto
técnico de cuantos se han dedicado en las últimas décadas al violín
barroco, pero se presenta como un intérprete muy dotado en el aspecto
expresivo, que cuida de manera muy profunda. Es, por lo demás, uno de
los intérpretes musicológicamente más rigurosos del panorama,
seleccionando siempre programas de gran interés y que aportan algo
siempre novedoso, mostrando siempre lecturas muy acertadas en la
elección de los <i>tempi</i> y en el carácter que aporta a cada pieza.
Por eso, el hecho de que se muestre tan seguro al atribuir la autoría
de estas piezas al gran Corelli, convierte a este registro en un
descubrimiento de unas magnitudes muy considerables.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Le acompañan en la empresa el violonchelo barroco de <b>Gaetano Nasillo</b> <i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>otro de los intérpretes más capaces del planeta en su instrumento<i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>, así como <b>Anna Fontana</b> en el clave. Todos interpretan con instrumentos puramente originales <i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>violín Cornelis Kleymann, Amsterdam, <i>c</i>. 1660; violoncello Giuseppe Ungarini, Fabriano <i>c</i>.
1750; clavicembalo anónimo, Firenze, segunda mitad del XVII<i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>, lo que
confiere a esta grabación otro punto más para auparla a un lugar de
privilegio. La lecturas resultan límpidas, realmente honestas, muy
apasionadas, pero manteniendo esa mirada con cierta distancia que aporta
sosiego. En definitiva, unas interpretaciones muy inteligentes, que
saben gestionar de manera sobresaliente los escollos y encumbrar piezas
quizá aún carentes de la genialidad del Corelli maduro, pero con trazas
de una calidad compositiva de enorme calado.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Un disco, que como es habitual en <b>Glossa</b>,
se completa con una edición de lujo, una gran toma de sonido <i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>gran
balance entre las líneas, aunque quizá algo presentes algunos ruidos
externos que perturban un tanto la escucha<i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i> llevada a cabo por <b>Raffaele Cacciola</b> <i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>quien también produce<i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>, con la edición y masterización de <b>Sigrid Lee</b>, pasando por las manos finales de <b>Carlos Céster</b> y su asistente editorial, <b>María Díaz</b>,
para firmar un trabajo de lujo. Sin duda un trabajo que muestra un
nuevo Corelli, hasta ahora inédito, que sitúa a este álbum como un
imprescindible para los apasionados seguidores de su música, que el
mundo hay muchos. Creo que Gatti no pudo estar más acertado al dedicar
la presente grabación <i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i>aunque editado en 2014, la grabación es de
diciembre de 2013<i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span></i> con las siguientes palabras que me permito el lujo de
reproducir aquí para cerrar esta crítica, pues me parecen el homenaje
más sincero que un intérprete puede hacer:</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_c" style="text-align: center;">
<i>Ad Arcangelo Corelli</i><br />
<i>Maestro di stile, grazia e dolcezza, nel 300º aniversario della sua morte.</i><br />
<i>Ratio nunc est, impetus ante fuit.</i><br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="https://www.youtube.com/embed/TtcN2dnkgl4?rel=0" width="640"></iframe>
</div>
</div>
<div class="txa_c" style="text-align: right;">
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
Publicado en <a href="https://www.codalario.com/critica/grabaciones/cd-the-assisi-sonatas--el-corelli-desconocido-del-ensemble-aurora_3126_31_8059_0_1_in.html">Codalario</a> el 8-IV-2015.<i> </i></div>
<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-22081552729228671412015-06-19T10:50:00.000+02:002015-06-19T10:51:31.208+02:00«El talento de...» | Crítica, para Doce Notas, de la monografía de David Schulenberg sobre Carl Philipp Emanuel Bach<span style="font-size: large;"><b>El talento de un hijo a la sombra del padre</b></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<b>El autor estadounidense firma un
fantástico y completo texto que viene a llenar el hueco existente entre
las monografías dedicadas en los últimos años a uno de los grandes
compositores del XVIII.</b></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<i>The Music of Carl Philipp Emanuel Bach</i>. David Schulenberg.
Rochester, University of Rochester Press, 2014. 434 pp. ISBN:
978-1-58046-481-9.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiL7Pg8KaIV8LeF2h5cUJSD2MFVAxkv-zdX2XQyMvhkjG97E1_NVtLtja1goiQjh7qWI5IF35llWM9VBl72BJN5SpI_mucjgOEjVN-naFKpmPN-LkTUShHgacZ38Up6CgKFlc9sSYutesHx/s1600/Untitled-1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiL7Pg8KaIV8LeF2h5cUJSD2MFVAxkv-zdX2XQyMvhkjG97E1_NVtLtja1goiQjh7qWI5IF35llWM9VBl72BJN5SpI_mucjgOEjVN-naFKpmPN-LkTUShHgacZ38Up6CgKFlc9sSYutesHx/s400/Untitled-1.jpg" width="268" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
El pasado 2014 fue un año realmente intenso en la celebración de
efemérides de gran importancia, especialmente de algunos de los
compositores más trascendentales que el siglo XVIII haya legado a la
historia de la música occidental. Casos como el de Jean-Philippe Rameau o
Christoph Willibald Gluck fueron muy celebrados. También lo fue el caso
que aquí nos ocupa, <b>Carl Philipp Emanuel Bach</b>
[1714-1788], a todas luces uno de los compositores más destacados
durante todo el siglo XVIII, que ayudó a regenerar la manera de concebir
el arte de la creación musical. A pesar de que en España esta efeméride
pasó sin pena ni gloria <!--[if gte mso 9]><xml>
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<o:Version>15.00</o:Version>
</o:DocumentProperties>
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</o:OfficeDocumentSettings>
</xml><![endif]--><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>prácticamente como la mayoría de ellas<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, sí
que fue realmente muy celebrada, especialmente en países más cercanos al
desarrollo vital y creativo del autor, como Alemania.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Si bien, la importancia de nuestro protagonista le ha hecho merecedor
de una intensa actividad musicológica alrededor de su figura y obra,
este texto que aquí presentamos, bajo el título de <b><i>The Music of Carl Philipp Emanuel Bach</i></b>,
viene a completar la visión sobre él de la manera más elocuente
posible, pues en cierta manera aporta datos y se centra en repertorio y
obras que no se habían tratado hasta el momento, lo que da <i>per se</i> un valor inconmensurable. Así, <b>David Schulenberg</b>,
musicólogo estadounidense e intérprete de instrumentos de teclado
históricos, autor por lo demás de algunos libros y artículos de
importancia, relacionados en general con la familia Bach <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>especialmente
en cuanto a la obra para teclado de Johann Sebastian, así como la figura
de los dos primeros hijos de este<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, nos presente en este libro una
amplia perspectiva de toda su obra, no únicamente la de teclado <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>que por
otra parte es la que más ha sido estudiada e interpretada<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, sino
también de sus composiciones vocales <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>sacras y profanas<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, orquestales y
de la música de cámara. Lo sitúa de una manera muy razonada dentro de su
contexto social e histórico, pues ello es fundamental para comprobar
cuál fue la elección en su manera de componer en base a lo que conocía y
a las opciones de las que disponía. El autor no muestra medias tintas y
explicita con meridiana claridad el porqué de que Carl Philipp
rechazara el estilo compositivo de su padre y se afanara por buscar su
lugar en un período realmente convulso en lo estético y con constantes
cambios en la manera que se tenía de concebir la música.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
No se trata en realidad de una biografía o un estudio únicamente
centrado en su obra, sino que el autor combina de manera muy sabia ambos
elementos, construyendo así una fascinante biografía compositiva. Un
estudio sobre su obra estructurado en torno a doce capítulos a través de
los cuales Schulenberg se afana en aclarar por qué unos géneros y no
otros, por qué este o aquel modelo, dónde reside la estética compositiva
del segundo hijo del <i>Kantor</i>. Así, sitúa la acción en un capítulo introductorio que titula <i>Emanuel Bach in context</i>,
que aunque corto sirve para centrar el devenir de las trescientas
páginas posteriores. Los tres capítulos siguientes están dedicados a su
formación y estancia en Leipzig, así como su paso por otras ciudades: <i>A Student in Leipzig</i>; <i>Leipzig: First Works;</i> <i>From Lepizig to Frankfurt (Oder) and Berlin</i>. Posteriormente la etapa en Berlin <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>inevitable revisar su relación con Friedrich II en la corte prusiana<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>: <i>Joining the Court:</i> <i>Bach at Berlin; Bach’s Works of the 1740s: Sonatas, Concertos, Trios</i>; <i>Berlin and After: Songs and the Aesthetic of Vocal Music</i> <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>capítulo muy interesante, pues se sumerge en él en su música vocal de
pequeño formato, la cual estaba bastante desatendida por la musicología,
para dar algunas claves fundamentales sobre su estilo compositivo aquí y
sobre los cambios que se producen en la estética del momento en este
tipo de géneros, como en <i>lied</i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>; <i>Leaving the Court: Music Mainly for Concerts</i>. Para finalizar con la etapa de Hamburg <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>su período más cercano a la iglesia como compositor y <i>Kantor</i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>: <i>The Later Keyboard Music</i>; <i>Church Piece and Oratorio at Hamburg</i>; <i>Swan Songs</i>.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Sorprende la ausencia total de ilustraciones entre sus numerosas
páginas, sin embargo, Schulenberg es prolijo en la reproducción de
partituras en todos los capítulos, haciendo de muchas de ellas análisis
breves pero muy interesantes y necesarios para clarificar los aspectos
comentados en el texto. Además, se pone a disposición del lector una
página <a class="ext-link" href="http://faculty.wagner.edu/david-schulenberg/the-music-of-carl-philipp-emanuel-bach/" rel="external nofollow" target="_blank" title="">web </a>en
la que se aportan numerosos materiales gráficos, así como auditivos,
que sirven como un complemento magnífico a la lectura. Lástima que los
audios disponibles estén únicamente en MIDI y no se trate de grabaciones
reales de las obras <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>lo que en el caso de los pasajes para teclado no
hubiera resultado muy complicado para el propio autor de la monografía<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Estamos, pues, ante un texto de primer nivel, una perspectiva nueva,
amplia, sin ambages, bien trabajada, que muestra la labor de un
talentoso hijo que debió vivir a la sombra del genio de un padre del que
renegó en estilo, pero al que admiraba con orgullo, consciente de que,
aunque anticuado en su manera de hacer, había logrado llegar a la cumbre
de la creación en aquello que él mismo practicaba. Un libro que celebra
a las mil maravillas los 300 años de su nacimiento, mostrando de manera
honesta la figura de un compositor de primer orden, que si bien no está
en el mismo escalón que su padre <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>quién lo está, por otro lado<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, sí es
uno de los compositores de mayor importancia durante el siglo XVIII, al
cual actualmente se está empezando a valorar en su justa medida. Libros
tan excelsos como este ayudan mucho en esta exigua <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>hasta el momento<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>,
pero loable labor.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
Publicado en <a href="http://www.docenotas.com/123434/the-music-of-carl-philipp-emanuel-bach-el-talento-de-un-hijo-a-la-sombra-del-padre/">Doce Notas</a> el 23-IV-2015.</div>
<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-13313835037763828192015-06-16T11:06:00.000+02:002015-06-16T11:07:11.875+02:00«El Bach nuestro de...» | Crítica, para Codalario, del último disco como solista del clavecinista Ignacio Prego<span style="font-size: large;"><b>El Bach nuestro de cada día</b></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<b>El clavecinista Ignacio Prego presenta en Cantus su extraordinaria visión de las llamadas <i>Suites Francesas</i> en un registro que muestra la exquisita simbiosis entre él y la música del <i>Kantor,</i> y le posiciona como uno de los mejores clavecinistas de su generación</b></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<i>The French Suites</i>. Música de Johann Sebastian Bach. Ignacio Prego. Cantus Records, 2 CDs [C 9642/43], 2014. T.T.: 108:33.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiDe9_VjeaWOy_DQOJJL1Omw4UP6d0KZnDCiW8S2Q7yq3zs6CL6xeNJfxA9Z6HwAkXb2wazkEENDTp6yGQpO319HhEextiNkGVxfJtuDla4wqwgz4A3Cs1gMTLH9ShMYgHuhZrQNCtqElR/s1600/The+French+Suites+%25E2%2594%2582+Prego.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="357" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiDe9_VjeaWOy_DQOJJL1Omw4UP6d0KZnDCiW8S2Q7yq3zs6CL6xeNJfxA9Z6HwAkXb2wazkEENDTp6yGQpO319HhEextiNkGVxfJtuDla4wqwgz4A3Cs1gMTLH9ShMYgHuhZrQNCtqElR/s400/The+French+Suites+%25E2%2594%2582+Prego.png" width="400" /></a></div>
<br />
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
¿Qué sería de nosotros sin BACH? Y desde luego, ¿qué sería de los
clavecinistas? Cuando uno se pone delante de unas obras de este calibre,
el mundo parece mejor ahí fuera, incluso todas las tropelías
ejercitadas por los seres humanos cada día parecen olvidarse mientras no
cesen las notas. Desde luego, si hay algo por lo que la humanidad pueda
estar orgullosa es por haber visto crear a <b>Johann Sebastian Bach</b> [1685-1750], a todas las luces el mayor talento musical de cuantos han existido en la historia.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Sus <i><b>Die Französischen Suiten</b></i>, o <i><b>Suites Francesas</b></i> <!--[if gte mso 9]><xml>
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</xml><![endif]--><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>nombres por los que se conoce a esta serie de seis suites para clave que alberga el catálogo del <i>Kantor</i>
de la Thomaskirche con los números BWV 812-817<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, son obras compuestas
probablemente entre 1722 y 1725, período que transita entre Köthen y su
traslado a Leipzig, y forman parte <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>junto a las llamadas <i>Suites Inglesas</i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>
de una serie de suites para clave que nunca llegaron a publicarse
durante su vida y de las que solo se conserva el manuscrito. Son obras
que parecen concebirse para el aprendizaje del teclado, por lo que no
encontramos en ellas una complejidad de líneas o armónica descomunal,
pero sí una escritura siempre interesante, que tiene algo que aportar al
lenguaje clavecinístico y que resultan, por encima de todo,
tremendamente idiomáticas. El curioso apelativo de «francesas» <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>no
original, sino utilizado posteriormente para describirlas<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> hace alusión a
su carácter, al lenguaje compositivo empleado por Bach en este serie de
seis composiciones que suponen un extraordinario ejemplo de la inmensa
capacidad del compositor alemán para plasmar, en este caso, lo mejor de
la música francesa, pasado todo ello, por supuesto, por el tamiz del
alemán y por su incontenible capacidad creadora. Las seis suites se
estructuran en torno a las tonalidades de Re menor, Do menor, Si menor,
Mi bemol mayor, Sol mayor y Mi mayor, y del mismo modo, en torno a
cuatro danzas principales que hayamos en todas ellas: <i>allemande</i>, <i>courante</i>, <i>sarabande</i> y <i>gigue</i>, a las cuales se añade otras para completar cada una de las obras, como la <i>gavotte</i>, el <i>menuet</i>, la <i>bourrée</i>, o la <i>loure</i>.
Curiosamente el número de movimientos de los que se componen las suites
es muy variopinto: cinco, seis [II], siete [II] y nueve. Compuestas
entre las suites llamadas <i>inglesas</i> y las partitas pueden carecer de la complejidad estructural y de la escritura contrapuntística que se encuentra en las <i>inglesas</i>,
pero nos muestran una cercanía interesante a la escritura galante, que
las hacen tremendamente características y que muestran a un Bach
fascinante. Hay aquí un equilibrio en cierta manera más «ligero» <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>mejor
diríamos no tan denso como es costumbre<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, con una mayor atención a la
danza, y una dualidad fantástica entre la visión más puramente melódica y
la rítmica.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_12822" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
Precisamente en este tesoro que es la mezcla de lenguajes reside su principal complejidad y lo que las hace un <i>tour de force</i>
para los intérpretes. Al contrario de lo que sucede con la música para
teclado de los franceses del XVIII o la de algunos italianos del XVII,
quienes explicitaban con meridiana claridad cómo querían que se
interpretase su música en cuanto a los ornamentos, la obra de Bach está
exenta de ello en este sentido, puesto que el <i>Kantor</i> nunca
teorizó sobre el asunto, aunque si es bien cierto que en algunas de sus
obras escribió algunos de los ornamentos que debían ejecutarse e incluso
escribió unas tablas que explicaban qué quería expresar cada
ornamentación, pero sin embargo no indicó en qué pasajes o momentos
debían utilizarse unas u otras. En estas suites hay ya algo de esta
ornamentación escrita, y aunque no resulta una información muy
exhaustiva, sí ayuda a la hora de transitar por tan peligroso terreno.
Esto las hace más complejas en cuanto a su interpretación.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Es prácticamente imposible inclinarse o decidir qué
obra u obras «bachianas» están por encima de otras. No se puede decir
que las <i>Suites Francesas</i> sean un mejor ejemplo compositivo de
su genialidad, ni que muestren una cara cualitativamente superior dentro
de su corpus clavecinístico. Tanto las partitas, como las <i>Suites Inglesas</i>, las <i>Goldberg</i>
o el resto de piezas para clave del maestro de Eisenach nos muestran lo
mejor de la producción de la escritura para clave en la historia. Lo
que sí puede destacarse de estas suites de corte francés es que nos
presenta un Bach que sigue sonando a Bach <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>¿qué obra suya no suena
irremediablemente a él?<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, pero que lo hace de manera más velada a través
de ese color francés y en cierto modo galante <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>entendiendo el término
con la mejor de las acepciones posibles<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. Ello hace de estas obras algo
muy especial y sin duda las acerca más a la memoria del oyente.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
<b>Ignacio Prego</b>, joven clavecinista
madrileño, formado entre España y Estados Unidos <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>donde reside
actualmente<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> nos acerca estas seis piezas en su visión realmente
exquisita. La técnica se le supone, pero aun así, qué magnífico escuchar
el transitar de sus dedos por los teclados, especialmente por la
fluidez conseguida. Los ornamentos se nutren del propio discurso para
florecer y lo hacen con gracia y finura francesas. Las repeticiones <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>ese
debate eterno<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> discurren con soltura, siempre tienen algo que añadir,
no son un mero pasaje accesorio que se podría eliminar. Si bien no son
estas piezas en las que encontramos una profundidad comparable a la de
otras piezas para teclado <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>tampoco es música superflua, por supuesto<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>,
sí que en ellas Prego es capaz de inducir al oyente a un estado de
calma, de sosiego, de introspección y de disfrute maravillosos. Y nos
depara momentos tremendamente expresivos, en los que la emoción es pura y
aflora con absoluta crudeza; si no se emocionan con la <i>Sarabande</i>
de la Suite n.º 5, entonces no están ustedes hechos para esto. Un Bach
muy francés, pero muy Bach, que Prego es capaz de presentar de la manera
más honesta y natural posible. Se trata, sin duda, de unas lecturas muy
inteligentes, en las que la registración es capaz de aportar los bellos
colores necesarios en cada momento, en la que los <i>tempi</i> son
muy ajustados, ayudando a cada movimiento a mostrar su carácter preciso.
Ayuda mucho el precioso sonido del instrumento construido por<b> Keith Hill</b>
en 2011 sobre modelos de claves de Ruckers y Taskin, con esa hermosa
sonoridad francesa, aunque quizá algo «apagado» en los graves en
comparación con un clave puramente alemán.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
El clavecinista ha estado muy bien rodeado para la ocasión. Primeramente por la sobresaliente acústica de la sala cedida en <b>La Villa de Ronald</b>
para la grabación durante 2013 <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>la grabación ha permanecido algún
tiempo reposando hasta que finalmente fue editada<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, y después por
profesionales de gran calado que han ayudado a hacer de esta una gran
grabación. Así, debemos felicitar a <b>Federico Prieto</b> por
la cálida y límpida toma de sonido, que saca lo mejor del clave,
especialmente en el registro medio-agudo, con un balance muy logrado,
además de por su posterior trabajo en la mezcla y masterización. También
al clavecinista<b> Yago Mahúgo</b> por sus sabios consejos
como director artístico de la grabación, que nos consta ayudó en mucho a
Prego. Y por supuesto, en último lugar, pero no por ello menos
importante, sino todo lo contrario, a <b>José Carlos Cabello</b> por poner su extraordinario sello, <b>Cantus Records</b>,
al servicio de todos nosotros para editar un producto de estas
dimensiones. Como siempre, y es lo que hace a algunos sellos auténticas
joyas en el mercado del disco, no estamos ante una simple grabación
discográfica, sino ante un producto, no ya musical, sino cultural, de
primer orden. Un diseño más novedoso en relación a lo que Cantus suele
ofrecer <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>en esta ocasión con fotografías de <b>Adolfo Prego</b><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>,
pero de igual modo cuidado y excelso, en el que se cuidan todos los
detalles y que aporta, como es costumbre, unas notas críticas de primer
nivel, firmadas en esta ocasión por <b>David Schulenberg</b>,
que si bien más cortas que en otras ocasiones siguen manteniendo el
punto justo de sapiencia y enciclopedismo, pero haciéndolas accesibles
al lector más neófito y por supuesto al más avezado.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Nuestra más sincera enhorabuena y agradecimiento más
puro, pus, a todo este equipo, y especialmente a Ignacio Prego, por
hacernos llegar unas <i>Suites Francesas</i> absolutamente
referenciales, que en nada tienen que envidiar a las grandes lecturas
realizadas en su día por los que son las grandes figuras del
instrumento. Sin duda estamos ante un intérprete fuera de serie, y al
que nos permitimos dejar un mensaje: siga con Bach, porque hay tiene
mucho y muy bueno que decir.</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="https://www.youtube.com/embed/hf1MO-TLIMU?rel=0" width="640"></iframe>
</div>
<div class="txa_j" style="text-align: right;">
<br />
Publicado en <a href="https://www.codalario.com/critica/grabaciones/cd-the-french-suites--un-bach-descomunal-por-ignacio-prego_3070_31_7852_0_1_in.html">Codalario</a> el 21-IV-2015 </div>
<div style="text-align: center;">
</div>
<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-45043183939350633222015-06-12T10:39:00.002+02:002015-06-12T10:39:45.459+02:00«El comienzo de...» | Crítica, para Codalario, del primer volumen del proyecto Haydn2032<span style="font-size: large;"><b>El comienzo de todo un hito discográfico</b></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<b>Codalario otorga su<i> Sello de Calidad</i> a este primer volumen de <i>Haydn2032</i>,
un ambicioso y espectacular proyecto que pretende grabar y editar la
integral de sinfonías del compositor austríaco a lo largo de 18 años.</b></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<i>Haydn 2032 </i>|<i> No. 1 La Passione</i>. Música de Franz Joseph
Haydn y Christoph Willibald Gluck. Il Giardino Armonico | Giovanni
Antonini. Joseph Haydn Stiftung Basel | Alpha Production, 1 CD en
edición de coleccionistas, 2014. T.T.: 70:52.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOzRM70wA7Whoh1b6-6umH76Z_hCooRSDpNN5QfpCMCTlhybRaAXp8GMeb8Tsl65IXILWg2-taB7IyU5M6CrOaLQwgwnqloX6D9giSHmGxNA9KkJLiONgQOHCGJHcnM8g5d81UuvAGp5bc/s1600/Haydn2032+%25E2%2594%2582+No.+1+La+Passione+%25E2%2594%2582+Calidad+Codalario.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="348" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOzRM70wA7Whoh1b6-6umH76Z_hCooRSDpNN5QfpCMCTlhybRaAXp8GMeb8Tsl65IXILWg2-taB7IyU5M6CrOaLQwgwnqloX6D9giSHmGxNA9KkJLiONgQOHCGJHcnM8g5d81UuvAGp5bc/s640/Haydn2032+%25E2%2594%2582+No.+1+La+Passione+%25E2%2594%2582+Calidad+Codalario.jpg" width="640" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Hay proyectos discográficos que suponen per se un absoluto hito. En los
últimos años hemos presenciado algunos de ellos, como la integral de
cantatas bachianas llevadas a cabo por autores como John Eliot Gardiner,
Masaaki Suzuki o Ton Koopman; la integral del corpus compositivo de
Dieterich Buxtehude, firmada por el propio Koopman; la Vivaldi Edition,
que pretende grabar toda la obra vivaldiana conservada en la Biblioteca
Nazionale Universitaria de Torino, de la mano de varios conjuntos de
fama internacional; o la integral de sonatas para clave de Scarlatti que
grabara en su día el gran Scott Ross, por ejemplo.</div>
<br />
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Pues bien, este que tenemos aquí pasa a engrosar, sin duda alguna, esta lista, porque bajo el nombre de <i><b>Haydn2032</b></i> se proyecta grabar la integral de las sinfonías que <b>Franz Joseph Haydn</b>
[1732-1809] compusiera a la lo largo de su vida y que culminará
precisamente para conmemorar en 2032 el 300 aniversario de su
nacimiento. No se trata de una novedad, puesto que las 107 sinfonías de
Haydn ya han sido grabadas en su totalidad por varias orquestas del
mundo e incluso por alguno de los conjuntos historicistas más
prestigiosos <!--[if gte mso 9]><xml>
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</o:OfficeDocumentSettings>
</xml><![endif]--><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>es célebre la versión de Christopher Hogwood al frente de
The Academy of Ancient Music<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. El proyecto nace dentro de la<b> Joseph Haydn Stiftung Basel</b>, que ha planeado grabar el más de centenar de sinfonías de la mano de <b>Giovanni Antonini</b> al frente <b>Il Giardino Armonico</b> y <b>Kammerorchester Basel</b>, ambas formaciones de gran calado en la interpretación de la música del XVIII con criterios e instrumentos históricos.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Bajo el título de <i>La Passione</i> se presenta el primer
volumen de este magno proyecto, que incluye tres sinfonías del autor
austríaco, además del ballet <i>Don Juan ou Le Festin de Pierre</i>, de <b>Christoph Willibald Gluck</b> [1714-1787].</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Las tres sinfonías que componen este volumen inicial
son las números 39 HOB. I:39, 49 HOB. I:49 y 1 HOB. I:1. La sinfonía
no. 1 data de 1757, su época preEsterházy y es una de las más antiguas.
Se compuso probablemente para el Conde Morzin. Se trata de una pieza en
la tonalidad de Re mayor <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>muy favorable para el viento-metal<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>,
compuesta para cuerda, 2 oboes y dos trompas, y que consta, como el
modelo previo de la sinfonía barroca, de tres movimientos: un poderoso
Presto inicial <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>fantástico el juego de contraste entre el tutti
orquestal y el pequeño motivo de la cuerda<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, al que le sigue un Andante
liviano provisto de cierta ligereza y en el que el viento no participa;
para terminar con un Finale: Presto de gran sonoridad y algunos toques
casi cercanos a la fanfarria. Es difícil encontrar antecedentes o
modelos en la obra de Haydn en sus comienzos, aunque algunos han querido
ver en el comienzo de esta sinfonía no. 1 reflejos de la llamada
Escuela de Mannheim, especialmente por el recurso muy utilizado del <i>crescendo</i> orquestal.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_12705" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
Por su parte, la sinfonía no. 39, en la tonalidad de
Sol menor, data de 1765. Y es precisamente en su tonalidad donde
encontramos el principal aporte de Haydn con esta obra a la historia de
la música, pues es la única contribución que realiza a las sinfonías de
la escuela vienesa en esta tonalidad de Sol menor, y que parece ser la
primera obra sinfónica desde 1757 escrita en una tonalidad menor. La
instrumentación requerida es de 4 trompas, 2 oboes y cuerda, lo que para
algunos supone todo un ejercicio de genialidad, especialmente por
utilizar un par de trompas en Si bemol y el otro par en Sol sonando a la
vez, algo que no suele realizar con asiduidad, puesto que lo habitual
era alternar su presencia. Se estructura en torno a cuatro movimientos:
un vigoroso Allegro assai en el que las trompas dominan el intrigante
comienzo, para dar paso a un <i>tutti</i> orquestal y a un posterior
dominio de la cuerda <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>que repite un precioso motivo hacia la parte final
de la exposición<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> y los oboes, con gran dominio de las dinámicas bajas;
le sigue un Andante en compás ternario [3/8] con un bajo muy marcado,
en una escritura algo inusual para Haydn; el ternario sigue marcado
gracias al Menuet. Trio posterior, de corte muy clasicista y en el que
el peso del viento en evidente; para concluir con un Finale: Allegro di
molto, de carácter agitado y un contraste muy incisivo tanto en la
figuración como en la dinámica.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
La tercera sinfonía presentada es la que da título al registro, <i>La Passione</i>,
sinfonía no. 49, en la tonalidad de Fa menor, que data de 1768 y es la
única de las tres aquí grabadas de la que se conserva el manuscrito
autógrafo, albergado hoy en el Musik- och teaterbiblioteket de
Stockholm. El sobrenombre de <i>La Passione</i> no es original ni
corresponde a su autor, sin embargo ha sobrevivido a los años y se la
sigue conociendo como tal. Queda apuntado en un documento de 1811 que
Haydn había perdido a un familiar recientemente y de ahí el sobrenombre y
el carácter en cierta manera melancólico de la pieza, aunque como
sucede con la mayoría de las obras de su etapa temprana y media apenas
se conocen los motivos e implicaciones del autor en la obra. La
sinfonía, compuesta para 2 trompas, 2 oboes y cuerda, comienza con un
Adagio repleto de ternura y delicadeza con gran protagonismo de la
cuerda; le sigue un trepidante Allegro di molto en el que los violines I
desarrollan un fulguroso tema que será desarrollado durante el
movimiento; el Menuet. Trio sirve para dar un pequeño respiro ante tanta
melancolía y <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>en cierta manera<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> agresividad contrastantes, en el que
observamos la ligereza propia del ternario y de este tipo de movimientos
en las sinfonías del Clasicismo, con gran protagonismo del viento, que
sostiene gran parte del movimiento; la sinfonía concluye con un Finale:
Presto con el que regresamos a la brusquedad, a las figuras breves, al
calor de la agitada rítmica, para concluir una sinfonía de tintes
enérgicos.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_12706" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
Como aporte extra en la grabación se incluye el ballet pantomime <i>Don Juan ou Le Festin de Pierre</i>,
una obra compuesta en 1761 por Christoph Willibald Gluck. Esta obra
supuso en su momento un acontecimientos de dimensiones mucho más
importantes de lo que cabría pensar en un principio, puesto que se trata
de la primera obra en la que la acción dramática se mantiene únicamente
con música instrumental, sin un solo fragmento cantado ni hablado,
además de gracias al uso de la gestualidad corporal. Existen
principalmente dos versiones de esta pieza: una larga, que contiene 30
números, y una corta, que consta de 15 y que parece ser la original de
1761 <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>que se graba aquí<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. Es música realmente muy descriptiva, que pinta
escenas de manera muy particular y que tiene en alguno de sus números
un cierto olor español. Es música con una claro toque italianizante y
que se ha introducido aquí como complemento porque en cierta manera
ambos muestran una mentalidad similar y alguno aspectos concretos
coincidentes para mostrar diferentes cuestiones en sus respectivas
obras. Si<i> Don Juan</i> se erige como el primer ballet con
pantomima, en el que se es capaz de mostrar pasiones humanas solo con la
música y el gesto, en estas sinfonías de Haydn se observa un
vocabulario similar de la retórica gestual, al menos así lo defiende <b>Bernhard Lassahn</b> en las notas críticas.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Los encargados de estrenar tan ambicioso proyecto son <b>Giovanni Antonini</b>,
director italiano de gran calado, no ya solo en la música barroca, sino
también en el Clasicismo e incluso en la música del XIX; quien está el
frente de <b>Il Giardino Armonico</b>, conjunto historicista
que él mismo fundara en 1985. Si bien el conjunto saltó a la fama
mundial por sus enérgicas lecturas de las obras instrumentales de
Vivaldi, posteriormente han abierto su mente hacia repertorios diversos y
más tardíos. En su discografía no se encuentran, sin embargo, muchas
referencias dedicadas a la música del Clasicismo, de hecho únicamente
hayamos una, un disco titulado La Casa del Diavolo, con obras de Gluck,
Carl Philipp Emanuel Bach, Wilhelm Friedemann Bach, Pietro Locatelli y
Luigi Boccherini. Es por eso que nos sorprendió en cierta manera la
elección de estos intérpretes para llevar a cabo todo un proyecto como
este, lo cual implica un conocimiento del lenguaje y de la
interpretación profundos <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>no es lo mismo tocar Haydn que Vivaldi, es
obvio<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. Pues escuchado convenientemente el presente registro podemos
decir que la elección es absolutamente acertada y que se sostiene de
manera fantástica <i>per se</i>.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
El trabajo de los instrumentistas es realmente
pulcro, logrando un sonido exquisito en cada pasaje. La formación no es
tan amplia como parece que se tiene asimilado para este tipo de obras <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>los apasionados de las grandes orquestas sinfónicas para este
repertorio no encontrarán aquí eso buscan, pero sí otras muchas de las
que quizá puedan aprender algo<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, pues la cuerda es en cierta manera
reducida [4/4/2/2/1], además de los instrumentistas de viento
convenientes, con los dos oboes, las cuatro trompas, un fagot, el clave y
unas castañuelas para una pequeña intervención en Gluck. Como decimos,
el trabajo de todo ellos resulta admirable. Se plasma aquí un Haydn más
íntimo, pero no raquítico; más articulado, pero no desmesurado; con más
carácter, pero no desproporcionado; más elegante, pero no pastoso. Unas
sinfonías que aparecen clarividentes en las líneas y su equilibrio, con
un control de las dinámicas excelso <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>las dinámicas bajas son realmente
poderosas<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, muy contrastantes en el carácter de los diversos movimientos
y pasajes, pero que fluye de manera muy natural y que encaja a las mil
maravillas, como un engranaje perfecto. El trabajo de Antonini al frente
es como él mismo, dinámico, preciso, profundo, a veces extremo, pero
con sentido. Desde luego, si bien no es una sorpresa absoluta, sí que se
muestran mucho más adecuados a este repertorio de lo que cabría pensar <i>a priori</i>.
Esperemos la llegada de sinfonías de la etapa tardía, quizá más alejada
del lenguaje que en cierta manera dominan estos intérpretes <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>pues aquí
se graban obras de su período temprano y medio, los cuales están más
cercanos al lenguaje barroco<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. De cualquier forma, visto lo visto, nos
esperamos lo mejor de ellos.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
El proyecto sale en dos formatos: uno habitual, en cedé, editado por <b>Alpha</b>,
y otro segundo en edición para coleccionistas, con únicamente 1500
copias editadas, que se presenta en un gran formato <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>tamaño de vinilo,
pero también en disco compacto<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, con preciosas fotografías de <b>Gueorgui Pinkhassov</b>, además de unos textos del ya mencionado Bernhard Lassahn, todo ello supervisado por la editora <b>Anna Iskina</b> y con un gran trabajo de diseño por parte de <b>ussus.kommunikation</b>. Es necesario destacar el trabajo realizado por el musicólogo <b>Christian Moritz-Bauer</b>, quien ha ayudado a sostener la parte teórica del proyecto. Excelente trabajo, por lo demás, el de <b>Tobias Lehmann</b> en la toma de sonido, <b>Julian Schwenkner</b> en la edición y masterización y el <b>Friedemann Engelbrecht</b>
en la producción. Este es, sin duda, un equipo bien avenido que trabaja
de manera brillante para conseguir sacar productos de la excelencia del
presente registro, que inaugura con magnificencia el que es, a todas
luces, uno de los hitos discográficos del siglo XXI.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: right;">
Publicado en <a href="https://www.codalario.com/critica/grabaciones/cd-la-passione--sello-de-calidad-codalario-para-el-comienzo-del-proyecto-haydn2032_3048_31_7779_0_1_in.html">Codalario</a> el 15-IV-2015. </div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="https://www.youtube.com/embed/NVTrluuuFBU?rel=0" width="640"></iframe>
</div>
Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-43086573163734674452015-06-09T10:08:00.000+02:002015-06-09T10:09:00.139+02:00«Salve, señor de...» | Crítica, para Codalario, del debut discográfico del clavecinista Javier Nuñez en Cantus<span style="font-size: large;"><b>Salve, señor de los instrumentos</b></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<b>Javier Nuñez debuta discográficamente con este extraordinario
recital centrado en música para teclado de la Italia de los siglos XVI y
XVII en el que muestra toda su capacidad virtuosística y expresiva,
para bordar un disco de los que incitan a ser escuchados una y otra vez.</b></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<i>á modo italiano</i>. Música de Antonio Valente, Giovanni de Macque,
Luzzasco Luzzaschi, Ercole Pasquini, Giovanni Maria Trabaci, Girolamo
Frescobaldi, Ascanio Mayone, Giovanni Salvatore, Gregorio Strozzi,
Bernardo Storace y anónimo. Javier Nuñez. Cantus Records, 1 CD [C 9615],
2014. T.T.: 58:00.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYONuETF9yPAKztmSL-WQtoptppAep2efhhZAbF64egAfCB47qId0E8WflaPRtoodvU-BRtejY95h3E42OQbE9ArgsxeYkqT9aUqlYrqbpmNmdfYhJExoU_gXN0jOv7_j76ntuR8fxGwdT/s1600/%25C3%25A0+modo+italiano.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="356" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYONuETF9yPAKztmSL-WQtoptppAep2efhhZAbF64egAfCB47qId0E8WflaPRtoodvU-BRtejY95h3E42OQbE9ArgsxeYkqT9aUqlYrqbpmNmdfYhJExoU_gXN0jOv7_j76ntuR8fxGwdT/s400/%25C3%25A0+modo+italiano.png" width="400" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
No me resisto a añadir aquí la cita con la que se abren las notas
críticas del presente registro, firmada por Giovanni Maria Trabacci y
aparecida en su <i>Il Secondo Libro de Ricercate & altre varij Capricci</i>
[Napoli, 1615]: «porque el cembalo es Señor de todos los instrumentos y
en él se puede tocar cualquier cosa con facilidad». Sin querer abrir
aquí un debate sobre si es el clave el auténtico rey de los instrumentos
o no, y poniendo al maestro Trabacci un poco en tela de juicio en
cuanto a su aseveración de que en él se puede tocar lo que sea con
facilidad, sí que nos parece que la cita es muy acertada en cuanto al
sentido de la presente grabación. Es este un álbum se presenta como un
dechado de imaginación, de diversidad consonante, de una desaforada
pasión y respeto por un repertorio muy concreto, el que los compositores
italianos de los siglos XVI y XVII dedicaron a los instrumentos de
tecla, especialmente el clave, con una querencia particular hacia los
compositores napolitanos.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
El recital se estructura en torno a tres zonas
geográficas bien delimitadas, y todas a su forma muy definidas
estilísticamente. El repertorio napolitano es, como decimos, el más
privilegiado aquí, en el que se destaca la presencia de autores como <b>Antonio Valente</b> [<i>fl</i>. 1565-1580], del que se interpreta una maravillosa <i>Fantasia</i>, además del alegre y danzante <i>Tenore del Passo e mezzo</i> & <i>La Romanesca </i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"></span>música con gran carga del <i>basso ostinato</i><!--[if gte mso 9]><xml>
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<o:Version>15.00</o:Version>
</o:DocumentProperties>
<o:OfficeDocumentSettings>
<o:AllowPNG/>
</o:OfficeDocumentSettings>
</xml><![endif]--><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>; <b>Giovanni de Macque</b> [<i>c</i>. 1550-1614], de quien se graba su <i>Capriccietto</i> <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>fantástica esa escala descendente inicial<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> y la <i>Seconde Stravaganze</i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;"></span> <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>de carácter calmo y una escritura armónica realmente compleja<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, y que
aunque nacido en Francia ha pasado a la historia como un napolitano más,
pues fue maestro de otros de los grandes maestros napolitanos de los
que aquí se graba alguna pieza, como <b>Ascanio Mayone</b> [<i>c</i>. 1565-1627] <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>su <i>Toccata Quinta</i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> y <b>Giovanni Maria Trabaci</b> [<i>c</i>. 1575-1647] –registrándose aquí su fabulosa y armónicamente interesante <i>Consonanze stravaganti</i>, además de su <i>Gagliarda Quarta a 5, alla spagnola</i> y su visión del madrigal <i>Io mi son giovinetto</i>–. <b>Giovanni Salvatore</b> [1610-<i>c</i>. 1688] es otro de los autores napolitanos aquí presentes, del que se graba su <i>Canzone Francese Seconda, del Nono Tuono Naturale</i>,
una obra que mira en cierta manera hacia la modernidad de la sonata;
terminando el recorrido por los compositores napolitanos con <b>Gregorio Strozzi</b> [<i>c</i>. 1617-<i>c</i>. 1687] y su <i>Sonata di basso solo per Cimbalo, & Arpa ò leuto</i>
en la que se deja claro la escritura para dúo y que le unen en cierta
manera más a la manera de hacer renacentista que a la barroca.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Sicilia también tiene un pequeño pero importante espacio dedicado, y lo hace por medio de <b>Bernardo Storace</b> [<i>fl</i>. 1644], interesante compositor del que no se conocen muchos datos y del que se graba su variación sobre la célebre canzona <i>Monica</i>.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_12618" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
El resto de compositores presentes se establecen en
torno a la ciudad norteña de Ferrara, que está en cierta manera muy
unida a Roma, pues muchos de estos maestros desarrollaron buena parte de
su carrera en la capital italiana. Así, podemos escuchar piezas de <b>Luzzasco Luzzaschi</b>
[1545-1607], compositor ferrarés más conocido por su aportación vocal y
por ser el maestro de Frescobaldi, de él se interpreta su <i>Ricercare del secondo tono</i>,
una pieza en un estilo que le une más a los polifonistas
franco-flamencos que a la escritura para tecla italiana. De su alumno, <b>Girolamo Frescobaldi</b> [1583-1643], uno de los grandes maestros del teclado en la Italia del XVII, se nos muestra su <i>Capriccio di durezze</i>, maravillosa pieza que se enmarca dentro del hacer de la época en cuanto a las llamadas <i>durezze</i> <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>manera de tratar las disonancias<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> y <i>ligature</i> <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>las suspensiones armónicas<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. <b>Ercole Pasquini</b> [<i>c</i>. 1550-<i>c</i>.
1620] es probablemente el autor para tecla más importante e interesante
de Ferrara, como dan buena muestra las dos piezas aquí presentes: <i>Rugieri</i> y<i> Ancor che col partire</i>, en un estilo quizá no tan novedoso como el que emplea en su <i>toccate</i>, pero que presenta al gran autor que es.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Como última pieza del registro aparece un <i>Colascione</i>, doble pieza anónima italiana del XVII que se conserva en dos manuscritos: <i>Chigi. QIV28</i>, de la Biblioteca Apostolica Vaticana [Roma], y <i>Ms. 964</i>,
de la Biblioteca Pública, Braga, y que llevan el título de este curioso
instrumento de cuerda pulsada, largo mástil, numeroso trastes y
únicamente dos o tres cuerdas que se tañen con plectro.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
<b> Javier Núñez</b> es el dotado
alquimista capaz de conjugar de manera magistral todos estos elementos.
Su pulsación es límpida, elegante, sutil, repleta de matices, pero sobre
todo es especialmente expresiva, muy evocadora, casi pictórica.
Técnicamente se muestra sobrado ante las complejidades melódicas y
armónicas a las que se tiene que enfrentar en este repertorio, el cual
es tremendamente exigente, pero lo que más sorprende en su
interpretación es lo exquisito de su discurso, lo bien que maneja el
fluir de las líneas, cómo se desenvuelve en el terreno del afecto.
Además se muestra como un apasionado incansable de este repertorio y
especialmente como un conocedor muy profundo de todo el contexto, las
escuelas y compositores que para tecla compusieron en la Italia de los
siglos XVI y XVII. Así, el propio Núñez firma unas notas críticas de
absoluto lujo, pues hablamos de nada menos que de 17 páginas en la que
se expresa todo su hondo saber y que se riega con una serie de
clarificadoras y magníficas imágenes.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
El clavecinista sevillano está acompañado aquí en
alguna de las piezas por tres conocidos intérpretes del panorama
nacional de la música antigua: <b>Pedro Estevan</b> a la percusión,<b> Sara Águeda</b> al arpa doppia y <b>Fahmi Alqhai</b>
al colascione <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>que además es el productor artístico de la grabación<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>.
Aportaciones las suyas interesantes en mayor o menor medida, hay que
señalar. Quizá el aporte de Estevan a la percusión no sea especialmente
relevante, no por la calidad del intérprete <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>fuera de toda duda<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, sino
porque la mezcla no favorece en exceso el resultado y el aporte tímbrico
no resulta necesario desde mi punto de vista, salvo quizá en los
colascione. La aportación de Alqhai es interesante en cuanto a
interpretar un colascione en las piezas que llevan por nombre el del
instrumento. Quizá lo más interesante provenga de la mano de Águeda,
quien forma un extraordinario dúo con Núñez, realizando en la sonata de
Strozzi una lectura de absoluta referencia y que supone uno de los
momentos álgidos de la presente grabación.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Por lo demás, el disco se completa con el habitual y espectacular diseño de <b>Cantus Records</b>, a cuyo alma mater, <b>José Carlos Cabello</b>,
hay que felicitar por el olfato mostrado al grabar por primera vez en
disco a un intérprete tan sobresaliente y por crear un objeto artístico
de primer orden. El sonido del registro es totalmente maravilloso,
merced al fantástico instrumento tañido para la ocasión <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>construido por <b>Titus Crijnen</b> [Sabiñán, 2011] sobre un G.B. Giusti de 1611<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, además de por una límpida y ejemplar toma de sonido realizada por <b>Jordi Gil</b> y sus asistentes <b>Ale Barranco</b> y <b>Ángel Martínez</b>.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_12620" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150" style="text-align: justify;">
Estratosférico recital que supone, sin duda, uno de los más
interesantes en el terreno puramente instrumental del pasado año, y que
presenta a un intérprete llamado a estar entre lo más granado de la
tecla en España y Europa. Lo dicho, voy a volverlo a poner…<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
Publicado en <a href="https://www.codalario.com/javier-nunez/grabaciones/cd-a-modo-italiano--debut-discografico-del-clavecinista-javier-nunez_3034_31_7723_0_1_in.html">Codalario</a> el 10-IV-2015. </div>
</div>
</div>
<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-60667293349997149102015-06-03T09:28:00.000+02:002015-06-03T09:35:53.177+02:00«Caron, una joya...» | Crítica, para Codalario, del triple álbum dedicado del conjunto masculino en Fra Bernardo<span style="font-size: large;"><b>Caron, una joya franco-flamenca</b></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<b>El sello Fra Bernardo edita este triple álbum en el que el
conjunto anglo-alemán interpreta la integral de las misas y algunas <i>
chansons </i>de un compositor tan desconocido como talentoso.</b></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<i>Masses & Chansons</i>. Música de Firminus Caron. The Sound and the Fury. Fra Bernardo, 3 CDs [FB 1207302], 2012. T.T.: 190:00.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinfpS6dGVSMivBfJzqennY7w9MIoQ5l554qL0tdmVT-oxddzNhFZmxRsG8DXQQj0p3Am_oXc3X_BYKuYJ5w63OKCHEJvRJmBBEQYd1ych8IJPEnHZcdBhmH2SGnKZBbB6v-5d9PdnQd5F3/s1600/Masses+%2526+Chansons++Caron.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEinfpS6dGVSMivBfJzqennY7w9MIoQ5l554qL0tdmVT-oxddzNhFZmxRsG8DXQQj0p3Am_oXc3X_BYKuYJ5w63OKCHEJvRJmBBEQYd1ych8IJPEnHZcdBhmH2SGnKZBbB6v-5d9PdnQd5F3/s400/Masses+%2526+Chansons++Caron.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Resulta complejo situar a un autor como el que aquí se nos presenta
cuando ha permanecido tanto tiempo oculto de los oídos del público
general <!--[if gte mso 9]><xml>
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</xml><![endif]--><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>por supuesto<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, pero incluso del ya avezado o de los propios
estudiosos e intérpretes. Sabemos hoy que <b>Firminus Caron [c. 1440-c. 1475]</b>
fue un compositor admirado en su tiempo, un maestro que llegó a ser
elogiado incluso por el gran Johannes Tinctoris. En las adscripciones de
sus obras se le menciona únicamente como Caron o F. Caron y no se ha
encontrado documentación directa de la vida del compositor, lo que
dificulta notablemente su estudio. En una copia de siglo XVIII de los
documentos anteriores se presenta a un Firmino le Caron como <i>primus huius ecclesie musicus</i>
en la catedral de Amiens en el año de 1422, lo que es indudablemente
muy pronto para él, pero que quizá se refiriera a su padre. Es bastante
razonable pensar que él fuera de Amiens, ya que Firmin es un apellido
bastante común en la zona. Nuevo documentos encontrados recientemente
parecen situarle en Amiens alrededor de 1459 como <i>maitre d’ecole</i>.
Algunos documentos de la catedral de Cambrai indican que algunas de sus
misas polifónicas fueron incluidas en los libros de coro de la
institución en 1472, lo que complica la teoría defendida por algunos de
que Caron desarrolló la mayor parte de su carrera en Italia al
albergarse allí los únicos ejemplos manuscritos de todas sus misas y de
la mayoría de sus chansons. El nombre de Caron se puede encontrar además
en el texto del motete <i>Omnium bonorum plenum</i> de Loyset
Compere, en el que se mencionan los nombres de algunos compositores,
alabando sobremanera a Guillaume Du Fay <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>compositor que influyó de
manera evidente en su obra<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, pero poniendo a Caron en un nivel muy
cercano al de este. Tinctoris le menciona como un compositor muy
notable, de hecho le coloca junto a Johannes Ockeghem, Antoine Busnoys y
Johannes Regis como «uno de los compositores más destacados que he
escuchado», aunque también menciona que se encontraba entre los <i>minime litteratos</i>,
esto es, lo menos educados. Posteriormente se le menciona en algunos de
los textos de autores de gran importancia, como Franchinus Gaffurius,
Adrianus Petit Coclico o Hermann Finck, entro otros.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_11903" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
De las obras que se le han atribuido únicamente
cuatro de sus chansons se han conservado en fuentes franceses, y es muy
probable que gran parte de su legado musical fuera destruido durante la
Revolución Francesa. Afortunadamente varios de sus manuscritos han
quedado en fuentes italianas, aunque varias de sus misas se encuentren
en condiciones realmente lamentables debido a la corrosión de la tinta
ferrogálica. Otras de sus chansons más populares, por el contrario,
llegan a encontrarse hasta en 22 fuentes distintas, como el caso de <i>Helas que pourra devenir</i>, o las 15 fuentes de <i>Cent mille escus quant je vouldroye</i>, las 11 de <i>Le despourveu infortuné</i> o las 9 de <i>Accueilly m'a la belle au gent atour</i>.
Parece que sus chansons pudieron haber ayudado a establecer, junto a
las de Hayne Van Ghizeghem y Pihilippe Basiron, un nuevo y más florido
estilo dentro del género. Todas sus piezas profanas son a tres partes a
excepción de <i>Corps contre corps sans penser convoitise</i>/<i>Ramboure luy rataquon</i>, un quodlibet a 4, y únicamente tres de ellas utilizan <i>tempus perfectum</i> <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>ternario<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, siendo la mayoría de compás binario, lo que trató con gran
maestría. Es además uno de los primeros en utilizar la voz de <i>bassus</i> para las canciones a tres partes y sus patrones de imitación a distancia de tan solo una <i>minima</i> parecen haber iniciado una tradición en el género.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
En cuanto a sus misas, únicamente se han conservado
cinco, todas a cuatro partes, basadas en elementos preexistentes. En
tres de ellas [<i>Missa Clamens et benigna</i>, <i>Missa Jesus autem</i> y <i>Missa Sanguis sanctorum</i>] el <i>cantus firmus</i>
está tomado de la melodía gregoriana y colocado en la línea del tenor,
fácilmente reconocible y elaborado posteriormente de diversas maneras
para aparecer en varios pasajes durante todas las misas. En su <i>Missa Accueilly m’a la belle</i> utiliza una de sus propias chansons, colocándolas en el <i>superius</i> y el <i>tenor,</i> pero modificándolas de manera muy notable en el aspecto melódico-armónico-rítmico. Lo mismo sucede con la <i>Missa L’home armé</i>, basada en la célebre chanson, convirtiéndola es una de sus obras más impresionantes.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
<b>The Sound and the Fury</b>, conjunto formado por las voces de <b>David Erler</b> [contratenor], <b>John Potter</b> y <b>Christian Wegmann</b> [tenores], y <b>Colin Mason</b> y <b>Michael Mantaj</b>
[bajos] es un excelente conjunto, aunque no es tan conocido como
debiera por el público, quizá porque no se ha prodigado mucho fuera de
Austria y Alemania, centro de su actividad musical. Sin embargo, la
aportación que el conjunto anglo-alemán está realizando al campo de la
polifonía renacentista, especialmente la franco-flamenca, se nos antoja
poco menos que impagable. Y es que a través de sus diversas grabaciones
realizadas y editadas en un comienzo por la ORF, en la serie que muy
acertadamente han venido a denominar <b><i>Paradise regained</i></b> <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>algo así como «paraíso recobrado»<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, ya son varios los maestros que
están viendo sus obras recuperadas del olvido. Se han centrado en
autores algo más conocidos, como Nicolas Gombert, Jacob Obrecht, Pierre
de la Rue o Johannes Ockeghem, pero también en aquellos a los que no se
suele prestar demasiada atención, y es aquí donde reside la principal
valía del conjunto: Guillaume Faugues, Marbrianus de Orto, Matthæus
Pipelare o el propio Caron.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Se trata de versiones grabadas entre mayo y
septiembre de 2011 en Kartause Mauerbach, un monasterio de la Orden de
los Cartujos situado en Mauerbach, en los alrededores de Wien. El buen
conocedor de las interpretaciones de polifonía renacentista encontrará
aquí una interesante mixtura entre la sonoridad británica <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>especialmente
los tenores<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> y la belga/holandesa <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>sobre todo en los bajos<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, unas
lecturas que pueden recordarles en cierta manera a la Capilla Flamenca,
pero también en un punto a The Hilliard Ensemble. Fantástico trabajo de
todos los cantores, que son auténticos especialistas en el repertorio a
interpretar, con el que se mimetizan desde el primer momento. Hay
equilibrio, afinación, un buen diálogo entre las voces que favorece la
comprensión de la escritura horizontal, pero también un gusto por
remarcar la horizontalidad de la escritura, sin regodearse en exceso en
la disonancia, dándole el espacio que requiere y sin privilegiarla en
búsqueda de una tensión desmedida. Una interpretación que no ceja en el
empeña de remarcar lo mucho que hay detrás de una música como esta, que
es capaz de llegar de manera tan compleja a la mente pero también a la
entraña del que la escucha.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_11904">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
El trabajo de <b>Fra Bernardo</b> es
realmente bueno, y lo encontramos en todos los procesos: grabación,
producción, edición, maquetación y diseño. En todos menos en el de la
recuperación y transcripción de las partituras, trabajo este último
llevado a cabo de manera absolutamente encomiable por <b>Jaap van Benthem</b>,
al que le dedican en la primera página del libreto un efusivo
agradecimiento <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>da gusto ver cómo se valora el trabajo del estudioso en
otros países<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Estamos sin duda ante un triple álbum absolutamente
imprescindible para todos aquellos que gustan de la polifonía del Renacimiento, de los franco-flamencos, de la sonoridad cuidada y del
trabajo profundo, de aquellos que valoran la recuperación patrimonial.
Una presentación sencilla pero muy cuidada, con un libreto que incluye
unas interesantísimas notas del autor de las partituras, y que aporta en
formato digital todos los textos de las obras, además de, ojo, una
digitalización de todas las partituras editadas <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>en este caso la edición
es puramente manuscrita<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> para la ocasión. Un registro que más allá de
todo esto pone en su lugar a un conjunto y un sello que deben comenzar a
situarse entre lo mejor de la producción musical de los últimos años,
creando proyectos que combinan el gusto por las cosas cuidadas y
absolutamente bien hechas. Así, sí.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: right;">
Publicado en <a href="https://www.codalario.com/criticas/grabaciones/cd-la-obra-de-firminus-caron-por-the-sound-and-the-fury_2879_31_7239_0_1_in.html">Codalario</a> el 28-II-2015. </div>
</div>
</div>
<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-15033074604473210282015-05-30T10:19:00.000+02:002015-06-03T09:35:45.079+02:00«Inagotable el genio...» | Crítica, para Codalario, del rescate de ópera rameauniana a cargo de Niquet<span style="font-size: large;"><b>Inagotable el genio de Dijon</b></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<b>Glossa obtiene nuestro<i> Sello de Calidad Codalario</i> por esta impresionante recuperación patrimonial de primer nivel, que rescata del olvido una extraordinaria ópera en el <i>Année Rameau</i>
y que pone de manifiesto la inmensa talla del autor francés, de la mano
de un plantel de solistas de que aúna experiencia y talento, junto a
uno de los conjuntos y directores franceses más capacitados para su
música.</b></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<i>Les Fêtes de l’Hymen et de l’Amour</i>. Música de Jean-Philippe
Rameau. Chantal Santon-Jeffery, Carolyn Sampson, Blandine Staskiewicz,
Jennifer Borghi, Mathias Vidal, Reinoud Van Mechelen, Tassis
Christoyannis, Alain Buet • Le Concert Spirituel | Hervé Niquet. Glossa,
2 CD | Libro-disco edición deluxe [GES 921629-F], 2014. T.T.: 114:24.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij-upgfgqIUlAD715qpFWY8oKkSDPCuiqfQyjkPB4frDLMMJfjbZ6hDzNYVQGEkU_-_8Nt-FRClydO0xsoUpqQLPigRpgMjXzg-nZDv2td2nkLkzj5Omd9RYn-gZ9wTdUiS6m33Ej2oLwz/s1600/Les+F%25C3%25AAtes+de+l%2527Hymen+et+de+l%2527Amour+%25E2%2594%2582+Calidad+Codalario.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEij-upgfgqIUlAD715qpFWY8oKkSDPCuiqfQyjkPB4frDLMMJfjbZ6hDzNYVQGEkU_-_8Nt-FRClydO0xsoUpqQLPigRpgMjXzg-nZDv2td2nkLkzj5Omd9RYn-gZ9wTdUiS6m33Ej2oLwz/s400/Les+F%25C3%25AAtes+de+l%2527Hymen+et+de+l%2527Amour+%25E2%2594%2582+Calidad+Codalario.jpg" width="207" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Todavía se dejan sentir los ecos de la efeméride «rameauniana» que tuvo
al 2014 como auspicio de multitud de eventos musicales de primer orden,
especialmente en el terreno de los conciertos y las grabaciones
discográficas, y que todavía se dejará notar con fuerza en este 2015 <!--[if gte mso 9]><xml>
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</xml><![endif]--><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>se
estrenó el año con una grabación de <i>Les Fêtes de Polymnie</i>, y están por venir nuevas grabaciones de <i>Le Temple de la Gloire</i>, <i>Zaïs</i> y <i>Castor et Pollux</i>
en su versión de 1754<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. Este que presentamos es uno de los últimos
discos aparecidos en aquel aparentemente ya lejano 2014. La importancia
del mismo solo puede comprenderse desde el punto de vista de lo que
supone grabar por primera vez una obra que lleva sin interpretarse desde
el siglo XVIII, pues contó con considerable éxito <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>gozó de 150
representaciones a lo largo de unos treinta años que se mantuvo en
cartel<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, pero sobrepasado 1776 no se volvió a interpretar hasta el 2014.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Esta <b><i>Les Fêtes de l’Hymen et de l’Amour ou Les Dieux d’Egypte</i></b> fue concebida por <b>Jean-Philippe Rameau [1683-1764]</b>
como una opera ballet-heroïque <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>uno de tantos subgéneros para la escena
de la fecunda ópera barroca francesa<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> en tres actos y un prólogo, para
quien contó como libretista con <b>Louis de Cahusac</b>, aquel con quien más colaboró en su carrera. Creada en el año de 1747, constaba en primera instancia de tres <i>entrées</i>: <i>Osiris ou les Amazones</i>, <i>Canope</i> y <i>Arueris ou les Isies</i>, que aparecieron bajo el título genérico de <i>Les Dieux d’Egypte</i>,
la cual previsiblemente se iba a estrenar en la Académie Royale de
Musique. No obstante, las circunstancias del momento, con las inminentes
nupcias entre el Delfín de Francia con Maria Josepha Karolina Eleonore
Franziska Xaveria von Sachsen <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>la hija de Friedrich August II, Elector
de Sachsen<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, hicieron que el destino de la obra cambiase, añadiendo para
la ocasión un <i>prologue</i> y se cambió el nombre inicial por el de <i>Les Fêtes de l’Hymen et de l’Amour ou Les Dieux d’Egypte</i>, estrenándose en la escena de la arena de la Grande Écurie de Versailles el 15 de marzo de 1747.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
El resultado definitivo se concibe para ocho
sopranos [dessus], cinco tenores agudos [haute-contre], un tenor grave
[taille] y tres bajos [basse], y se estrena de manera oficial en el
mundo operístico en la <b>Académie Royale de Musique</b>
[Paris] el 25 de noviembre de 1748 <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>no sin la inestimable colaboración
de la Marquesa de Pompadour<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. Cahusac estructura la obra en torno al
tema egipcio inicial, pero dando relevancia al triunfo amoroso que
sostiene la causa para la que fue modificado. Es capaz de aportar una
serie de elementos que hacen de este ballet una muestra pionera en el
mundo de la escena francesa del momento, pues Cahusac no se detiene en
lo habitual, sino que se transita por el terreno de la experimentación
en el tratamiento de la danza, los coros o el uso de la maquinaria.
Especialmente interesante resulta la manera en que se introduce la danza
en un libreto repleto de didascalias <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>indicaciones al margen<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> que
presentan los fragmentos danzados <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>denominados por él como <i>ballets figurés</i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, que no solo aportan colorido escénico, sino que se integra magníficamente y ayudan al desarrollo de la acción.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_11665" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
En lo musical también se trata de una obra de
magnitudes de genialidad, pues estamos ante una partitura de una calidad
superlativa, repleta de fragmentos vocales rebosantes de gracia,
elegancia, de una exquisita mezcla entre la ligereza italianizante y el
elocuente sabor francés. Rameau es capaz aquí de crear un genial <i>sfumato</i> en la línea que divide el aria y el recitativo, creando un discurso sonoro realmente fluido, un <i>continuum</i>
dramático y musical que da muestras de su genialidad. Los números de
conjunto son otra de las grandes aportaciones a la escena aquí, con un
desarrollo importante de los dúos [4], cuarteto [1], quinteto [1] e
incluso un sexteto <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>que supone el único caso en todo el <i>corpus</i>
operístico de Rameau<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. Los coros son de lo mejor de la obra, concebidos
dentro del habitual estilo y genialidad en que Rameau los concibe <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>no
obstante es el gran maestro del coro operístico en la historia de la
ópera francesa<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, se convierten <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>por gracia de Cahusac<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> en un elemento
protagonista de la acción, comentando la acción con una fascinante
coherencia dramático-musical. Todo ello se adereza con una serie de
fragmentos instrumentales que aportan colorido, brillantez y densidad
orquestal a la pieza, comenzando por la <i>ouverture,</i> que rebosa
luminosidad y en la que se aprecia gran carga del elemento rítmico y en
la que se nos muestra con claridad cuáles serán los parámetros por lo
que Rameau hará transitar a la plantilla orquestal durante la obra:
delicadeza y tersura en la cuerda, diafanidad y dulzura en las maderas, y
contundencia y liderazgo en el continuo.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Por todo lo señalado hasta el momento estábamos,
ante la ausencia de representaciones y una grabación en la actualidad,
ante un verdadero crimen artístico. Parece incomprensible que hasta el
2014, y agradezcamos el auspicio de los fastos por la efeméride
«rameauniana» <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>que de no haber sido así quién sabe hasta cuándo
tendríamos que haber esperado<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, no existiese grabación alguna de esta
magna obra. Puede que no estemos ante una obra de la intensidad y
genialidad dramática de <i>Castor et Pollux</i> o <i>Hippolyte et Aricie</i>, ni ante la fascinante comicidad de <i>Platée</i>, o ante el tratamiento innovador y tremendamente psicológico de <i>Les Boréades</i>, pero sin duda esta <i>Les Fêtes de l’Hymen et de l’Amour</i> es una obra que muestra sin ambages la maestría y el talento para la escena de un Rameau ya muy maduro.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Afortunadamente, como decimos, el <i>Année Rameau</i>
ha servido para rescatar del ostracismo las pocas obras que aún
quedaban sin grabar de su catálogo. Esta obra en concreto sirvió como
apertura oficial de la efeméride, cuando gracias a una producción del <b>Centre de musique baroque de Versailles</b> se llevaron a cabo una serie de representaciones de la misma en la <b>Opera Royal du Château de Versailles</b>
en febrero de 2014 <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>puede verse una de las representaciones íntegra en
el vídeo propuesto al final de estas líneas<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. Los encargados de
trasladarla a la escena fueron una serie de cantantes de gran nivel,
cuya elección suponía una interesante mixtura entre conocimiento y
talento, entre juventud y experiencia, cuyo resultado es absolutamente
espléndido.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_11666" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
Es necesario destacar que todos los cantantes
multiplican sus roles para cubrir el amplísimo espectro propuesto por
Rameau en la obra y que hoy día hace casi imposible plantearse con un
cantante para cada uno de ellos. Por un lado, las cantantes femeninas
lucen espléndidas sin excepción. Excelsa resulta la dupla de sopranos
compuesta por <b>Chantal Santon-Jeffery</b> y<b> Carolyn Sampson</b>,
de brillante registro agudo, expresividad y adaptación fantástica a los
personajes y gran conocimiento de la vocalidad del barroco francés. La
también soprano <b>Jennifer Borghi</b> y la mezzosoprano <b>Blandine Staskiewicz</b>
adoptan los roles compuestos para bas-dessus <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>soprano de registro menos
agudo<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, cumpliendo de manera notable, aunque quizá un punto por debajo
de las dos anteriores –a veces algo tirantes en la zona superior y con
un vibrato algo desmesurado en ciertos pasajes–. Por su parte, el
cuarteto masculino se divide los nueve papeles de la ópera, brillando
especialmente los dos haute-contre: <b>Mathias Vidal</b> y<b> Reinoud Van Mechelen</b> <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>actualmente dos de los cantantes más requeridos para este repertorio<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>,
que solventan con relativa facilidad y naturalidad las siempre
exigentes y técnicamente complejas escrituras para los tenores agudos.
Vidal es un tenor más natural <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>aunque sufre a veces en las partes más
exigentes del agudo y su registro medio tiende a veces a una sonoridad
algo entubada<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, mientras que Mechelen posee un timbre más redondo,
aunque a veces tiende a obscurecer en exceso. Los roles graves quedan de
parte de los barítonos <b>Tassis Christoyannis</b> y <b>Alain Buet</b>,
que cumplen bien con sus no demasiado largos y exigentes roles. Destaca
la fluidez en la línea de canto del griego, contenido y convincente en
lo dramático, mientras que el francés es un cantante de mayor peso
vocal, que viene bien en este caso para su rol de Le Grand-Pêtre, aunque
a veces resulta demasiado pesante.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
El apartado coral resulta realmente fabuloso en las voces del <b>Choeur de Le Concert Spirituel</b>,
que cuenta para la ocasión con 25 excelentes voces que muestran su
sobrado conocimiento y perfecta adecuación al terreno del barroco
francés, donde se presentan como uno de los grandes especialistas a
nivel mundial. Fantástica sonoridad y carácter en una escritura coral
compleja en lo técnico y lo dramático.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
En cuanto a los instrumentistas de <b>Le Concert Spirituel</b>,
poco se puede decir a estas alturas que no se sepa ya de quienes son
una de las mejores orquestas barrocas del mundo en cuanto a la
interpretación del repertorio del <i>Grand Siècle</i> se refiere. Se
cuenta aquí con la formación de gala, con una cuerda contundente
[violines barrocos primeros y segundos con 5/5; 3 hautes-contres de
violon; 3 tailles de violon; 4 violonchelos barrocos; y 2 contrabajos
barrocos], que resulta de una sonoridad depuradísima, con un empaste, un
dominio de la sonoridad conjunta y un <i>feedback</i> sobresalientes, comandados con sapiencia por la gran <b>Alice Piérot</b>.
Mención especial merecen las maderas, por lo imprescindible de su papel
aquí y por lo que bien que lo cumplen. Cuatro traversos barrocos <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>que
lidera el talentoso <b>Alexis Kossenko</b><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, cuatro oboes barrocos <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span><b>Héloïse Gaillard</b>
al frente<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> y cuatro fagotes barrocos <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>¡qué fascinante es siempre la
escritura de Rameau para este instrumento!–, son los encargados de
aportar el toque de elegancia y dulzura tan evocadores y subyugantes a
los que el de Dijon nos tiene acostumbrados. Exquisito, por lo demás el
aporte del continuo con <b>Tormon Dalen</b> al chelo barroco, los graves poderosos de <b>Luc Devanne</b> y <b>Marie-Amélie Clément</b> y el fantástico desarrollo en el clave de <b>Élisabeth Geiger</b> y <b>François Saint-Yves</b>.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Al frente de esta masa sonora está alguien como <b>Hervé Niquet</b>,
uno de los grandes cuando se trata de llevar a buen puerto obras de
Charpentier, Lully, Desmarest, Boismortier, Campra, Marais o el propio
Rameau. Firme al mando, aúna a la perfección la contundencia sonora con
la expresión dramática. El francés no es un director muy dado a la
ligereza, pero es que esta obra es menos ligera de lo que puede parecer<i> a priori</i>,
por lo tanto, el resultado obtenido resulta absolutamente convincente.
Deja a los cantantes desarrollar su línea con fluidez, pero sin que esto
afecte a la firmeza rítmica, para él fundamental, lo que confiere a la
partitura una sensación de naturalidad contenida, sin concesiones que
desmerezcan la escritura musical en aras de una supuesta expresividad
mal entendida. Confiere a cada sección el espacio necesario, conjugando
inteligibilidad y equilibrio de manera sobresaliente.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Estamos sin duda ante un evento discográfico de dimensiones fastuosas, y <b>Glossa</b>,
magnífico conocedor del panorama y mostrando de nuevo su inteligencia
de mercado, ha sabido generar un objeto artístico de primer orden,
especialmente en esta edición libro-disco limitada de 2000 ejemplares
generada para el público francés, con una presentación impresionante,
que contiene una serie de cuatro textos escritos con el máximo rigor por
cuatro especialistas: <b>Patrick Florentin</b>, <b>Thomas Soury</b>, <b>Sylvie Bouissou</b> y <b>Benoît Dratwicki</b>,
que sirven para ahondar en el conocimiento sobre esta obra, sobre la
relación de Rameau y Cahusac, o sobre su figura como compositor real. Se
añade la correspondiente sinopsis, además del libreto y todos los datos
necesarios, contando además con numerosas y fantásticas imágenes. La
presentación, a cargo del gran <b>Valentín Iglesias</b>, y una toma de sonido excelente <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>trabajo impecable de <b>Manuel Mohino</b><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, cierran un registro fundamental, que <b>Carlos Céster</b>
ha sabido hacer extensivo al mercado internacional con una edición
menos lujosa, pero repleta de la calidad habitual a la que la marca
escurialense nos ha bien-acostumbrado a lo largo de los años.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Cuando uno escucha esta música siente felicidad.
Rameau es un inigualable creador de atmósferas, un dador de luz, un
estratosférico talento, alguien capaz de hacer remover lo más profundo
de uno con sus armonías, su dominio del color orquestal y su tratamiento
vocal. Un auténtico regalo de la humanidad que ahora se nos presenta
aquí de la mejor forma posible. Un disco <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>pero mucho más<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> imprescindible
para cualquier apasionado de la buena ópera, pero también para
cualquier que disfrute con la música de calidad, aquella que le hace a
uno ser feliz.</div>
<br />
<div style="text-align: right;">
Publicado en <a href="https://www.codalario.com/critica/grabaciones/cd-les-fetes-de-lhymen-et-de-lamour-calidad-codalario_2838_31_7101_0_1_in.html">Codalario</a> el 13-II-2015.<br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="https://www.youtube.com/embed/xS8lSjL8CfU?rel=0" width="640"></iframe>
</div>
Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-4249397950111600192015-05-27T09:53:00.000+02:002015-06-03T09:36:20.180+02:00«La vihuela...» | Crítica para Doce Notas del último disco de John Grifftihs dedicado a los vihuelistas hispánicos<span style="font-size: large;"><b>La vihuela australiana</b></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<b>Desde la Antípodas se nos presenta un fantástico
recital centrado especialmente en dos de los grandes representantes del
instrumento hispánico, que vuelve a demostrar que estamos ante un
repertorio único y valorado por muchos fuera de nuestras fronteras.</b></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<i>Intimate vihuela</i>. Obras de Enríquez de Valderrábano, Miguel de
Fuenllana, Alonso Mudarra, Luis de Narváez y Esteban Daça. John
Griffiths. Contrastes Records, 1 CD [CR 2201405], 2014. T.T: 56:31.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzq2NThvxnnMcJxxx9NBSBPiwbw3FDCfxpjQfghLPX5P7zyR1jHq3x_5DAvXfP0F3kDIsF_h5VnVaZQN1oE9vol8mvtL1h5ko2VGoTNElSvQWlbKy_nLG7y3zkL4zRLOaA55CJEVNsoaCy/s1600/Intimate+vihuela.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzq2NThvxnnMcJxxx9NBSBPiwbw3FDCfxpjQfghLPX5P7zyR1jHq3x_5DAvXfP0F3kDIsF_h5VnVaZQN1oE9vol8mvtL1h5ko2VGoTNElSvQWlbKy_nLG7y3zkL4zRLOaA55CJEVNsoaCy/s400/Intimate+vihuela.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Si hay una época a la que la historia de la música española le deba
realmente mucho <!--[if gte mso 9]><xml>
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lo largo de los años<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, esa es la del Renacimiento. No solo porque de
ella provenga probablemente el que es el mejor compositor español de
todos los tiempos, Tomás Luis de Victoria, sino porque en lo vocal la
España del XV y especialmente del XVI legó a la humanidad algunas de la
páginas más sublimes, escritas por algunos de los maestros que pasarán a
la historia como genios de la creación universal. Pero es que, además,
en la España del XVI se desarrolló de manera increíble un instrumento
único, que tuvo un desarrollo tan fascinante como fugaz, pero que ha
supuesto uno de los casos más singulares en la historia de la música en
Occidente. Y es así porque la vihuela, este maravilloso instrumento de
cuerda pulsada, de evidente parecido con la guitarra española y de
sonoridad absolutamente delicada, elegante y evocadora, es un
instrumento nacido en España y que podemos decir se practicó casi
exclusivamente en este país durante cuarenta años, los que van desde que
se publica el primer libro dedicado al instrumento, <i>Libro de música de vihuela de mano intitulado El Maestro</i>, de Luys de Milán [Valencia, 1536], hasta el último de ellos, <i>Libro de música de cifras para vihuela, intitulado El Parnaso</i>,
de Esteban Daça [Valladolid, 1576], aunque actualmente sabemos que
parece que la primera tablatura para vihuela data de 1514, concretamente
por una obra para vihuela sin finalizar que se encontró dentro del <i>Epistolarum familiarum</i> de <i>Lucius Marineus Siculus</i>, y que a finales del XVI todavía se encuentran algunos ejemplos en <i>Ramillete de flores o colección de varias cosas curiosas</i> [1593].</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Sin embargo, puede decirse que el grueso de los libros de piezas para
vihuela se cifra en siete, que, contando con los dos ya mencionados de
Milán y Daça, son los siguientes: <i>Los seys libros del Delphin de musica de cifras para tañer vihuela</i> | Luis de Narváez [Valladolid, 1538]; <i>Tres libros de música en cifra para vihuela</i> | Alonso Mudarra [Sevilla, 1546]; <i>Libro de música de vihuela intitulado Silva de Sirenas</i> | Enríquez de Valderrábano [Valladolid, 1547]; <i>Libro de música de vihuela</i> | Diego Pisador [Salamanca, 1552]; <i>Libro de música para vihuela, intitulado Orphénica Lyra</i> | Miguel de Fuenllana [Sevilla, 1554].</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En el presente recital se nos presentan piezas sobre todo de los libros de <b>Enríquez de Valderrábano [<i>c</i>. 1500-<i>c</i>. 1557]</b> y <b>Miguel de Fuenllana [<i>c</i>. 1500-1579]</b>,
que aunque de calidad superlativa, han permanecido en cierta forma a la
sombra de los libros de Milán, Mudarra o Pisador. Un total de 18
piezas, de las cuales 7 pertenecen a Valderrábano y 6 a Fuenllana,
quedando las cinco restantes para <b>Luys de Narváez</b> <b>[<i>c</i>. 1500-<i>c</i>. 1550/60]</b> [2], <b>Alonso de Mudarra [<i>c</i>. 1510-1580]</b> [1], <b>Esteban Daça [<i>c</i>. 1537-1591/96]</b>
[1] y un anónimo. Hay aquí arreglos de chansons francesas <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>sobre
Josquin<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> y canciones hispánicas, de villancicos <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>sobre Flecha<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, de
secciones de misas polifónicas <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>sobre Josquin<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, pero sobre todo
composiciones originales, como fantasías [7], variaciones sobre temas
populares [3] y tres sonetos de Valderrábano <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>piezas sin nombre, a las
que se denominaba <i>sonetos</i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El encargado de acercarnos este «ramillete» de extraordinarias obras es <b>John Griffiths</b>,
intérprete y musicólogo australiano, al que el siglo de Oro español y
especialmente el repertorio para vihuela le han obsesionado desde hace
años, de tal forma que ha sido uno de los que más estudios han realizado
sobre el instrumento, sus autores y las obras, además, como podemos
comprobar en el presente registro, de ser un fantástico intérprete de
las mismas. Es curioso el caso de los australianos, un país tan
absolutamente alejado y con personas <i>a priori</i> tan distantes de
la cultura hispánica, que sin embargo se han convertido en potentes
embajadores de la música del XVI español. Me refiero al propio Griffiths <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>para la música instrumental<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> y a Michael Noone <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>quien hace lo propio
con la producción vocal sacra<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. Es obvio que la música española del
Renacimiento tiene una calidad superlativa y algo muy especial que hace a
personas acercarse desde miles de kilómetros para su estudio e
interpretación.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Griffiths se acerca a estas obras de la única manera que parece
posible hacerlo: la calidad interpretativa, por supuesto, la técnica
solvente que no emborrone lo exquisito de las líneas, pero especialmente
el carácter y la expresividad, sabiendo aportar la calma y la
delicadeza que subyacen en este repertorio, y especialmente esa
capacidad expresiva, ese poder tan sugerente y la hondura que hay
realmente detrás de cada pieza. Como bien se señala en las notas
críticas del disco <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>redactadas por él mismo<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, la música para vihuela
puede resultar a veces realmente asequible al oído, siendo posible
distinguir y seguir cada una de las líneas, pero también puede ser
tremendamente compleja, con una densidad textural y una concepción
contrapuntística verdaderamente intrincada que hacen que su audición se
torne más exigente. Lo que sí es seguro, en cualquiera de los casos, es
que al escuchar una vihuela, así como la música que se compuso para ella
en la España del XVI, uno siente un enorme placer, una inmensa paz
interior. Resulta una música tremendamente introspectiva, que invita a
la reflexión, al disfrute intelectual, y eso supone siempre un ejercicio
tan necesario como habitualmente ignorado. Cabe destacar el precioso
sonido de la vihuela en La tañida por Griffiths, construida por <b>Ian Watchorn</b> en 2012 sobre modelo de Belchior Dias.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Un fantástico registro con el que <b>Contrastes Records</b> <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>reciente discográfica, con sede en London, pero relación estrecha con
Sevilla–<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> anota una primera referencia dedicada a la vihuela y a los
repertorios pretéritos en su curioso e interesante catálogo, dedicado en
exclusiva a la cuerda pulsada <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>especialmente la guitarra<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. El disco
cuenta con una límpida y fabulosa toma de sonido <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>llevada a cabo por <b>Thomas Grubb</b> y <b>Mano Music</b><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> y una presentación muy interesante, sencilla, casi minimalista, concebida para la ocasión por <b>Morpheus Communications Inc</b>.
Sin duda la música de nuestros vihuelistas merece esto y muchísimo más.
Los hay que seguimos esperando con ansia desmedida una integral de los
siete libros de vihuela publicados en el XVI. Griffiths sería una buena
opción para llevarla a cabo, sin duda, aunque también tenemos en España
grandes intérpretes capaces de ello. No son tiempos que ayuden a tal
empresa, pero seguiremos soñando.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
Publicado en <a href="http://www.docenotas.com/121850/intimate-vihuela-la-vihuela-australiana/">Doce Notas</a> el 20-II-2015.</div>
<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-85213028133869562062015-04-18T11:14:00.001+02:002015-04-18T11:15:39.036+02:00The Choir Project al día | 18-IV-2015<div style="text-align: justify;">
<b>Pedro de Escobar [b Oporto, c1465; d ?Évora, after 1535]: <i>Offertorium</i> | <i>Missa Pro defunctis</i> à 4.<br /> Ensemble Gilles Binchois | Dominique Vellard.<br /> Ephemeris of Renaissance composers [III] | Between Portugal and Spain.</b><br />
<br />
Robert Stevenson wrote about Escobar:<br />
«Portuguese composer, active in Spain. He was a singer in the chapel
choir at the court of Isabella I from 1489 to 1499, and was the only
member described as ‘Portuguese’. He composed a <i>Lady Mass</i> in
collaboration with Juan de Anchieta, also a member of Isabella’s choir,
and one with Peñalosa, Hernández and Alva. Escobar returned to Portugal,
perhaps among the musicians accompanying the daughter of Ferdinand and
Isabella [see Knighton], but on 19 May 1507 he was invited back to Spain
as master of the choirboys of Seville Cathedral; the chapter sent a
courier to Portugal at the cathedral’s expense ‘calling Escobar to come
and take charge of the choirboys’. Peñalosa, since 1505 a canon at
Seville, may have taken part in this decision. As <i>magister puerorum</i>
Escobar was obliged to teach polyphonic music to the choirboys and also
to feed, clothe and board them. Unsuccessful attempts in 1510 to augment
his salary through the addition of two cathedral chaplaincies led to
his resignation in 1514 [his successor, Pedro Fernández, was appointed
on 13 August 1514].<br />
<br />
Assuming that Pedro do Porto [mentioned by
Sousa Viterbo and Barbosa Machado] and Escobar were the same person,
Escobar was <i>mestre da capela</i> to Cardinal Dom Affonso, son of Manuel I,
in 1521. In August of that year Gil Vicente described Pedro do Porto in
his <i>Côrtes de Jupiter</i>, performed to celebrate the imminent wedding of
King Manuel’s daughter, as the leader of a band of «tiples», «contras
altas», «tenores» and «contrabaxas». Escobar's four-part wedding tribute
may well be <i>Ninha era la infanta</i>, copied anonymously in P-Ln CIC 60
[see Rees, 1994–5]. In 1535 Escobar still survived precariously in
Évora.<br />
<br />
Escobar’s masses and motets show him to have been a
composer of uncommon contrapuntal skill and sensitivity to text.
Vicente’s <i>Auto da Cananea</i> of 1534 claims Escobar’s fine four-voice
motet <i>Clamabat autem mulier Cananea</i> as its inspiration; the piece was
to be sung at the end of the auto. It was intabulated by Gonzalo de
Baena in his <i>Arte nouamente inuentada pera aprender a tanger</i> [Lisbon,
1540], again by Mudarra [ed. in MME, vii, 1949] in 1546 and praised by
João de Barros in his <i>Libro das antiguidades</i> [P-Ln 216]. The enormous
vogue that it enjoyed is further attested to by its transmission in two
manuscripts copied by indigenous scribes in north-east Guatemala [in
US-BLl]. So individual are its characteristics that the anonymous
four-voice <i>Fatigatus Jesus</i>, which shares all its individualities, must
also be by him [see Rees, 1995]. Escobar’s 18 secular songs in the <i>Cancionero Musical de Palacio</i> have a marked popular flavour. Three of
them are in the <i>Cancionero Musical e Poético da Biblioteca Públia
Hôrtensia</i> [P-Em 11793], which together with P-Ln CIC 60, ranks among
Portugal’s earliest collections of secular polyphonic music.»<br />
<br />
Probably this is the first Iberian polyphonic Requiem ever composed.
Escobar is a composer of great talent, but has been somewhat forgotten,
in the shadow of the great Spaniards and Portuguese composers. Dominique Vellard has a keen interest in his work, who performs really
well. This is a delicate, elegant and very Iberian colored version.<br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
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<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-6512470822979487792015-03-17T09:55:00.000+01:002015-03-17T09:56:48.280+01:00The Choir Project al día | 14-III-2015<b>Robert Wylkynson [b <i>c</i>. 1475/80-d 1515 or later]: <i>Jesus autem transiens</i>/<i>Credo in Deum</i> à 13.</b><br />
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<div class="_5pbx userContent" data-ft="{"tn":"K"}" style="text-align: justify;">
<b> Huelgas Ensemble | Paul Van Nevel.<br /> Ephemeris of Renaissance composers [II] | Beginning without end.</b><br />
<br />
Andrew Wathey wrote about this composer:<br />
«English composer. He was appointed parish clerk at Eton College in
1496, and may possibly have been a scholar there [one of probably two
Wylkynsons who were Eton scholars in the early 1490s]; he was a singing
clerk in 1499 and informator choristarum c1500–15, serving as Constable
of Eton in 1502 and witnessing the will of the College's Purser, William
Tawnton, in 1506. He may have died c1515; alternatively, he may have
left the College to seek ordination. A Dominus Robert Wilkinson [d 1538]
was instituted rector of Haddenham in June 1519 by the Prior and
Chapter of Rochester. Nine pieces by Wilkinson were included in the <i>Eton
Choirbook</i> [GB-WRec 178; ed. in MB, x–xii, 1956–61], of which one is
incomplete, three survive only as fragments and two are lost. Seven of
these appear in the main layer of the manuscript; two were added later,
possibly by Wilkinson himself.<br />
<br />
Wilkinson's five-voice <i>Salve
regina</i> and incomplete four-voice <i>Gaude virgo</i> may be among his earlier
surviving works. His massive nine-voice <i>Salve regina</i>, based on the
plainsong <i>cantus firmus</i> <i>Assumpta est Maria in celum</i>, is an important
example of the large-scale sonorous style cultivated by English
composers during the early 16th century. Also in this tradition is the
13-voice canon <i>Jesu autem transiens</i>/<i>Credo in deum</i>, a setting of the
Apostles' Creed prefaced by a fragment of plainsong. Both works
incorporate verbal canons: these may offer some insight into the
composer's learning or perhaps reveal a predilection for intricate
devices and puzzles, as may the elaborate depiction of the nine orders
of angels in the initial letters of the nine-voice <i>Salve </i>in the Eton
manuscript. Wilkinson's <i>Credo </i>was copied, c1580–1606, by John Baldwin
into his commonplace book [GB-Lbl R.M.24.d.2] as a curiosity. In <i>O
virgo prudentissima</i> Wilkinson set a poem written by Angelo Poliziano in
1493, taken perhaps from the latter's <i>Opera omnia</i> [Venice, 1498]. His <i>Salve decus castitatis</i> was included in a choirbook recorded in an
inventory of books at King's College, Cambridge, in 1529.»<br />
<br />
John Milson wrote about this piece:<br />
«In Robert Wylkynson’s <i>Jesus autem transiens</i>, the most bizarre work
in the <i>Eton Choirbook</i>, the central tenets of Christian belief are
rehearsedthrough the words of the Apostles’ Creed: ‘I believein God the
Father Almighty, Maker of heaven andearth’. But this is no ordinary
setting of the Creed.The text is divided into twelve segments, preceded
bya thirteenth line, ‘Jesus autem transiens’ [‘Jesus thenpassing through (their midst)’]. This is notated as asingle melodic line. To perform
the piece, thirteenmale voices sing the music in canon: first a solo
voice intones the opening segment; then asecond voice enters, while the
first voice moves on tothe second segment; and so on, until thirteen
voicesare in play and all thirteen segments soundsimultaneously. The net
effect is a harmonious chaos;but the sound is subservient to the work’s
symbolicrepresentation of Christ surrounded by his twelve apostles.
Through it the medieval listenercould more vividly imagine part of the
divine orderthat rested on those pillars of eternity.»<br />
<br />
Enjoy it
this wonderful music without end in the amazing performance of Paul Van
Nevel and his Huelgas Esemble, in an extraordinary mixture between
English and north-continental voices.<br />
<br />
</div>
</div>
</div>
<div style="text-align: center;">
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<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-65329880528443866102015-03-13T09:40:00.000+01:002015-03-13T09:40:58.904+01:00«Alas para...» | Crítica, para Codalario, del último disco de La Galanía<span style="font-size: large;"><b>Alas para Merula</b></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<b>El último disco de La Galanía rescata del olvido una auténtica joya del <i>Seicento</i>,
en unas lecturas dignas de elogio y que les ratifican como la primera
línea de los conjuntos españoles dedicados a los repertorios pretéritos.</b></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<i>Pegaso</i>. Música de Tarquinio Merula. La Galanía | Raquel Andueza. Anima e Corpo, 1 CD [AEC004], 2014. T.T.: 66:52.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzhrlh1p-CcLKiV4Ux6Vtf_AEovUE-WhhWpmf3-iyn0aTa8TJAKzR5uaXjH97nL9N-p3UK3qXjv4BU3LWg0o6yLT0-ihH0gqwDLGCS2HnwqH2H9OC-tdVgbuNFic7QTUGNbRNzDLvGr9KG/s1600/Pegaso.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzhrlh1p-CcLKiV4Ux6Vtf_AEovUE-WhhWpmf3-iyn0aTa8TJAKzR5uaXjH97nL9N-p3UK3qXjv4BU3LWg0o6yLT0-ihH0gqwDLGCS2HnwqH2H9OC-tdVgbuNFic7QTUGNbRNzDLvGr9KG/s1600/Pegaso.jpg" height="358" width="400" /></a></div>
<br />
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Para muchos, <b>Tarquinio Merula [1595-1665]</b> no pasa de ser un autor de los muchos que adornaron esa inmensa constelación que fue la Italia del <i>Seicento</i>. Conocido básicamente por alguna pieza instrumental extraída de sus diversas colecciones de canzoni <!--[if gte mso 9]><xml>
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que Il Giardino Armonico hizo popular hace años<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, son muy pocos los que
saben que Merula es un notable compositor para lo vocal. Autor de
varios libros de madrigali y canzonette, dedicó también buena parte de
su tiempo a la creación en el terreno sacro, donde destacan sus motetes,
<i>concerti spirituali</i> y salmos.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Una de estas colecciones dedicadas a lo sacro es <b><i>Pegaso op[e]ra musicale l’undecima ove s’odono Salmi Motetti, Suonate, e Letaniae della B.V. a due tre quattro e cinque voci</i></b>…
El título resulta suficientemente elocuente <i>per se</i>. Se trata de una
edición impresa en Venezia en 1640, aunque probablemente se trate de una
segunda edición, siendo la primigenia datada entre 1633 y 1637, que
recoge el total de 17 piezas, 16 de las cuales tiene a la voz como
protagonista. Destaca especialmente por su belleza la única pieza
instrumental de la colección <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>que en la edición original se coloca
justamente entre las piezas vocales: 8/1/8<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, una exquisita canzona
intitulada <i>La Vesconte</i> <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>como homenaje a Giovanni Battista
Visconti, para quien compusiera diversos encargos<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, que tiene al violín y
al violone como extraña pero bien avenida pareja «concertante».</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
El resto de piezas vocales se ordenaron en el
original por el número de voces intervinientes, a saber, ocho piezas a
dúo, seguidas de otras ocho para tres, cuatro y cinco voces
respetivamente. La variedad de la colección es realmente notable, y pone
en un lugar más que honroso la capacidad compositiva de Merula. Como
muy bien hace notar el musicólogo belga <b>Pieter Mannaerts</b>,
en sus excelsas notas críticas, debe valorarse Pegaso como lo que es,
al menos desde el punto de vista puramente musical: una colección en la
que su autor demuestra de manera fehaciente la estructura compleja y
global en que es concebida, pero especialmente por lo extraordinario en
el uso de recursos, técnicas y variantes compositivas. El recurso de la <i>imitatio</i>
es probablemente el usado con mayor frecuencia <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>todas las obras lo
albergan<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, pero usada de manera muy particular y libre. Es de destacar
el uso de pequeños motivos que forman parte de esta imitación, lo que
supone en cierta manera un adelante notable a otras composiciones
coetáneas. Merula hace un notable uso del <i>ostinato,</i> especialmente del <i>basso di chiacona</i> <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>muy particular y que solo se ha encontrado en esta formulación
concreta en la obra del autor de Bussetano<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, como en su maravilloso <i>Confitebor tibi</i>
a 3. Finalmente, Merula –o su editor, Alessandro Vicenti– resulta
tremendamente preciso en cuanto a las indicaciones de dinámicas, lo que
en una fecha como esta no es tan habitual como pueda parecer.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
La belleza de las piezas está fuera de toda duda.
Resulta fascinante la manera en que se dialoga entre las voces y los
instrumentos, con ese lenguaje tan propio de la escritura instrumental
del <i>Seicento </i>y de la escuela violinística italiana del momento. La
escritura resulta realmente inteligente, pues conjuga muy bien la
relativa sencillez de las partes con la brillantez del resultado final.
Merula parecía conocer bien aquello del «menos es más».</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025 tooltipblq" id="blq_11490" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
Estamos, por increíble que parezca, ante la primera
grabación mundial de tan exquisita colección. Y no han sido Antonini,
Marcon, Biondi, Minasi o Alessandrini los encargados de hacerlo. No,
nada más lejos. Aquellos que dicen que en España no se puede hacer
música europea de nivel tienen en este registro la mejor refutación
posible. Un total trece músicos con un 95% de sangre nacional –el 5%
restante lo componen una alemana y dos portugueses– son los encargadas
de darle vida a este caballa alado para que vuele bien alto y lejos. Y a
fe que lo consiguen. La parte vocal corre de la cuenta de un sexteto
notable, aunque en cierto manera algo irregular. <b>Raquel Andueza</b> es la soprano que pone, junto a <b>Monika Mauch</b>,
los destellos de las líneas vocales altas, con la calidad y calidez
acostumbradas. Se muestran realmente cómodas en este repertorio. Hay que
volver a hacer notar el impresionante paladeo del texto y la
expresividad casi mágica de Andueza. Excelente también el barítono <b>Hugo Oliveira</b>, de timbre carnoso, profundo, elegante línea y fantástica amplitud de registro. Notable la labor de los dos tenores: <b>Íñigo Casalí</b> y <b>Victor Sordo</b>,
especialmente la del primero, que muestra una facilidad vocal
considerable –lástima que no se prodigue más–. Cumplen con notas, aunque
sin alardes unas partes por momentos complejas y realmente hermosas. El
apartado vocal más flojo en la grabación se debe a <b>Marta Infante</b>,
quien por otro lado le toca bregar con la línea más exigente en cuanto a
la tesitura de toda la colección. Dicho esto, lamentamos la incomodidad
que parece mostrar en muchos momentos, lo que se refleja en una emisión
poco natural y muy forzada.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
El apartado instrumental se conforma por una
plantilla de siete intérpretes, con una contundente sección para el bajo
continuo. Las partes altas se destinan a los violines barrocos de <b>José Manuel Navarro</b> y <b>Pablo Prieto</b>,
quienes superan con nota las partes más exigentes de sus líneas y que
nos hacen disfrutar de algunos de los pasajes más delicados y brillantes
del registro –especial mención para Navarro por su participación en <i>La Vesconte</i>,
reitero, uno de los momentos más fascinantes del disco–. Sin duda la
parte fundamental en lo instrumental recae sobre el continuo, conformado
aquí por una plantilla de lujo, en la que se encuentran algunos de los
intérpretes nacionales más dotados. <b>Vega Montero</b> está realmente imperial, con un sonido terso, redondo y contundente, y luce con brillo apolíneo en <b>La Vesconte</b>. Poco se puede añadir a estas alturas de <b>Manuel Vilas</b>,
probablemente el mejor arpista español de las últimas décadas, que
aporta aquí el toque de color siempre delicado y luminoso de su
instrumento. Extraordinario <b>Miguel Jalôto</b> al órgano,
firmando uno de los papales más destacados del registro, construyendo un
continuo muy inteligente y que sostiene con sobrada capacidad la
totalidad del conjunto. El toque de la cuerda pulsada viene de la mano
de <b>César Hualde</b> –habitual del conjunto– y <b>Jesús Fernández</b> –que además coordina el proyecto–, que nos regalan ese continuo
sosegado, colorista y que es capaz de mejorar todo lo que hay a su
alrededor.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Este es un disco muy bueno por muchas razones. Primero porque coloca a <b>La Galanía</b>
en la cúspide de los conjunto españoles dedicados a la música antigua.
Dos proyectos de amplio espectro como el dedicado a Antonio Cesti y el
que aquí presentamos demuestran, con sobrados motivos, que estamos ante
un conjunto de un nivel comparable al de cualquier conjunto
internacional de la actualidad en algunos repertorios concretos, por
supuesto. Segundo porque demuestra que<b> Anima e Corpo</b> se
está asentando como una discográfica muy capaz, que selecciona sus
proyectos de manera muy inteligente y que proporciona al mercado
productos de un interés mayúsculo. Tercero, pues nos muestra la faceta
en la dirección artística de Andueza, y nos descubre no solo una
cantante monumental, sino una artista integral, con una visión
fantástica del repertorio italianos del XVII. Cuarto porque estamos ante
un producto que va más allá de lo estrictamente musical, sino que se
convierte en un elemento cultural de primer orden, y en el que colaboran
multitud de personas a las que es necesario nombrar aquí por su
trabajo: por supuesto <b>Antoni Pons</b>, por su gran labor en las transcripción de la edición original; <b>Gerardo Tornero</b> y el equipo de <b>The Recording Consort</b>, que realizan un trabajo de sonido fabuloso –cuán importante es tener un gran profesional en este aspecto–; <b>Simón Andueza</b>, que realiza inteligentes labores como asistente de dirección; <b>Antonio Santillana</b> y <b>Dandelium</b>, que junto a las excelsas fotografías de <b>Michel Novak</b>
conforman un diseño moderno, pero elegante y con que supone el
contrapunto perfecto para una grabación de música del XVII. Quinto y
último, pero probablemente lo más importante, porque rescata del olvido
una obra descomunal, que no podía seguir más tiempo alejada de las
ávidas mentes y oídos de todos aquellos apasionados del repertorio
Barroco, y porque presta las perfectas alas de Pegaso al vuelo de
Merula. Gracias, aunque cabría pedirles para la próxima más atención
para los Merula españoles, que no debemos olvidar, también los hay.<br />
<br />
<div style="text-align: right;">
Publicado en <a href="https://www.codalario.com/critica/grabaciones/cd-pegaso--primicia-mundial-en-manos-de-la-galania_2803_31_6991_0_1_in.html">Codalario</a> el 10-II-2015.</div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="https://www.youtube.com/embed/qQBxMag1uF4?rel=0" width="640"></iframe></div>
<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-3340970153597672692015-02-28T10:15:00.000+01:002015-02-28T10:15:09.513+01:00The Choir Project al día | 21-II-2015<div style="text-align: justify;">
<b>Matth</b><b><span class="st">æ</span>us Pipelare [c. 1450-c. 1515]: <i>Memorare mater Christi</i> à 7.<br /> Huelgas Ensemble | Paul Van Nevel.<br /> Ephemeris of Renaissance composers [I].</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Donal Cross wrote about:<br />
«South Netherlandish composer. He was active in Antwerp but left there
to become Master of the Choristers for the Confraternity of Our Lady at
's-Hertogenbosch, remaining there from the spring of 1498 until about 1
May 1500. His name indicates that either he or a forebear played
woodwind instruments, perhaps as a town piper. In the words of
Ornithoparchus, as translated by John Dowland in 1609, Pipelare was one
of several composers whose works ‘flow from the very fountaine of Art’.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Pipelare wrote in almost all the forms of his day, and his style is
characterized by its wide diversity, ranging from a dense polyphony, as
in the first section of the <i>St John Credo</i>, to a homophonic style, as in <i>Vray dieu d'amours</i>. He approached the style of Pierre de La Rue in the
sombre melancholy of some of his works, such as parts of the <i>Missa Mi
mi</i>, but such other compositions as the chanson <i>Morkin ic hebbe</i> are gay
and light. Two characteristics of his style are the frequent use of
syncopation and sequence.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
The <i>Missa Floruit egregius infans
Livinus </i>is in an early style. The cantus firmus, which migrates freely
from voice to voice, employs altogether 20 chants for St Livinus. All
movements except the <i>Kyrie </i>conclude with the same musical section in
triple metre to produce a final ‘refrain’ reminiscent of Faugues. The
third <i>Agnus Dei </i>of the second <i>Missa sine nomine</i> is noteworthy for an
altus part consisting only of the note A, which is symbolically notated.
The <i>Missa L'homme armé </i>contains some of his most exciting writing,
building up to the grandiose final <i>Agnus Dei</i>. The <i>Missa Dicit Dominu</i>s
is a study in the complexity of rhythmic structure: the cantus firmus
appears in various mensurations conflicting with those of the other
parts.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
The <i>Missa Fors seulement</i>, with its rich sonorities, is
primarily a cantus firmus mass with the famous melody from Pipelare’s
own chanson (second setting) rhythmically differentiated from the other
parts. On the other hand, all the parts of the first <i>Missa sine nomine
</i>are so permeated with the pre-existing material that it can be called
an example of ‘saturation’ technique. Sequence and unpretentious
singable lines characterize the <i>Missa Johannes Christe care</i>/<i>Ecce puer
meus</i>; the texture of this mass is a 3 since the cantus firmus is
absent much of the time. This work and the St John Credo were probably
written in 1498 or 1499. Pipelare was a master of large complex
structures, but that he did not need complicated organization to bring
out his finest writing is nowhere more obvious than in his <i>Missa de
feria</i>, which though simple in style contains some of his most memorable
music.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Pipelare's motets show the same diversity of style as his
masses. The <i>Salve regina </i>and <i>Ave Maria… virgo serena</i> display an
early style in their use of short notes in syncopated rhythms. There is a
more careful declamation of the text in <i>Memorare mater Christi</i>
(closely modelled on Josquin's <i>Stabat mater</i>) and the <i>Magnificat</i>, in
which the composer allowed the voices to move within carefully
considered vertical sonorities. Here, especially in the <i>Magnificat</i>, he
looked to the future, not only in his careful treatment of dissonance
but also in his sense of balance both among the voice parts and in the
phrase structures.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Among his Flemish chansons, <i>Een vrolic wesen</i>
seems intended as a solo with instrumental accompaniment, as was an
earlier setting by Barbireau. Of the three or possibly four French
chansons, there are two settings of <i>Fors seulement</i>, one version based
on Ockeghem's famous chanson and a second on a new tenor melody. The
second version was extremely popular, to judge both by the many
manuscripts and prints that contain it and by the many compositions that
in turn were based on it.»</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Nobody like Huelgas Ensemble | Paul
Van Nevel to perform this complexity and depth put in music. Is really
wonderful. The sonority is precisely the necessary, no less no more;
incredible balance, wonderful pitch and impressive declamation of the
text. Absolutely thrilling. Marvellous music in a perfect perform.</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="480" src="https://www.youtube.com/embed/q83MUBib6Uc?rel=0" width="640"></iframe></div>
<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-5347049624457905452015-02-24T10:05:00.000+01:002015-02-24T10:05:45.618+01:00«Summa musicarum del...» | Crítica, para Codalario, de la integral de madrigales de Monteverdi grabada por La Venexiana<span style="font-size: large;"><b><i>Summa musicarum</i> del madrigal</b></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<b>Glossa edita un extraordinario estuche, de edición muy limitada,
que recoge la integral de los nueve libros de madrigales de Claudio
Monteverdi en las magistrales y absolutamente referenciales lecturas del
conjunto italiano.</b></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<i>The Complete Madrigal Books</i>. Música de Claudio Monteverdi. La Venexiana | Claudio Cavina. Glossa, 12 CDs [GCD 920929], 1998-2008 [2014]. T.T.: 797:12.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzcKe7BDuLFrJUdNUfik-oh-Yy-OL24Q6Azy9mWiPbsJk8xaZDDECIM-CN2MYrMB58s03LA81jPubGBhYXcj-M6jveR23hmpwL3Xv61lPf8NKpjKfbnQFRkUQx7KPOMmLBa1fVKgyUWOP4/s1600/The+Complete+Madrigal+Books.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgzcKe7BDuLFrJUdNUfik-oh-Yy-OL24Q6Azy9mWiPbsJk8xaZDDECIM-CN2MYrMB58s03LA81jPubGBhYXcj-M6jveR23hmpwL3Xv61lPf8NKpjKfbnQFRkUQx7KPOMmLBa1fVKgyUWOP4/s1600/The+Complete+Madrigal+Books.jpg" height="400" width="400" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Decir madrigal nos lleva de manera irremediable al nombre de
Monteverdi. Quizá los estudiosos, los expertos en el género profano y
los oyentes apasionados de la música de los siglos XVI y XVII piensen en
otros nombres, como Carlo Gesualdo, Luzzasco Luzzaschi, Luca Marenzio,
Cipriano de Rore, Jacques Arcadelt, e incluso puede que se vayan hasta
los británicos que practicaron la forma: Thomas Weelkes, Thomas Morley,
Orlando Gibbons o Thomas Tomkins. De cualquier manera, <b>Claudio Monteverdi [1567-1643]</b>
ha pasado a la historia como el desarrollador más genial del género y
especialmente como aquel que lo renovó de manera más impactante y cuya
vida estuvo indisolublemente unida a la evolución del madrigal, con su
paso entre la manera de hacer renacentista a la barroca.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Y es así con absoluto merecimiento, pues su
tratamiento del género profano puede colocarse a la altura de cualquiera
de las sustanciales aportaciones a un género a lo largo de la historia
de la música occidental. Así como las sinfonías son Haydn o Beethoven;
las pasiones, Bach; las óperas son Händel o Mozart; o los concerti
grossi, Corelli o Stradella; el madrigal es Monteverdi. Hablar de los
madrigales «monteverdianos» es hacerlo de las pasiones, de la humanidad,
de la palabra y la música, es hablar de la capacidad para glosar en
menos de diez libros el arte máximo de la composición para un género
concreto.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Sus madrigales siempre han estado presentes en la
primera línea de la interpretación desde que su comenzase a prestar
atención a su figura, de manera más notable con la llegada de los
criterios históricos y de la discutida autenticidad que promulgaba la
HIP [<i>Historically Informed Performance</i>], que privilegió en un
primer momentos las obras para la escena del autor cremonés, pasando
después a los madrigales. Ha sido especialmente a finales del siglo XX
cuando algunos de los conjuntos europeos más importantes en el ámbito de
la música antigua se centraron en este repertorio. Fueron especialmente
los italianos <!--[if gte mso 9]><xml>
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</xml><![endif]--><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>que reconocían como propio el género<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> los que más acento
pusieron en los madrigales, aunque no los únicos, como demuestra el
notable caso de los británicos The Consort of Musicke | Anthony Rooley,
quienes grabaron entre la década de 1980 y principios de 1990 la
totalidad de los madrigales de Monteverdi <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>a excepción del <i>Libro Nono</i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>,
que supuso probablemente la aproximación discográfica más pronta de
notable interés.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Fue así hasta que hicieron su aparición en escena
dos de los conjuntos italianos más destacados de cuantos se hayan
formado para interpretar repertorio barroco. El primero en hacerlo fue
Concerto Italiano, quien de la mano de Rinaldo Alessandrini comenzó a
descubrir los madrigales del cremonés con una visión más mediterránea,
contando en el conjunto con algunos de los intérpretes que años después
acompañaron al contratenor <b>Claudio Cavina</b> en su aventura de crear su propio grupo [1998]. Así nació <b>La Venexiana</b>,
sin duda el conjunto más influyente en lo que a la interpretación del
género madrigalesco de la Italia de los siglos XVI y XVII se refiere. Su
visión de la obra de Monteverdi, Carlo Gesualdo, Luzzasco Luzzaschi o
Luca Marenzio dio un giro a la manera de comprender el género. Como
base, un carácter más cercano al de los propios compositores <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>una visión
más pasional, luminosa, terrenal, y alejada de la cierta frialdad y
lejanía que las lecturas de la Europa central y del norte reflejaban<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>,
con dominio del lenguaje que se canta <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>algo tan fundamental para
interpretar estas obras<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, unos <i>tempi </i>menos arbitrarios, una comprensión
más exacta del <i>concitato </i>y la <i>sprezzatura</i>. En definitiva, una visión que
terminó por hacerse absolutamente referencial.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Cuando el conjunto pasó de su estancia en el sello parisino Opus 111 al escurialense <b>Glossa</b>,
se crearía sin duda una de las uniones intérprete/discográfica más
fructíferas e influyentes de finales del siglo XX y principios del XXI.
Nació así la Monteverdi Edition, que ambos pusieron en marcha para
grabar, en un comienzo, la totalidad de los madrigales que Monteverdi
compusiera. Así, entre enero de 1998 y julio de 2006 se registraron
estos ocho álbumes que ponían en liza la integral de los nueve libros
que Monteverdi vio editados entre 1587 y 1638 <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>incluyendo el noveno que
se editó póstumamente en 1651<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. Pasados, pues, 6 años desde que el
último de los discos saliera al mercado [2008], el sello con sede en San
Lorenzo de El Escorial edita esta exquisita caja, en una edición muy
limitada, que recoge todos esos álbumes, a los que se añade un disco
titulado <i>Live in Corsisa</i>, que fue editado en 2003. Para la
ocasión se presenta los discos en unos plásticos no demasiado
agradables, aunque útiles <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>quizá unos cartones impresos con la carátula
original de cada disco hubiera supuesto la guinda del pastel<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, así como
un libreto amplio que recoge las pistas, intérpretes y datos básicos de
cada uno de los discos, además de unas excelsas notas críticas <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>escritas
<i>ex profeso</i> por <b>Stefano Russomanno</b><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, que
recogen la evolución del género en las manos de Monteverdi. No obstante,
el último de los discos contiene en su interior el gran tesoro que
supone la presencia de todos y cada uno de los libretos originales <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>sin
la portada<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, con las fantásticas notas que el mismo musicólogo italiano
fuese redactando para cada ocasión.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Estamos ante una caja que recoge la mayor exhibición
creadora y performativa de este género profano. Una procesión de
intérpretes de primera línea, entre los que se encuentran algunos de los
verdaderos maestros del género, como las sopranos Rossana Bertini,
Nadia Ragni, Roberta Mameli o Emauella Galli; los altos Claudio Cavina y
Gloria Banditelli; los tenores <b>Giuseppe Maletto</b>, <b>Sandro Naglia</b> o <b>Raffaele Giordani</b>; y los bajos <b>Daniele Carnovich</b> y <b>Matteo Bellotto</b>, por poner algunos ejemplos. Se acompañan de algunos de los más experimentados instrumentistas, como <b>Svetlana Fomina</b>, <b>Elissa Citterio</b>, <b>Cristiano Contadin</b>, <b>Rodney Prada</b>, <b>Franco Pavan</b>, <b>Paul Beier</b>, <b>Gabriele Palomba</b> o <b>Fabio Bonizzoni</b>. En definitiva, un auténtico <i>dream team</i>
de la interpretación histórica al servicio único de la genialidad
«monteverdiana». Es por eso que los discos suponen un auténtico tesoro.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Es de justicia, como siempre, resaltar el fantástico trabajo de <b>Carlos Céster</b> en la producción ejecutiva, además de la producción artística de <b>Sigrid Lee</b>, que junto al trabajo de sonido <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>pulcrísimo, que eleva las grabaciones al Olimpo<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> de <b>Davide Ficco</b> y <b>Roberto Meo</b> y la exquisita labor de <b>Valentín Iglesias [00:03:00]</b> en el diseño, hacen de estos una colección imprescindible en todos los aspectos.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Esta es, sin duda, la mejor integral que puede
encontrarse en el mercado y la más influyente de cuantas se hayan
realizado en la historia de la fonografía, lo que es decir mucho. Glossa
demuestra su magnífica visión al reeditar de manera conjunta una serie
de 12 compactos que suponen el <i>alpha</i> y el <i>omega</i> del
madrigal y de Monteverdi, pues así como los madrigales son a Monteverdi,
La Venexiana | Claudio Cavina son a los madrigales. </div>
<br />
<div style="text-align: right;">
Publicado en <a href="https://www.codalario.com/critica/grabaciones/cd-integral-de-madrigales-de-monteverdi-con-la-venexiana_2795_31_6964_0_1_in.html">Codalario</a> el 03-II-2015.</div>
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="https://www.youtube.com/embed/XTsb7oy4SFg?rel=0" width="640"></iframe></div>
<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-80660647829925542312015-02-18T11:57:00.001+01:002015-02-18T12:00:29.893+01:00«Larga vida a...» | Crítica, para Doce Notas, del libro sobre el Thomas Morley editor e impresor<span style="font-size: large;"><b>Larga vida a la musicología</b></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<b>Fantástico estudio sobre la vida de uno de los compositores ingleses
menos transitados por la musicología, que muestra además una extraordinaria perspectiva del mundo
de la edición e impresión musical en las islas británicas.</b></div>
<br />
<i>Thomas Morley. Elizabethan Music Publisher</i>. Tessa Murray. Woodbridge, Boydell Press, 2014. 285 pp. ISBN: 978-1-84383-960-6.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyMhqHB_HIXBWLbc4ohwzmT0ijXAMzvopFZQ8lh_VYkmR6FPH8_IPzg20mtceh9G8S9DMp2j-b6puYiyzVvgK7gTVePeZC6lg8Mv1HUBYVjPVXuAzCg3KvPopkKDbo1yz1b1UMxJIuFQzf/s1600/Morley.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyMhqHB_HIXBWLbc4ohwzmT0ijXAMzvopFZQ8lh_VYkmR6FPH8_IPzg20mtceh9G8S9DMp2j-b6puYiyzVvgK7gTVePeZC6lg8Mv1HUBYVjPVXuAzCg3KvPopkKDbo1yz1b1UMxJIuFQzf/s1600/Morley.jpg" height="400" width="265" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Los avances que han tenido lugar en la musicología en las últimas
décadas son realmente fascinantes. Echar una vista atrás <!--[if gte mso 9]><xml>
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</xml><![endif]--><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>sin desmerecer
en absoluto el trabajo que muchos estudiosos llevan realizando desde
bien entrado el siglo XX en esta disciplina<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> para comprobar cuál era la
visión de un musicólogo al acercarse al estudio de una figura
compositiva y su contexto, y pasar a continuación a compararlo con la
praxis actual en el mismo caso supone todo un ejercicio de
clarividencia. El grado de contextualización y la forma en que los
autores de los textos son capaces de sumergirse en el mundo humano y
profesional de aquel al que estudian supone todo un lujo para los
lectores y otros estudiosos. El libro que presentamos aquí es un claro
ejemplo de ello, pues resulta, a todo punto, una referencia
imprescindible para el estudio de <b>Thomas Morley [c. 1557-1602]</b>,
uno de los autores ingleses más importantes del Renacimiento, que sin
embargo pasa por ser uno de los menos estudiados por los expertos, al
igual que de los que menos se interpretan <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>la ausencia casi total en su
catálogo compositivo de piezas sacras le ha afectado notablemente en
este aspecto<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Encuadrado dentro de la colección <b><i>Music in Britain, 1600-2000</i></b> <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>un poco justa su presencia aquí en lo temporal, hay que decir<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, que coeditan <b>Byron Adams</b>, <b>Rachel Cowgill</b> y <b>Peter Holman</b>, este <b><i>Thomas Morley. Elizabethan Music Publisher</i></b>
supone un fascinante viaje a la Inglaterra de la segunda mitad del
siglo XVI, ahondando con absoluto rigor y una fluidez textual
considerable en los aspectos biográficos del autor, uniéndolos de manera
muy natural con su desarrollo profesional, cediendo especialmente el
protagonismo, como no podía ser de otra forma aquí, a su faceta de
editor e impresor.</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Estructurado en torno a once capítulos el texto comienza con los
habituales apartados previos al estudio. Un prefacio breve, los
correspondientes agradecimientos, lista de ilustraciones aparecidas, así
como de las tablas de datos que se adjuntan en el texto, un apartado
dedicado a las abreviaturas usadas, y el que me parece de mayor interés,
un apartado dedicado a las convenciones editoriales, en el que la
autora apunta los aspectos a tener en cuenta en relación con la
transcripción de los textos originales, los nombres, los títulos de las
obras, la conversión de las monedas en los datos originales, las fechas <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>por el tema de la adopción del calendario Juliano<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> y el uso para las
referencias de página y folio. Breves subapartados que facilitan en
mucho la lectura y la comprensión de los datos.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b> </b>Los dos primeros capítulos están dedicados a la etapa formativa de Morley<b>,</b>
el primero de ellos a su infancia como cantor en Norwich <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>su ciudad
natal<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, así como su posterior nombramiento como maestro de los niños
cantores en la catedral de dicha localidad; mientras que el segundo se
centra más en su etapa juvenil, cuando fue admitido para estudiar música
en la Oxford University, aunque parece que nunca llegaría a asistir
como alumno presencial, y especialmente su salto de músico de iglesia al
de empresario, sin duda el más sustancial de su carrera. Dos capítulos
que sirven para aclarar algunas dudas que estaban pendientes en cuanto a
su fecha de nacimiento, su infancia en Norwich y su desempeño
profesional en la iglesia, además de su formación o no en Oxford y su
relación alumno/maestro con William Byrd <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>quien le influyó de manera muy
notable<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b> </b>Los capítulos tres y cuatro se detienen en el aspecto del contexto musical<b>,</b> especialmente el editorial, el primero de ellos en lo referente al mercado de la música que la autora denomina <i>recreativa</i> <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>entendiendo el concepto en su contexto<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, dedicando apartados muy
esclarecedores en cuanto a la impresión musical en Inglaterra antes de
1590 <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>recordemos que en Inglaterra la primera publicación real completa
data de 1575, con las <i>Cantione Sacræ</i> de Tallis y Byrd, cuando
en Europa ya se estaba editando e imprimiendo desde comienzos del siglo
XVI<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, además del tipo de consumidores musicales que encontramos en la
Inglaterra en este siglo, la manera en que la música circulaba por el
país, el cambio de gustos y manera de consumir por el nuevo público;
mientras, el siguiente capítulo se centra en la organización de la
imprenta musical centrada en la capital británica, como se controlaba y
gestionaba la impresión musical, así como el monopolio establecido por
la reina Elizabeth I en manos de Byrd y el final de este.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b> </b> Los capítulos cinco, seis y siete se dedican íntegramente a
la carrera desarrollada por Morley en lo referente al mundo editorial e
impresor<b>.</b> El primero de ellos narra la consecución del
monopolio de Morley por parte de la reina, no sin antes hacer alusión al
sistema establecido para la consecución de un monopolio, para terminar
con un apartado dedicado al monopolio tras la etapa de Morley. El sexto
lo dedica al negocio editorial del autor, la economía de la editorial y
lo ingresos de sus publicaciones. El séptimo capítulo se centra en el
negocio como impresor <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>es necesario diferenciar entre el del editor y
este<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, refiriéndose al proceso a seguir a la hora de imprimir, el
establecimiento de la imprenta, la rentabilidad económica de la misma y
haciendo alusión a algunos casos particulares que supusieron un punto de
inflexión en su desarrollo profesional.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b> </b> Los capítulos 8 y 9 analizan en que forma Morley
responde a las necesidades del mercado a través de la elección de obras
para sus clientes. Primeramente en relación al madrigal, dedicando
apartados a la propagación del género y otras formas relacionadas, así
como su acercamiento como compositor a dicho género profano <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>sus
diversas publicaciones, las transcripciones que realizó y las antologías
que editó e imprimió<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. El noveno se centra en otros géneros, pues tras
haber copado y establecido por completo el mercado de los madrigales
ingleses se centró en otros géneros, especialmente dedicados a la música
para <i>consort</i> y los <i>ayres</i> para laúd, aquello que se consumía de manera <i>recreativa</i>. Además se nos habla de la publicación de su <i>A Plaine and Easie Introduction to Practicall Musicke</i>, un manual musical de autoinstrucción que supuso la culminación de su proyecto editorial más ambicioso y que concluyó en 1597.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Los dos capítulos finales [diez y once] sirven como fabuloso epílogo a
toda la carrera de Morley, pues en ellos se nos da cuenta de su la
importancia real que tuvo su labor en el mundo de la impresión, el
impacto que tuvieron sus publicaciones, en definitiva, cuál fue su
legado <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>su modelo sirvió como patrón editorial en los siguientes veinte
años a su desaparición<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Se cierra el libro con una serie de cinco apéndices inteligentemente
introducidos por la autora, que sirven de guía en el camino para la
mejor comprensión de diversos aspectos: una tabla con las dedicatorias
de Morley en sus publicaciones; la transcripción de la patente musical
del autor en 1588; una tabla con los ingresos percibidos de por vida por
sus publicaciones; una relación con las publicaciones llevadas a cabo
por Morley y William Barley como impresores en Little Saint Helnes; las
publicaciones de Morley como compositor. Los detalles de las colecciones
son excelentes, con el título completo y todos los detalles de las
piezas contenidas.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Este es, pues, un libro de absoluta referencia ya no solo en el
tratamiento de la figura de Thomas Morley y su labor como editor e
impresor <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>más que la de compositor<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, sino que lo es también en cuanto a
la situación de la edición e impresión musical en la Inglaterra de
finales del XVI. Un trabajo excelente el llevado a cabo por <b>Tessa Murray</b>, que <b>Boydell Press</b> ha sabido publicar para el solaz de los apasionados estudiosos, intérpretes y lectores de este período tan fascinante.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
Publicado en <a href="http://www.docenotas.com/121580/thomas-morley-elizabethan-music-publisher-larga-vida-la-musicologia/">Doce Notas</a> el 06-II-2015. </div>
<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-65584967621696489862015-02-17T10:05:00.000+01:002015-02-17T10:05:51.658+01:00The Choir Project al día | 14-II-2015<div style="text-align: justify;">
<b>William Cornysh [c. 1465-1523]: <i>Woefully arrayed</i> à 4.</b> <b> </b><br />
<b>Stile Antico.<br /> Secular with sacred inspiration.</b><br />
<br />
David Greer wrote about Cornysh:<br />
«Composer, poet, dramatist and actor, who may have been the son of
William Cornysh. This relationship has not been proved, nor is there
complete certainty of identity in some of the references to ‘Cornysh’ in
the royal accounts and elsewhere. Only the compiler of the <i>Fayrfax
Manuscript </i>[GB-Lbl Add.5465] took care to avoid confusion by ascribing
three pieces there to ‘William Cornyssh Junior’.<br />
<br />
It was probably
this Cornysh who received several payments for his part in court
entertainments from 1493 onwards. The first was on 12 November 1493 ‘for
a prophecy’, followed by payment for playing the part of St George in
the Twelfth Night revels of 1494. In 1501 a Cornysh devised pageants and
‘disguysings’ for the wedding festivities of Arthur, Prince of Wales,
and Catherine of Aragon, and it was probably the same man who received
payment ‘for setting of a Carrall’ on Christmas Day 1502.<br />
<br />
In 1504
he was imprisoned in the Fleet, and while in prison he wrote a poem
entitled <i>A Treatise bitwene Trouth and Enformacion</i> [GB-Lbl Roy.18.D.11;
ed. E. Flügel, Anglia, xiv, 1892, 466–71] which is superscribed ‘In the
Fleete made by me William Cornysshe otherwyse called Nysshewhete,
chapelman with the moost famost kyng Henry the vijth’. His alias is
clearly made up of the last syllable of his name and ‘whete’ for ‘corn’.
The treatise, written in seven-line stanzas of rhyme royal, consists of
four introductory verses which complain how a man may be convicted by
false information, followed by <i>A Parable betwene Enformacion and Musike</i>,
which argues that the author had been wrongfully accused. The poem
makes elaborate use of musical terms. It is not known for what offence
he was sent to the Fleet; the common assertion that it was for a satire
against the unpopular Sir William Empson is based on a misreading of a
passage in Stow's <i>Annales</i>.<br />
<br />
As a Gentleman of the Chapel Royal
Cornysh was present at the interment of Henry VII, the coronation of
Henry VIII [both in 1509] and the burial of Prince Henry in 1511. On 29
September 1509 he became Master of the Children of the Chapel Royal in
succession to William Newark, for whom he had deputized earlier; he held
this post until his death. In this capacity he was responsible for the
music performed in the chapel, and on two occasions in April 1515 he
administered payments to visiting musicians who performed during the
services there. He was also responsible for the education and general
welfare of the choristers. Between 1509 and 1517 several royal
choristers [including William Saunders and Robert Philips] boarded with
Cornysh, and it appears from the monthly payments that from June 1517
all the choristers boarded with him. He is mentioned in an exchange of
letters dating from 1518 between Richard Pace, the king's secretary, and
Cardinal Wolsey concerning a chorister that the king had borrowed from
the cardinal's chapel for his own; Cornysh was told that he must treat
the boy well, ‘otherwise than he doth his own’ [Brewer, nos.4024–5,
4043–4, 4053–6]. At the same time he maintained connections with
Westminster Abbey, as William Cornysh (i) had done: from 1517 to 1520 he
leased accommodation from the Abbey, and for the feast of St Edward in
1522 he instructed the choristers of the Lady Chapel.<br />
<br />
From 1509
Cornysh was the leading light in the plays and entertainments that
enlivened court life. It is unfortunate that none of his dramatic
writings survives [the ‘fantastic attributions’ of Wallace were
commented on by Chambers], but some of the plays in which he took part
are known, among them <i>The Golden Arbour</i> [1511], <i>The Dangerous
Fortres</i>s [1514] and the [<i>Triumph of Love and Beaut</i>y [1514]. Two of the
main actors besides Cornysh were William Crane and John Kite, and these
three are mentioned in a poem by Alexander Barclay [quoted by Stevens]:<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<i>All this may courtiers in court ofte times heare,<br /> And also songes oftimes swete and cleare.<br /> The birde of Cornwalle, the Crane and the Kite<br /> And mo other like to heare is great delite,<br /> Warbling their tunes at pleasour and at will,<br /> Though some be busy that therin have no skill.</i></div>
<br />
Cornysh and Kite were also listed as visiting musicians at St Mary-at-Hill in 1510–11 [see Baillie, 1962].<br />
<br />
In September 1513 Cornysh took the Chapel Royal to France in the
retinue of Henry VIII, and their performances won great favour. In June
1520 he was again across the Channel, to supervise the Chapel Royal's
ceremonies at the field of the Cloth of Gold: he was in charge of the
pageants on the Sunday night, and received payment for the maintenance
of ten choristers from 29 May to 22 July. In 1522 the Emperor Charles V
visited England to cement an alliance with Henry VIII against the
French, and on 15 June the court was entertained with a play by Cornysh
which outlined in simple allegory the progress of the negotiations and
the expected outcome. The play is described in a letter written on 21
June 1522 by Martin de Salinas, ambassador of the Archduke Ferdinand.<br />
<br />
Various import and export licences that Cornysh was formerly thought to
have received [see Pine] were in fact awarded to his successor William
Crane. On 20 August 1523 Cornysh was granted the manor of Hylden in
Kent. All that is known of his domestic life is that his wife's name was
Jane and that he had a son called Henry. His will, made in January
1512, was executed on 14 October 1523. He was buried in the ‘Roode’
church of East Greenwich.<br />
<br />
William Cornysh made a notable
contribution to the repertory of the secular partsong, which flourished
in the reign of Henry VIII. Many of these show the influence of the
medieval carol, with its verses and burdens. <i>Woffully araid</i> has three
verses with a burden that is given in full at the beginning and end but
is shortened between the verses. <i>Yow and I and Amyas</i> is simple and
chordal. <i>A robyn</i> is a three-part canon, and <i>My love sche morneth</i> is
canonic in its two lower parts. These two pieces, like some other
partsongs in this repertory, seem to incorporate elements of
pre-existing melodies. Of the instrumental pieces, <i>Fa la sol</i> is long
and intricate, and the untitled piece seems to be a catholicon, that is,
designed to be perfomed in different modes. Its bass part is
constructed like a palindrome, pivoting at bars 15 and 25.<br />
<br />
A
number of impressive sacred works are ascribed in other sources to a
composer named Cornysh. In addition, there are works now lost that are
attributed to someone of this name: an antiphon <i>Altissimi potentia</i> [NOHM, iii, 1960, p.318, n.2]; a Magnificat, a <i>Stabat mate</i>r and a
five-part antiphon <i>Ad te purissima virgo</i> [formerly in the <i>Eton
Choirbook</i>, GB-WRec 178] and some masses listed in a 1529 inventory of
King's College, Cambridge [HarrisonMMB, appx iv]. The name ‘Cornysh’ was
entered in small writing at the end of several works, including three
masses, in the <i>Lambeth Choirbook</i> [GB-Llp 1], but the significance of
this is not known. In the extant <i>Eton Choirbook</i> pieces the style
ranges from the flamboyance of the surviving <i>Stabat mater</i> to the
simple eloquence of the <i>Ave Maria mater Dei</i>. The surviving Magnificat
is also extremely florid in places and encompasses an unusually wide
range, from C to g''. It has been suggested that the sacred works are
the work of William Cornysh (i) rather than the younger man [see
Skinner, 1997]. If indeed they are by William Cornysh (ii), however,
then he was a composer of great emotional and technical range; whichever
the case, the younger Cornysh's versatility as poet, dramatist,
‘player’ and composer reveals him to be a true man of the Renaissance.»<br />
<br />
Matthew O'Donovan said:<br />
«One of the leading English composers around the turn of the sixteenth
century was William Cornysh, some of whose chucruch music is preserved
in the <i>Eton Choirbook</i>. <i>Woefully arrayed</i>, however, is not church
music, but rather a devotional 'carol' intended for domestic
performance, and as such is more economical in word-setting, simpler in
texture and less ornate than Cornysh's large-scale antiphons. What is
striking, however, is the care shown in conveying the text; although
textual engagement has by no means reached baroque levels of
sophistication, this piece is laden with affective gestures to convey
the meaning, while occasional phrases receive particularly vivid
word-painting [such as the alternating back and forth between two chord
on the words 'tugged to and fro'.]»<br />
<br />
For me, this piece has one of
the most unique and interesting beginings of the English Renaissance,
with the incredible amazing and ornament tenor phrase and the impressive
duet with the bass. This piece is absolutely evocative. Stile
Antico perform here with stunning sonority, pitch and balance. For me
this probably the best version has been recorded. <i>Passion &
Resurrection</i> is one of the best albums in the discography, one of the
best discographies for one of the best vocal ensembles in the world.<br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="https://www.youtube.com/embed/15YOCI2XzbM?rel=0" width="640"></iframe></div>
<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-90483042125504644512015-02-13T13:03:00.002+01:002015-02-14T10:10:08.590+01:00«Por el fácil camino de...» | Crítica, para Codalario, del concierto inaugural del XI Ciclo de Músicas Históricas de León<span style="font-size: large;"><b>Por el fácil camino de la ignorancia</b></span><br />
<div style="text-align: justify;">
<b>El CNDM abre su XI ciclo leonés «tirando» de una agrupación de gala y una obra de las de emergencia para presentar un cuasi lleno por primera vez en el auditorio de la capital, repleto de un público ruidoso y populista que mordió el anzuelo de las «estaciones vivaldianas»</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
29-I-2015 | 20:30. León, Auditorio Ciudad de León. XI Ciclo de Músicas Históricas. Entrada 10 €uros. <i>Cuatro estaciones</i>. Obras de Antonio Vivaldi, Georg Philipp Telemann y Vicente Martín y Soler. Europa Galante | Fabio Biondi.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<img alt="" height="424" src="https://www.codalario.com/v_portal/inc/imagen.asp?f=Europa_Galante7771.jpg&w=700&c=0" width="640" /></div>
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<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
De los creadores del esperpento multitudinario que supone el Festival
Internacional de Órgano «Catedral de León» <!--[if gte mso 9]><xml>
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fue un claro ejemplo del despropósito que es programar en un edificio
de esas dimensiones para un público cercano a las 1.000 personas, que
acude ante la llamada de la gratuidad<!--[if gte mso 9]><xml>
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que tiene a la ciudad de León como su sede desde los albores del siglo
XXI y que pretendía ser la cabeza visible de aquel monumental proyecto
que convirtiera a la ciudad en el epicentro de la llamada música
antigua, con un centro que fomentara la investigación, interpretación y
gestión de los repertorios pretéritos en el territorio patrio, y que
finalmente se quedó, como es habitual en estos casos, en una
fanfarronada política de turno. Y es que uno, que está acostumbrado a
acudir anualmente a este ciclo, no puede menos que quedarse realmente
perplejo al presenciar el aluvión de espectadores que acudieron a esta
primera cita, especialmente si tenemos en cuenta que el ciclo lleva años
teniendo una media de 50 asistentes y que en el presente concierto se
multiplicó por más de 10 el número de espectadores habitual.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
¿Cuál es el secreto de tan excelso cambio en el
paradigma de la asistencia con relación a otros años, podrán preguntarse
algunos <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>entre los que me encuentro<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>? ¿Puede deberse a la notable
reducción en el precio de las entradas en relación a otras ediciones,
pues se ha pasado de los 18 y 12 € del año pasado a los 10 € de precio
único de este? ¿Quizá debamos achacarlo a la presencia de una formación
de primera línea mundial y que no es fácilmente visible por estos lares?
Qué duda cabe que la rebaja económica es un factor de gran impacto que
hay que tener en cuenta. En cuanto a lo segundo, considero que si bien
un parte del público puede ser consciente del nivel real del conjunto
italiano protagonista de la velada, no es este un factor suficientemente
influyente como para presentar una taquilla tan numerosa.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Y es que el diagnóstico es claro, pues lo único que
explica de manera lógica esta sorprendente afluencia de público fue la
programación de las celebérrimas <i>Le</i> <i>Quatri Stragioni</i>, auténtico<i> tour de force</i>
para los violinistas que el canon ha establecido como una de las obras
imprescindibles de la historia de la música, lo que hace que sea
escuchada por decenas de millones de personas sin un interés particular
por la música clásica, el repertorio barroco, el lenguaje violinístico o
el resto de la producción musical de <i>Il prete rosso</i>. El
resultado: un público tremendamente ruidoso, inquieto, inexperto <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>lo que
le llevó a aplaudir ya no solo entre los conciertos del ciclo de las
«estaciones», sin darse cuenta de la incomodidad que esto generaba en
Biondi, sino también entre algún movimiento de un mismo concierto o
entre las diversas danzas de los ballets propuestos<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, pero por encima de
todo, excepcionalmente dotado para toser y efectuar ruidos de todo tipo
en los momentos más inoportunos e inadecuados del concierto.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_11313" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
Mucho se debate sobre la presencia de la música
española y los intérpretes españoles en la programación estatal. Desde
luego, la labor que está haciendo el <b>Centro Nacional de Difusión Musical [CNDM]</b>
en este aspecto es en muchos puntos ejemplar. Por lo tanto no podemos
criticar negativamente la inauguración de un ciclo de estas
características por la presencia de un grupo de este nivel que
interpreta una pieza tan conocida <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>por mucho que personalmente me
interese más escuchar ya otras cosas a estas alturas de la partitura<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>,
pero sí debemos amonestar en este escrito al público que acude de manera
masiva a este tipo de actuaciones y no lo hace cuando se programa
música española desconocida e interpretada por conjuntos nacionales, que
si bien quizá no están todavía al nivel de un conjunto como el que
protagonizó esta velada, son ya poseedores de una trayectoria notable.
Así pues, quizá no se trata de poner el acento negativo de manera
especial en los programadores, sino en la falta absoluta de educación y
de criterio que la mayor parte del público español presenta <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>con sus
excepciones, por supuesto<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, que suponen el acuciante problema real de
base que hay en este país con la cultura y las artes.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Yendo al apartado puramente musical, el concierto que protagonizó <b>Europa Galante</b> <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>conjunto italiano sobradamente conocido desde que su líder, <b>Fabio Biondi</b>,
lo fundara allá por 1990<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> resultó de una brillantez técnica muy notable
y una capacidad de trabajo conjunto realmente admirable. La primera
parte se estructuró en torno a tres figuras, abriéndose la velada con
una obra del verdadero protagonista de la noche, <b>Antonio Lucio Vivaldi [1678-1741]</b>, del que se interpretó la <i>Sinfonia</i> de su <i>Griselda</i> RV 718 <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span><i>dramma per musica</i>
con libreto de Apostolo Zeno con revisión de Carlo Goldoni, que se
estrenó en el Teatro S. Samuele de Venezia en 1735<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, una pieza breve que
se comprende dentro del género de las <i>sinfonie avanti l’opera</i>, cuya estructura es igual a la de sus <i>concerti per archi</i> <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>o <i>concerti ripieni</i>, como el mismo Vivaldi lo denominaba<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, con escritura <i>a quattro</i> para cuerda sin solista y continuo. Una obra de lenguaje extremadamente «vivaldiano», con trazas de ese <i>furore</i> tan característico y que sirvió de apetitoso entrante.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
<b> Georg Philipp Telemann [1681-1767]</b>,
compositor extrañamente no tan interpretado como su talento y su
ingente catálogo compositivo <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>el más prolífico de la historia tras el de
Simon Sechter<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> justifican sobradamente. Representante trascendental de
eso que se ha venido en llamar «estilo mixto», mezcla fascinante de
estilos entre lo italiano, francés y alemán, el <i>Concerti per tre violini, violino grosso e basso continuo</i>, en FA mayor TWV 53:F1, datado en 1733 y que forma parte de la colección instrumental más célebre del compositor germano, su <i>Musique de Table</i>,
es un fantástico ejemplo de su lado más italiano, con clara influencia
del estilo «vivaldiano». Un concierto en el que los tres violines
solistas no solo dialogan en interesantes pasajes contrapuntísticos,
sino que cada uno de ellos tiene reservado para sí contundentes partes
solistas.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
La primera parte se cerró con una selección de dos ballets de <i>Vicente Martín y Soler [1754-1806]</i>,
compositor valenciano, uno de los mayores exponentes de la creación
musical de la España del XVIII y de la enorme proyección que algunos
músicos españoles tuvieron en gran parte de Europa –recordemos que
compitió de tú a tú con Mozart por el poder de la música escénica en la
Wien de finales de siglo–. Concretamente se interpretaron algunos
pasajes de <i>I ratti Sabini</i> [1780] y <i>La bella Arsene</i> [1779/1781],
ejemplos de su etapa napolitana, en un estilo puramente clasicista,
pero con algunos toques residuales del estilo galante. Interesante la
inclusión <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>aunque no sé hasta qué punto histórica<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> de la guitarra
goyesca para acompañar el continuo y algún pasaje solístico.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_11315" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
Para la totalidad de la segunda parte se reservó el
plato fuerte, o al menos aquel por el que la inmensa mayoría del público
estaba esperando. <i>Le Quattro Stagioni</i>, ciclo de cuatro conciertos conocidos bajo este sobrenombre que abren su Op. VIII, <i>Il Cimento dell’armonia e dell’invenzione</i>, el cual contiene un total de doce conciertos <i>per violino, archi e basso continuo</i>.
Mucho se ha escrito a lo largo del siglo XX sobre estos cuatro
conciertos, en especial sobre su carácter programático, al creerse
compuestos para ilustrar musicalmente una serie de <i>soneti demostrativi</i>
escritos por Vivaldi, aunque hoy día se sabe que estos textos fueron
escritos por el autor veneciano tiempo después de componer los
conciertos. La colección su publicó en Asmterdam en 1725, pero los
conciertos se han datado hacia el año 1720 e incluso un poco antes, y
aunque casi todos los conciertos de este Op. VIII han gozado de gran
fama, los cuatro conciertos de las «estaciones» [<i>La primavera</i>,<i> L’estate</i>, <i>L’autunno</i> y <i>L’inverno</i>]
suponen probablemente el ejemplo más célebre en la literatura
concertística para violín de toda la historia. Como siempre sucede con
las obras que acaban formando parte del <i>mainstream</i>, llega un
momento en el que se puede caer en una valoración de otros aspectos más
sociológicos e incluso antropológicos que los puramente musicales. Y sin
embargo estamos ante un monumento sonoro, pues se trata de obras de una
calidad absolutamente indiscutible, con las que el maestro veneciano
explota de manera sobresaliente el género del <i>concerto representativo</i> o <i>concerto figurato</i>,
que no se practicó en su momento todo lo que pudiera parecer, al menos
no en relación con el aprecio que se tenía en aquel momento por el
elemento descriptivo en las obras musicales.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Europa Galante y Fabio Biondi han pasado a la
historia unidos indisolublemente a estos conciertos, pues su primera
versión discográfica [1991] ha sido probablemente la que causó un mayor
impacto entre el público a finales del siglo XX. Biondi se afanó en
poner la lupa sobre el carácter más juguetón, teatral, dinámico,
contrastante y extrovertido de las obras, lo que cambió radicalmente la
manera de verlas desde entonces. Otros han venido después para hacer
todavía más extravagantes todas aquellas facetas, incurriendo ya quizá
en un «por demás» <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>pero esa es otra cuestión<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. Han pasado muchos años ya
desde aquellas lecturas, y con el paso de los años reconozco que me
esperaba un Biondi más sosegado, pero nada más lejos. La interpretación
que pudimos presenciar mantuvo el acento en esos puntos, mostrando un
Vivaldi casi escénico. El trabajo de conjunto fue sin duda lo más
espectacular: el dominio de las dinámicas <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>el poder en el <i>pianissimo</i> y sus epatantes <i>crescendi</i> fueron de lo mejor de la noche<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, la creación de texturas, la capacidad de evocar con el color orquestal, el increíble <i>feedback</i>
entre él y sus músicos resultaron absolutamente apabullantes, dejando
quizá en un segundo plano algunos aspectos por otro lado controvertidos,
como los <i>tempi</i> algo desmedidos que convertían en un
espectáculo circense su participación solista, acarreando con ello
algunos errores de notas, digamos no escritas. A pesar de todo, Biondi
está en plena forma, y aunque un <i>tempo</i> algo más sosegado
hubiera beneficiado la inteligibilidad de las líneas, el virtuosismo al
que llega es patente. Me sorprendieron sobremanera con algunas
soluciones interpretativas que todavía no había escuchado anteriormente,
como la realización del continuo tan particular <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>dando mucho
protagonismo al clave, casi como si de un concierto para el instrumento
se tratase en el segundo movimiento de <i>L’autunno</i>, o en sorprendentes descensos cromáticos en el último movimiento de <i>L’estate</i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>.
Además la consecución de las cadencias o la inclusión de pasajes
claramente improvisatorios mostraron unas «estaciones» muy arriesgadas,
sorprendentes, desde mi punto de vista inteligentes, pero que pueden
levantar suspicacias entre buena parte de los oyentes.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
No favoreció mucho la acústica de la sala para el
sonido global, especialmente porque la viola barroca y el laúd barroco <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>no tiorba, como se anunciaba en el programa<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> quedaron enmudecidos en
muchos momentos por el <i>tutti.</i> Hay que destacar el gran trabajo de <b>Fabio Ravasi</b> y<b> Andrea Rognoni</b>
como compañeros de aventuras de Biondi en el concierto de Telemann,
consiguiendo una homogeneidad sonora realmente fantástica. Encomiable,
aunque sufrió lo suyo, la labor de <b>Pablo de Pedro</b> a la
viola barroca, que tuvo que defender de manera titánica su parte en
solitario <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>especialmente en las «estaciones»<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. Exquisito el trabajo de
las cuerdas, con un sonido tremendamente empastado, repleto de tersura y
limpidez. El continuo tuvo una realización fabulosa de la mano de las
cuerdas graves, con un <b>Antonio Fantinuoli</b> [cello barroco] que sigue admirando aun con el paso de los años, que fue estratosféricamente doblado por <b>Nicola Barberini</b> [violone]. <b>Giangiacomo Pinardi</b>
es siempre un seguro como continuista en la cuerda pulsada, a pesar de
que en muchos momentos no se escuchaba con claridad el instrumento.
Mención honorífica merece la clavecinista <b>Paola Poncet</b>,
desde mi punto de vista lo impactante de la velada junto a Biondi. Una
interpretación globalmente notable, que en mi opinión logró el
sobresaliente en la primera parte y que se queda con el lirismo y la
belleza introspectiva de los pasajes lentos, antes que con el brillante
pero desmedido virtuosismo de los movimientos extremos en los conciertos
del veneciano.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Así pues, velada exitosa que aglutinó a todo el
público que este tipo de obras puede aglutinar, y que esperemos sirva
como trampolín para que el resto del ciclo presente una entrada más
respetable y merecida para el resto de conciertos cuando la presencia de
obras archiconocidas y conjuntos de primer nivel mundial desaparezca.
Siempre he defendido la máxima <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>quizá no muy políticamente correcta<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> de
que la cultura no es para todos. Noches como la de hoy confirman lo que
defiendo, pero quizá sea el precio que la llamada música antigua tiene
que pagar para mantener el <i>statu quo</i> que tanto esfuerzo y tiempo le ha
constado atesorar a lo largo de las últimas décadas. Y eso que está de
moda, dicen las rotativas nacionales de manera incesante en las últimas
semanas. Quizá haya que seguir mirando con asombro y anhelo lo que hacen
otros países y otros públicos no tan lejanos, para seguir un camino
marcado que no se desvía por los atajos. Mucho pedir, entiendo.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_r" style="text-align: right;">
Foto: Ana de Labra.</div>
<div class="txa_r" style="text-align: right;">
<br /></div>
<div class="txa_r" style="text-align: right;">
Publicado en <a href="https://www.codalario.com/critica/criticas/critica-fabio-biondi-inaugura-el-xi-ciclo-de-musicas-historicas-de-leon_2766_5_6884_0_2_in.html">Codalario</a> el 31-I-2015. </div>
<div class="txa_r" style="text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="480" src="https://www.youtube.com/embed/HLSzcBuQnag?rel=0" width="640"></iframe>
</div>
<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-68609908186207359902015-02-10T16:25:00.000+01:002015-02-14T10:17:17.051+01:00Entrevista, para Codalario, con Ignacio Prego<span style="font-size: small;"><span class="heditor_color_barra"><b>IGNACIO PREGO, clavecinista: «Bach es el centro de mi vida musical. Es un desafío que siempre tiene recompensa»</b></span></span><br />
<br />
<img alt="" src="https://www.codalario.com/v_portal/inc/imagen.asp?f=Prego96.jpg&w=700&c=0" /><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Madrileño de nacimiento y actualmente estadounidense de
adopción, es uno de los clavecinistas españoles más destacados de la
actualidad. Formado entre la capital española y ciudades como Indiana y
New York, está forjando una sólida carrera como solista de clave, tras
abandonar progresivamente el piano al que se había dedicado durante
tiempo. Merced a grabaciones bachianas de primer nivel y a una presencia
de calibre notable en Estados Unidos, Prego se está haciendo ya con un
puesto entre los clavecinistas españoles con mayor proyección de los
últimos años. Nos recibe para hablar sobre sus comienzos, la importancia
de EE.UU. en su carrera, sus proyectos, su futuro y especialmente sobre
Bach.</div>
<br />
<br />
<div class="txa_j">
<b>Vayamos al comienzo de todo. ¿Cuándo y por qué el clave?</b><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Yo tengo formación de pianista. Tocaba el piano
desde muy pequeño. Por cuestiones familiares siempre he estado muy
familiarizado con el clave y con la música antigua, porque mi familia es
muy aficionada, así que siempre ha estado muy presente y de manera
constante. «Jugueteé» siempre con el clave, pues algunos amigos de mi
familia tenían un clave en La Granja, y siempre lo intentaba tocar un
poco y recibía alguna clase. Pero mi primera formación fue de pianista,
en Segovia. Después me fui a vivir a El Escorial, donde estudié el grado
superior de piano [Conservatorio Padre Antonio Soler], con un profesor
ruso, aunque seguí tocando el clave de manera amateur. Luego me fui a
Estados Unidos a estudiar, y fue principalmente en la Indiana University
donde comencé a compaginar ambos instrumentos, haciendo un máster en
piano y clave, especialmente gracias a mi profesora, Elisabeth Wright,
con quien realicé la transición entre ambos. De aquí pasé a The
Juilliard Scholl [New York], donde estudié clave con Kenneth Weiss y
Richard Egarr, y de ahí hasta hoy. Aquí es donde he tenido además un
mayor contacto con otro clavecinistas, como Lars Ulrik Mortensen,
Béatrice Martin, William Christie o Masaaki Suzuki. Si tuviera que
resumir mi formación de clave lo haría en tres nombres, que han sido los
principales en mi vida: Wright, Weiss y Egarr.</div>
</div>
<br />
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<b>Y tras su formación en Madrid, la marcha a Estados Unidos. ¿Qué le llevó a elegir este país?</b></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Para piano la razón fue un profesor brasileño
llamado Luiz de Moura Castro. Mi intención, como la mayoría de la gente
que se va a estudiar fuera, era estar allí dos años y volver a España
para seguir con mi vida y mi carrera. Ya cuando me fui tenía bastantes
conciertos aquí, un trío que funcionaba bastante bien, ya tenía mis
cosas, pero una vez que me fui allí fue todo bastante natural, porque
fui becado por la Agencia Estatal de Cooperación Internacional, y cuando
llegó el momento de volver pudo enlazar con otra beca que en principio
me iba a llevar a Wien, pero tuve un problema en un dedo en que me tuvo
sin tocar cinco meses, y dado que allí no podía comenzar en enero y en
Indiana sí, pues decidí quedarme, porque realmente tienen un
departamento de música espectacular, en piano sobre todo y en música
antigua también. Cuando acabé me quedé allí me dije lo mismo: «venga,
pues ya está, se acabó», pero entonces surgió la oportunidad de ese
programa en Juilliard, que es espectacular en muchos aspectos y con
muchas oportunidades profesionales, con mucho contacto con grandes
músicos, y ya me quedé otros dos años, viviendo en Manhattan, que
suponía además una gran opción, y hasta hoy. Ahora acabo de comenzar a
trabajar en Yale University [New Haven, Connecticut], como artista
residente y como vocal coach con cantantes. Voy pensando en grupos de
dos años, así que de momento estaré allí una temporada.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_10918" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
<b>Estados Unidos siempre se ha considerado como
la hermana pequeña de la interpretación histórica en comparación con
Europa. Sin embargo, actualmente está en un momento espléndido en cuanto
a la formación. Lugares como The Julliard School, donde ha estudiado,
tienen actualmente un departamento de música antigua más que notable.
¿Qué opinión le merece, como buen conocedor, el sistema educativo
estadounidense en este aspecto?</b></div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
El sistema allí está muy descentralizado. Se mueve
un poco por focos. Es cierto que no es comparable que no es comparable a
la tradición y la historia de Europa, lo que es lógico, porque al fin y
al cabo Estados Unidos fue fundado por ingleses ultrarreligiosos
emigrados y realmente no había una tradición de música, ni siquiera
hablamos de luteranos que fueron y llevaron consigo música de Bach. Por
lo tanto, por cuestiones de tradición, es cierto que Estados Unidos ha
estado y está lejos de Europa. Por otro lado, hay que tener en cuenta
que es un país con 300 millones de habitantes, muy grande, por lo que
hablar de él en comparación con Europa es realmente delicado. Lo que sí
tiene es unos centros artísticos impresionantes en canto a música
antigua, y lo que creo que definiría al país es que tiene un tremendo
potencial, mucho interés <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>porque además tienen los recursos económicos
para ello<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, y los medios, porque sorprende realmente los instrumentos
que te encuentras y las colecciones de estos que hay. Hay una tradición
enorme de mecenazgo, y te encuentras que la gente con mucho dinero se lo
gasta en esto, al contrario de lo que pasa en otro países como España,
en el que la gente se lo gasta en otro tipo de cosas, pero no en
cultura, pues aquí es habitual con alguien que de repente dona 20, 40 o
100 millones de dólares para crear un departamento de música antigua,
para que una universidad beque a todos sus alumnos o para comprar una
colección de instrumentos con Ruckers y Taskin impresionante. En ese
sentido sí que creo que hay una diferencia enorme de tradición, pero
creo que Estados Unidos mira hacia el futuro, y en Europa en este
momento la inercia es la contraria: suprimir ayudas a grupos, cada vez
es más complicado vivir como músicos. Estados Unidos tiene mucho
potencial y mucho futuro. Y en esos focos te encuentras músicos
increíble que no tienen nada que envidiar a los europeos, e incluso
muchos europeos que viven aquí, porque es más fácil desarrollar una
carrera, o son mejor tratados por las instituciones universitarias. Como
trabajador de Yale podría estar muchos minutos hablando de las grandes
ventajas de estar aquí trabajando y lo fácil que resulta todo:
cuestiones económicas, burocráticas… Es todo positivo. Sin embargo hablo
con mis compañeros en España y es todo lo contrario. Irte de un
conservatorio para dar un concierto se convierte en una verdadera
aventura, porque básicamente puedes perder hasta tu puesto de trabajo.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
<b>Hasta algunos años el piano tuvo un espacio muy
grande en su terreno interpretativo. ¿Sigue dedicándole algo de tiempo o
está ya por completo centrado en el clave?</b></div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
El piano en este momento es un instrumento de
trabajo porque lo uso con mis alumnos, porque allí no hacen únicamente
música antigua, sino que hacen mucho lied, así que a menudo uso el
fortepiano, pro es muchas ocasiones el piano moderno, porque es lo que
está disponible en ese momento, por ejemplo. De hecho, en los recitales
que doy con ellos se suele hacer la mitad con cada instrumento.
Profesionalmente no lo potencio ni lo pretendo potenciar. No estoy en
activo como intérprete en el piano, pero lo necesito para desarrollar mi
labor como profesor en Yale.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_10919" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
<b>Sorprende su enorme presencia en Estados Unidos
en comparación con lo escasa que resulta en España. ¿Esto es algo
premeditado o más bien obligado por las circunstancias?</b></div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Mi presencia en Estados Unidos, la subida de mi
carrera allí ha sido bastante rápida. 2014 ha sido un año repleto de
cosas y con proyectos muy buenos. Ya llevo muchos años tocando allí y me
parece normal, es decir, tampoco culpo a nadie. Es cierto que a veces
uno tiene la sensación de que para tocar en España tienes que estar
«erre que erre», haciendo llamadas, enviando <i>mails</i>, y
reuniéndote. Me parece que de forma natural en Estados Unidos he
construido una carrera y en España todavía no. Sinceramente, no es nada
premeditado ni deseado, porque me encantaría tocar más en España. He
hecho algunos intentos, aunque sinceramente sin grandes esfuerzos,
porque creo que tiene que ser algo natural, así que creo que algún
momento esto saldrá para delante. Espero que sea así. De hecho, tampoco
es casualidad que grabe con sellos españoles y que gran parte de la
promoción de los discos, entrevistas como estas y demás sean en España.
Las circunstancias a veces te obligan a trabajar allí donde te lo
ofrecen y donde tienen la capacidad de ofrecértelo.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
<b>Acaba de salir al mercado su última grabación, dedicada a las <i>Die Französischen Suiten</i>,
en el sello Cantus, que sucede a aquel extraordinario disco dedicado a
algunas de las grandes obras para clave del Kantor, para el sello Verso.
Doble pregunta, pues, ¿Bach es el centro de su visión como intérprete?
¿Por qué dos sellos españoles?</b></div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
En cuanto a la primera, diría que sí, que Bach es el
centro de mi vida musical, porque es lo que más he tocado, lo que más
toco, y preveo que va a ser una gran parte de lo que toque. Es, a mi
parecer, el padre de todos y me encanta tocarlo, es muy natural. Sé que
para muchos intérpretes supone muchas veces un desafío muy grande <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>también para mí, obviamente<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, pero es un desafío que siempre tiene
recompensa, y me gusta ese tipo de desafío que requiere más trabajo, más
profundidad. Bach no es compositor que se toque a primera vista,
requiere ir más allá, y si quieres ir quitando las capas de la cebolla y
llegar al fondo <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>o lo que uno cree que es el fondo en ese momento de su
vida, porque probablemente en el futuro descubres que hay muchas más
capas<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, requiere mucho trabajo y ese trabajo me gusta. Sin duda es el
centro y lo seguirá siendo. En cuanto a los sellos españoles, lo de
Verso fue una cuestión de que ya había grabado para ellos, con Josetxu
[Obregón], un disco de cello y piano dedicado a música del siglo XX,
antes de que ambos nos dedicáramos a la música antigua. Es un sello que
funciona muy bien y fue un disco que produjo yo mismo, y me gustó la
idea de hacerlo así, especialmente para un primer disco de clave solo.
En cuanto a Cantus, ha sido algo similar, porque ya había grabado con
ellos, un DVD junto a La Ritirata, llamado <i>Concierto Barroco</i>,
además tengo algunos de sus discos <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>me parece que la factura de estos es
excelente<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> y me pareció una buena opción. La grabación la tenía ya
desde hacía un año y medio, y tras una serie de vicisitudes acabó en
Cantus y la verdad es que estoy muy contento con el resultado. </div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_10920" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
<b>¿Qué suponen para usted estas suites llamadas francesas?</b></div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Ha sido un gusto poder grabarlas, porque son una
colección de obras que he estado tocando toda mi vida. De hecho, la
primera obra que toque en concierto en mi vida, en un concierto de
alumnos allá en Segovia, cuando tenía 12 años, fue precisamente una de
ellas, concretamente la segunda, en Do menor. Con excepción de la
primera, en Re menor, las había tocado todas, bien en clave o piano,
algunas en concierto y otras para mis profesores, así que al final era
algo bastante lógico el terminar grabándolas, porque la tenía muy
interiorizadas. Es un Bach algo diferente al que te puedes encontrar en
sus preludios y fugas, en las <i>Goldberg</i>, las partitas o las <i>suites inglesas</i>.
Las compuso precisamente después de las inglesas y antes de las
partitas, y no tienen esa complejidad y sí un acercamiento al estilo
galante desarrollado por su hijo [Carl Philipp Emanuel] más tarde, con
muchas atención a la melodía y sin esa complejidad contrapuntística de
otras obras. Resume muy bien esa dualidad entre la parte melódica <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>y
también contrapuntística, aunque esté menos potenciada<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> y horizontal,
con otra vertical y más rítmica que tiene su origen en el bajo continuo.
Tiene un equilibrio especialmente interesante, que en otras obras es en
realidad una complejidad tremenda, con menos atención a la parte de la
danza. Es un equilibrio algo más ligero que el de otras piezas.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
<b>¿Cómo se plantea el asunto de la ornamentación
cuando interpreta a Bach? ¿Prefiere un Bach austero </b><b><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>que se ciña a las
indicaciones prácticamente nulas que él dejaba en este aspecto en sus
partituras</b><b><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> o quizá uno más libre, en el que el intérprete tenga algo
que decir al respecto, basándose en el estudio de los tratados y el la
praxis del momento?</b></div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Creo que en este tema siempre ha habido una
confusión enorme. Pensar que Bach tocaba únicamente lo que estaba
escrito, o que esperaba que los intérpretes solo interpretaran las
ornamentaciones que él marcaba me parece algo completamente erróneo. Lo
mejor, como con otros compositores, es acudir a sus propias versiones
ornamentadas. Estoy pensando en la Sarabande de su tercera suite
inglesa, en Sol menor, que está llena de cosas. Otra de las posiciones
erróneas en cuanto a Bach es la de su continuo. Se tiende a pensar que
Bach era un continuista poco rico, que se consideraba no añadía
demasiados adornos porque en las líneas altas ya había tantas cosas que
no era apropiado, pero sin embargo, cuando encuentras su música con la
parte de continuo escrita <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>como la sonata para clave<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> observas que es
tremendamente rico. Creo que era una persona que tocaba mucho y que
cuando ornamentaba tocaba mucho. Aquí hay varios asuntos: primero si el
intérprete sabe esto, si es consciente de ellos, porque creo que es algo
que se puede y se debe hacer; y segundo si el intérprete está preparado
para hacer una barbaridad de ornamentos, que personalmente creo que sí
se puede hacer, quizá no constantemente, pero sí especialmente en las
repeticiones. La actitud debe ser ir a las fuentes <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>ya que además no
dejó nada escrito acerca de esto, sí dejó tablas escritas con lo que
significaba cada ornamentación, pero no una indicación de en qué pasaje
podía hacerse una u otra, como sí podíamos encontrar a finales del siglo
XVI, con los Ortiz y compañía, que ya te daban indicaciones de cómo
hacer disminuciones, por ejemplo<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. Es cierto que las suites francesas ya
tienen esa parte ornamentada en la propia escritura, que aunque no
resulta excesivo, sí que se encuentran cosas. </div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_10921" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
<b>Cuando uno interpreta o escucha la música de
Bach tiene la sensación de sentirse realmente empequeñecido ante un
genio sin igual como el suyo. ¿Qué siente cuando se acerca a interpretar
a solo sus obras?</b></div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Diría lo mismo. Tal vez no pequeño, pero sí diría
que me pone en mi sitio y me hace ser humilde. Creo que Bach tiene esa
cualidad, que también combina lo espiritual con lo profundo, lo divino
con lo más humano, que te hace encontrarte con sensaciones de
austeridad, humildad, nobleza. Es en ese sentido el que mejor lo hace,
porque a pesar de tener una escritura tremendamente compleja, técnica y
estructuralmente, porque hay mucho en su música, es espectacular, y
además es algo que nunca terminaremos de descubrir 100% y entender,
porque tiene ese misterio; al mismo tiempo logra humanizar mucho esa
música. Es cierto que te sientes pequeño y humilde, pero una manera
cercana a la vez. No te invade, no sé cómo decirlo, no es algo contra el
ser humano, sino que es algo que le eleva y le ayuda a entender más la
vida. Creo que además es una música tremendamente llena de vitalidad, de
optimismo y de alegría. Cuando toco música de Bach, la verdad es que
estoy feliz, también por esa sensación de recompensa de la que hablaba
antes. Bach es un músico que tiene recompensa.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
<b>Su carrera en Estados Unidos está en este
momento en su mejor momento. ¿Qué le está aportando como intérprete la
escena musical de este país?</b></div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Principalmente estoy viviendo una experiencia muy
buena, porque me estoy encontrando con oportunidades que creo que en
Europa no me encontraría, al menos por ahora. Estados Unidos en ese
sentido es muy abierto, no tiene esos prejuicios. En Europa parece que
la gente va a caballo ganador, a por alguien que ya tiene diez discos y
una larga trayectoria, y es poco dada <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>aunque parece que ahora un poco
más<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> a tener las puertas abiertas a jóvenes intérpretes. En Estados
Unidos la gente en muy sana en este sentido, y valoran el talento y
apuestan por él, lo que hacen en todos los planos. Realmente lo están
poniendo en bandeja para desarrollar una carrera, que por otro lado
espero tenga continuidad en España y en el resto de Europa. </div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
<b>Hace poco ha participado como solista con una
de las grandes orquestas historicistas, The English Concert. ¿Cómo ha
vivido esta experiencia?</b></div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Llegué a ellos gracias a Harry Bicket, que actuó un
poco como mentor. Yo lo conocí durante mis años en Juilliard y han
creado un proyecto para dar oportunidades a jóvenes intérpretes. En este
caso me eligieron a mí para tocar en alguno de sus conciertos. Fue muy
interesante, porque además tuve la oportunidad de dirigir yo desde el
clave, aunque son intérpretes que no necesitan mucho desde la dirección,
porque son espectaculares, y hay que hacer muy poco para que funcione.
Es gente, además, muy simpática, muy fácil de tratar, que apoya mucho a
la gente joven que comienza a trabajar con ellos. Por otro lado, es un
placer poder trabajar con una orquesta de ese nivel, que suena así. Creo
que el secreto es que llevan mucho tiempo tocando juntos, además de que
Bicket unifica mucho, es una persona muy tranquila y eso lo transmite a
la orquesta. Hay un ambiente muy bueno.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="bl_izq bloque t100 mart025" id="blq_10922" style="text-align: justify;">
<div class=" ff_arial fs_1 v_colpri lh_150">
<div class="txa_j">
<b>¿Pretende seguir vinculado a los conjuntos en
los que participaba, especialmente La Ritirata, o su carrera como
solista va a ocupar todo su tiempo y la lejanía te impide mantener esa
duplicidad?</b></div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Me encanta ir a España y tocar con La Ritirata,
porque son unos músicos espectaculares y me enriquece mucho tocar con
ellos. He aprendido mucho tocando con los continuistas de La Ritirata, y
también escuchándoles tocar. Espero que siga siendo así. Es cierto que
he tenido que decir que no a varias actuaciones y proyectos, no solo con
La Ritirata, sino también con otros conjuntos, por una coincidencia de
fechas, pero esa es la única razón. Siempre que puedo y que pueda será
un placer tocar con ellos y con otras orquestas, como The Portland
Baroque Orchestra y Monica Hugget <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>con quien voy a tocar próximamente <i>Le Quattro Stagioni</i>
como<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> y es un verdadero placer. Creo que no hacerlo no es
ni muy realista <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>porque tampoco se puede vivir de tocar solo recitales
como solista<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, ni muy historicista <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>la figura del intérprete de clave
solista dando conciertos por el mundo es algo que nunca se vio<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. El
músico al final es alguien que está tocando con otros músicos y de ahí
aprende mucho, le enriquece mucho, al igual que él enriquece a los
otros. Esa colaboración es fundamental. Lo que sí tengo pendiente es mi
propio conjunto, que creé y presenté hace poco en New York, pero justo
empecé a trabajar en Yale y lo he tenido que dejar en stand by, pero
otro de las cosas que quiero hacer, y que espero sea gran parte de mi
vida musical, es tener mi propio grupo, que dirigiré desde el clave y
que espero pueda dedicarle algo más de tiempo cuando termine de trabajar
en Yale, que me observe muchísimo, pero que por otra parte me está
aportando mucho, pues tengo la oportunidad de trabajar mucho repertorio
vocal, con cantantes de gran nivel, y esto me va a ayudar para
desarrollar esa labor en el futuro.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
<b>Además de Bach, ¿qué otros compositores ocupan su mente con mayor presencia?</b></div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
Toco mucha música española relativamente temprana.
Hablo de Cabezón, Cabanilles, Soler, Alberoa… que he tocado mucho en
Estados Unidos <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>como mi programa titulado <i>El canto del caballero</i><span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. Es un
repertorio que hago muy a menudo y que incluso combino con Bach,
porque funciona fenomenal <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>como el programa <i>From Cabezón to Bach</i>, que va
desde Cabezón y Cabanilles a Frescobaldi, que parece ser que conoció la
obra del primero y desde luego que hay una relación clarísima<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. También
hago bastante Froberger. En general me gusta más el repertorio
temprano, como Louis Couperin. También he tocado, sobre todo este pasado
año, mucho Carl Philipp Emanuel, del que soy un admirador. Si debo
decirte un repertorio que no hago, aunque sí lo he tocado en alguna
ocasión por diferentes motivos, es el francés tardío [Rameau y François
Couperin]. Me interesa, lo valoro, porque son grandísimos compositores,
que además lo escucho mucho y me encanta verlo tocar, pero por alguna
razón existe una afinidad menor con ellos de la que puede haber con
compositores franceses anteriores como Couperin o D’Anglebert.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
<b>¿Cuáles son sus clavecinistas de cabecera?</b></div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
<div class="txa_j">
[Resopla] Me encanta Richard Egarr, me encanta
Kenneth Weiss, pero también clavecinistas anteriores, como Scott Ross.
De la gente más joven me gusta Mahan Esfahani, que me parece un gran
clavecinista. Me gustan las Goldberg de Andreas Staier.</div>
<div class="txa_j">
<br /></div>
</div>
</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<b>¿A aquellos clavecinistas de las primeras
horanadas, como Gustav Leonhardt, Bob Van Asperen y demás, los tiene más
como una referencia o los considera como los pioneros que realizaron su
labor pero que yan han sido superados?</b></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Sí, por supuesto son una referencia. Es cierto que
hay algunas cosas que han envejecido peor, por ejemplo el continuo de
Leonhardt es algo que hoy día ya se ve como anacrónico, porque resulta
demasiado pobre, cristalino y ligero, pero por supuesto que son
referencias. Si tuviera que decir algunos de auqellos diría un Ross, un
Kenneth Gilbert, un Van Asperen o un Leonhardt.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<b>¿Es de esos intérpres al que le gusta, en el
tiempo que le queda, escuchar discos y asistir a conciertos, o más de
aquellos que no son muy dados a escuchar a otros?</b></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
Me encanta. Escucho mucha música. No escucho
únicamente música de clave, de hecho, de esta escucha bastante poca.
Escucho sobre todo mucha música orquestal, óperas, oratorios, que me
encantan, y también escucho música para piano, aunque ahora ya me cuesta
mucho escuchar música antigua interpretada en un piano. Sobre todo
escucho música orquestal y vocal. Cuando voy a tocar algo no soy una
persona que escucha treinta versiones de una misma obra, porque me
parece contraproducente y te condiciona mucho, aunque si tengo una duda
en algún pasaje, y sobre todo hay alguna versión de alguien que me gusta
y admiro, pienso: «voy a escuchar a ver qué hace con esa ornamentación,
con ese trino…», pero lo busco más como un profesor, como el que toca
para alguien que admira y quiere saber su opinión.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<b>¿Qué le espera en un futuro próximo?</b></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
A corto plazo me espera Yale, donde tengo muchísimo trabajo, como un <i>Judas Maccabæus</i>
con David Hill y la Schola Cantorum. También comienzo una colaboración
con un conjunto de Boston llamado L’Académie, tengo conciertos en
febrero con Phoebe Carrai en South Carolina, sigo colaborando con The
Portland Baroque Orchestra | Monica Huggett, algún concierto con La
Ritirata, además de varios proyectos de grabación, que aún están por
definir, pero mi intención es grabar las Goldberg este verano y
probablemente un cedé dedicado a la música española que he estado
tocando todos estos años <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>además se acerca «año Cabezón»<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. Pero bueno,
todo esto son ideas que espero poder llevar a cabo.</div>
<div class="txa_j" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: right;">
Foto: ignacioprego.com</div>
<div class="txa_j" style="text-align: right;">
<br /></div>
<div class="txa_j" style="text-align: right;">
Publicado en <a href="https://www.codalario.com/entrevista/entrevistas/ignacio-prego--clavecinista-bach-es-el-centro-de-mi-vida-musical-es-un-desafio-que-siempre-tiene-recompensa_2684_4_6626_0_1_in.html">Codalario</a> el 28-I-2015. </div>
<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-67428530882886236942015-02-04T09:47:00.005+01:002015-02-14T10:12:09.187+01:00«Un maravilloso cierre...» | Crítica, para Doce Notas, del libro que Graham Sadler dedica a Rameau<b><span style="font-size: large;">Un maravilloso cierre para el año de un genio</span></b><br />
<div style="text-align: justify;">
<b>Magnífica aportación bibliográfica, que
llevada a cabo por quien es una de las grandes autoridades en el
universo del dijonés, pone punto final a la efeméride «rameauniana» en
el ámbito musicológico.</b></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<i>The Rameau Compendium</i>. Graham Sadler. Woodbridge, Boydell Press, 2014. 281 pp. ISBN: 978-1-84383-905-7.</div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIyasXXVmoyyOMVb32vlePfyQJfuB69Lc2GPFmWGfbvGhy7S7U6N4ZzbKuP9tlPoX5hI5bXD6qgfs73pmG2vR_TLLFc_2jT6hajQwt-MACxVFdaJulY8DVftwm1spUPQVFkAYiblVIQRoA/s1600/The+Rameau+Compendium.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIyasXXVmoyyOMVb32vlePfyQJfuB69Lc2GPFmWGfbvGhy7S7U6N4ZzbKuP9tlPoX5hI5bXD6qgfs73pmG2vR_TLLFc_2jT6hajQwt-MACxVFdaJulY8DVftwm1spUPQVFkAYiblVIQRoA/s1600/The+Rameau+Compendium.jpg" height="400" width="266" /></a></div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Sin duda, llegando ya al final de este <b><i>Année Rameau</i></b>,
y haciendo como es debido balance del mismo, la situación es más que
favorable. Las cosas se han gestionado bien <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>¡quién fuera Francia!<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> y
han sido muchas las aportaciones de importancia que se han realizado
desde el pasado enero. Como siempre sucede en estos casos la mayor parte
de los descubrimientos y publicaciones fundamentales viene de la mano
de la interpretación y la discografía. Sin embargo, la musicología
también ha dejado algunos elementos de interés máximo en el mundo
bibliográfico. Encabeza la lista el libro realizado por Sylvie Bouissou,
probablemente la monografía definitiva que estábamos esperando. En otro
escalón se encuentra libros como el que aquí presentamos, que suponen
aportaciones de notable calibre y ayudan a completar una visión
poliédrica y fundamentada de la figura de <b>Jean-Philippe Rameau [1683-1764]</b>, sin duda uno de los grandes genios que haya dado la humanidad a la historia de la música.<br />
<br />
Pocos autores más autorizados sobre el compositor de Dijon hoy día que <b>Graham Sadler</b>.
Excepcional musicólogo, es Profesor Emérito en la University of Hull,
además de profesor e investigador en el Birmigham Conservatoire y la
University of Oxford. Especialista en la música francesa de los siglos
XVII y XVIII, ha dedicado gran parte de su tiempo a investigar y
publicar sobre Rameau. Sus artículos sobre las óperas «rameaunianas» en
sus diversos aspectos son auténticas referencias en su ámbito. Es además
editor de las versiones de <i>Zoroastre</i> y <i>Zaïs</i> que parecen en la <i>Rameau Opera Omnia</i> <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>es miembro del comité editorial de la misma<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>. Con la ocasión de la efeméride que ya termina Sadler presenta este <i>compendium</i>
en el más estricto significado del término, que se sitúa como una
referencia absoluta para todos aquellos investigadores, estudiosos y
apasionados que en el mundo hay de la obra de Rameau. </div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Estructurado a la manera habitual de un compendio, comienza el libro con
una breve biografía sobre nuestro protagonista, fantásticamente bien
condensada en apenas trece páginas <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>Sadler es el autor de la entrada
sobre Rameau en el <i>The New Grove. Dictionary of Music and Musicians</i>,
así que sabe a la perfección de qué manera tiene que redactarse una
biografía de este tipo<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>, a la que le antecede la correspondiente
introducción del autor, en la que aportar las explicaciones pertinentes
sobre su texto y mostrar los numerosos agradecimientos que estos casos
obligan. Tras las biografía se pasa a la lista de voces que van
completando el <i>compendium</i>, por orden alfabético y que muestran <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>con un cómodo *<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> otros términos contenidos en una voz que asimismo
poseen una voz propia, lo que facilita mucho la búsqueda y la asociación
de términos. Además, al final de cada entrada se presenta unas
abreviaturas que sirven para mostrar las referencias bibliográficas más
importantes respecto a cada una de ellas, las cuáles pueden consultarse
en la pertinente lista terminando ya el compendio. Previa a esta
bibliografía se añade un excelso cuadro de la producción de Rameau,
establecidas en dos grandes campos: composiciones musicales <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>se
estructura del siguiente modo: obras para clave, motetes, cánones, arias
para una o más voces, cantatas, música incidental, y óperas<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span> y escritos
teóricos. Para las composiciones se añaden algunos datos básicos, como
su fecha y lugar de publicación, el editor, el tipo de subgénero en el
caso de las obras escénicas, además de su lugar y fecha de estreno, o el
nombre de libretista si se conoce. Las obras aparecen por orden
cronológico, aunque se añade como dato de interés el número que ocupan
en el <b><i>Catalogue thématique des œuvres musicales</i></b> llevado a cabo por <b>Sylvie Bouissou</b> y <b>Denis Herlin</b>, con la colaboración de <b>Pascal Denécheau</b>.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
El libro se completa con algunas ilustraciones que apoyan de manera
gráfica el contenido de las voces, aunque debemos decir que se añaden
menos de las que hubieran sido deseable, al igual que se hubieran
agradecido algunos ejemplos musicales más. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
En cualquier caso, este libro se presenta como una fuente fundamental
para la consulta de cualquiera de los aspectos relacionados con su vida y
obra, porque Sadler ha sido tremendamente escrupuloso a la hora de
añadir las numerosas voces, intentado que cada una aporte algo
significativo. La variedad de términos que se presentan es fantástica.
Cualquier dato, por mínimo que parezca, importa. Se añaden en el mismo
algunos datos de reciente descubrimiento, además de corregirse otros que
se habrían malinterpretado desde hace años o que no habían sido
comprendidos de manera correcta en el contexto adecuado. Un aporte
indispensable para el «Año Rameau», que se cierra, como decimos, con un
balance más que positivo, y que hace que no podamos evitar envidiar a
nuestro país vecino <span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>aunque el libro es británico, el impulso francés
por celebrar la efeméride se ha hecho notar en gran parte del mundo<span style="font-family: "Calibri",sans-serif; font-size: 11.0pt; line-height: 107%; mso-ansi-language: ES; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin;">–</span>,
que nos sigue llevando centurias de ventaja en esto de la protección y
proyección del patrimonio artístico-cultural-musical.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
Publicado en <a href="http://www.docenotas.com/120212/rameau-compendium-un-maravilloso-cierre-para-el-ano-de-un-genio/">Doce Notas</a> el 23-XII-2014. </div>
<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-39287773791304465112015-02-02T12:34:00.001+01:002015-02-02T12:44:08.924+01:00The Choir Project al día | 01-II-2015<div style="text-align: justify;">
<span class="userContent"><b>Tomás Luis de Victoria [b Avila, 1548-d
Madrid, 20 Aug 1611]: <i>Missa Pro defunctis</i> à 4 | <i>Thomae Ludovico / A
Victoria Abulensis / Missarum Libri Duo / Quae Partim Quaternis. Partim
Quinis. / Partim Senis. / Concinuntur Vocibus / Ad Philip</i></b><span class="text_exposed_show"><b><i>pum secundum Hispaniarum Regem Catholicum.<br /> Romae / Ex Typografia Dominici Basae. / MDLXXXIII / Cum Licentia superiorum. / Romae / Apud Alexandrum Gardanum MDLXXXIII.<br /> </i>Ensemble Plus Ultra | Michael Noone.<br /> Not only the six-parts <i>Requiem</i>.</b><br /> <br /> Robert Stevensosn wrote about Victoria:<br /> «I. Life.<br /> <br />
Victoria was the seventh of 11 children born to Francisco Luis de
Victoria and Francisca Suárez de la Concha, who were married in 1540.
There were important relatives on both sides of the family. For example,
three of his Suárez de la Concha cousins achieved success, Cristóbal as
a naval commander, Hernando as a Jesuit pioneer in Mexico and Baltasar
as a merchant in Florence, where he married Grand Duke Cosimo I de’
Medici’s sister-in-law and was ennobled. The uncle on his father’s side
after whom Victoria was named was a lawyer who pleaded cases before the
royal chancery at Valladolid; he entered the priesthood after his wife’s
death and in 1577 was installed as a canon of Avila Cathedral.
Victoria’s father died on 29 August 1557, and another uncle, Juan Luis,
who was also a priest, took charge of the orphaned family.<br /> <br /> Victoria learnt the rudiments of music as a choirboy at Avila Cathedral
under the maestros de capilla Gerónimo de Espinar (1550–58) and
Bernardino de Ribera (1559–63); Ribera and his successor, Juan Navarro
(i), were among the leading Spanish composers of their time. The
cathedral organists during this period were Damián de Bolea and Bernabé
del Aguila. Victoria may also have known Cabezón, who played at the
cathedral in November 1552 and again in June 1556; Cabezón’s wife came
from Avila, and their family residence from about 1538 to 1560 was not
far from Victoria’s. Victoria’s classical education probably began at S
Gil, a school for boys founded at Avila by the Jesuits in 1554. The
school enjoyed a good reputation from the beginning, and St Teresa of
Avila insisted that her nephews attend it; in April 1557 St Francisco de
Borja visited Avila to inspect it and to encourage other Jesuit
establishments in the town.<br /> <br /> After his voice had broken,
Victoria was sent to the Jesuit Collegio Germanico, Rome, which had been
founded in 1552. He may have been enrolled by 25 June 1563, though 1565
is a more probable date (see Casimiri). The 200 students at the college
were of two kinds, a small group of young men in training for the
German missionary priesthood and a much larger number of English,
Spanish and Italian boarders, whose fees helped maintain the college;
Victoria was among the latter group and was specifically enrolled as a
singer. Here, if not already at S Gil, he achieved fluency in Latin. In
the dedication of his first collection of motets (1572) he acknowledged
his debt to Otto Truchsess von Waldburg, Cardinal-Archbishop of
Augsburg, who with King Philip II had been a chief benefactor of the
college. Victoria surely knew Palestrina, who at the time was maestro di
cappella of the nearby Seminario Romano, and may even have been taught
by him. He was the only peninsular composer before Manuel Cardoso to
master the subtleties of Palestrina’s style, as is evident in even his
earliest publications.<br /> <br /> For at least five years from January
1569 Victoria was singer and organist at S Maria di Monserrato, the
Aragonese church at Rome in which the two Spanish popes are buried; his
monthly salary was one scudo. From 1568 to 1571 he may also have been
maestro of Truchsess’s private chapel (Jacobus de Kerle had left the
post by 18 August 1568). In September or October 1571 the rector of the
Collegio Germanico engaged him to teach music to interested boarders at a
monthly salary of 15 julios paid out of students’ fees. In 1573 the
college authorities decided to separate the Italian boarders from the
German seminarians, and on 17 October a parting ceremony was held,
during which Victoria’s pupils and others sang his specially composed
eight-part psalm <i>Super flumina Babylonis</i>. After the reorganization he
was retained to teach the German seminarians, with whom he was able to
converse in Latin, and was appointed maestro di cappella. The new
rector, Michele Lauretano, paid him two scudi a month, increased to
three in April 1574. On 9 January 1574 Pope Gregory XIII gave the
Collegio Germanico the Palazzo di S Apollinare as their new home and on
15 April 1576 the adjoining church. A bull of the latter date prescribed
that the student body sing the entire Office on at least 20 days of the
church year. Victoria continued as maestro di cappella of the Collegio
Germanico until 26 December 1576 or possibly a few months longer – his
successor was in office by 20 September 1577. In 1575 he graduated from
minor orders to the priesthood: Bishop Thomas Goldwell, the last
surviving member of the pre-Reformation English hierarchy, ordained him
deacon on 25 August and priest three days later. The ceremonies took
place at the English church on the Via di Monserrato.<br /> <br /> Victoria
next joined the Congregazione dell’Oratorio, a newly formed community of
lay priests led by Filippo Neri, and on 8 June 1578 he received a
chaplaincy at S Girolamo della Carità, which he held until 7 May 1585.
During these years he published five sumptuous volumes in folio, one
each of hymns, Magnificat settings and masses, an Office for Holy Week
and an anthology of motets; the last-named contained two motets by
Francisco Guerrero, who was a personal friend, and one by Francesco
Soriano. From 1579 to 1585 he derived his personal income largely from
five Spanish benefices conferred by Gregory XIII (S Miguel at
Villalbarba, S Francisco and S Salvador at Béjar, S Andrés at Valdescapa
and another rent in the diocese of Osma), which produced a total of 307
ducats a year. While a chaplain at S Girolamo della Carità, and even
earlier, he further increased his income by occasionally serving at S
Giacomo degli Spagnoli. Each year from 1573 to 1577 this church paid him
four scudi for Corpus Christi services; in 1579 he received six scudi
and 60 baiocchi and in 1580 nine scudi and 60 baiocchi; on 18 November
1582 he and a number of choristers received nine scudi for celebrating
the victory by Spanish naval forces at the Battle of Terceira, in the
Azores. In 1583 he was elected to the office of visitor to the sick and
Spanish destitute in Rome, who were under the charitable care of the
Confraternity of the Resurrection. Founded in 1579, this confraternity,
attached to the church of S Giacomo, subsidized the celebration of the
twice-yearly Forty Hours Devotion, and paid for Easter services.
Victoria's disbursements to the sick and needy were reimbursed 23 times
during the time that he was visitor to the sick (19 April 1583–3 April
1584). On two occasions, 31 October 1583 and 8 March 1584, he also
received 50 julios to pay the eight singers of polyphony who sang the
Salve Regina in the Forty Hours Devotion. The 25 signed receipts in the
archive of S Giacomo degli Spagnoli constitute the largest single
collection of documents in Victoria's handwriting.<br /> <br /> In the
dedication of <i>Missarum libri duo</i> (1583) to Philip II, Victoria expressed
his desire to return to Spain and to lead a quiet life as a priest. The
king, as a reward for his homage, named him chaplain to his sister, the
Dowager Empress María, daughter of Charles V, wife of Maximilian II and
mother of two other emperors, who from 1581 lived in retirement with
her daughter Princess Margarita at the Monasterio de las Descalzas de S
Clara at Madrid. The convent was established in 1564 by Juana de la
Cruz, sister of St Francisco de Borja, and liberally endowed by Charles
V’s daughter Juana, who married João III of Portugal; it housed 33
strictly cloistered nuns, who heard Mass daily in an exquisite small
chapel attended by priests who were required to be accomplished singers
of plainchant and polyphony. Victoria served the dowager empress from
1587 at the latest until her death in 1603, with an annual salary of 120
ducats, and he was maestro of the convent choir until 1604. From then
until his death he held the less arduous post of organist, earning
40,000 maravedís in each of his first two years in it and 75,000 a year
thereafter. The chaplains enjoyed a number of benefits, including a
personal servant, meals served in their private quarters adjacent to the
convent and a month’s holiday each year. Until 1601 they were all
required to participate in the daily singing of two masses, one a votive
mass with deacon and sub-deacon. At the time of Victoria’s arrival the
choir comprised 12 priests (three to a part) and four boys.
Instrumentalists were engaged for Easter and for Corpus Christi and its
octave. In 1601 a royal decree provided for a bassoonist, who was to
play in all musical services, and for two clergymen chosen for their
excellent voices to replace three of the foundation’s 12 chaplains. At
the same time the number of choirboys was increased to six; they were
required to practise daily and to learn plainchant, polyphony and
counterpoint from the maestro.<br /> <br /> Life at the convent held such
advantages for Victoria that no cathedral post could tempt him – in
1587, for example, he turned down invitations from Seville and Zaragoza
to become maestro de capilla there. The élite of Madrid often went to
services at the convent, where his works were regularly sung. It is
doubtful whether any cathedral would have allowed him the extended leave
that the convent gave him in 1592 to enable him to supervise the
printing at Rome of his <i>Missae … liber secundus</i>, which he dedicated to
María’s son Cardinal Alberto. On 18 July 1593 his motet <i>Surge Debora et
loquere canticum</i> was performed in his presence by the Collegio Germanico
during Mass and Vespers at S Apollinare to celebrate the defeat of the
Turks at Sisak. On 2 February 1594 he joined the cortège at Palestrina’s
funeral. A royal warrant of 21 January 1594 authorized the Spanish
ambassador at Rome to pay him 150 ducats owing to him from a benefice at
Córdoba. He returned to Madrid in 1595.<br /> <br /> María bequeathed three
chaplaincies to the convent, one of which went to Victoria, who thereby
continued to receive his salary of 120 ducats after her death. Most of
his income, however, derived from his numerous simple benefices, whose
yearly revenue had grown by 1605 to 1227 ducats through the addition of
pensions from the dioceses of Córdoba, Segovia, Sigüenza, Toledo and
Zamora. On 1 October 1598 he engaged Julio Junti de Modesti of Madrid to
produce 200 copies of a collection of polychoral masses, Magnificat
settings, motets and psalms in partbooks, which eventually appeared in
1600. The printer, who was paid 2500 reales in three instalments, was
himself allowed an additional 100 copies to sell, beginning 12 months
after publication. The masses of this collection were extremely popular
at the time, but are not frequently performed today. The nine-part <i>Missa
pro victoria</i> was a favourite work of Philip III; the eight-part <i>Missa Ave regina coelorum</i> and <i>Missa Alma Redemptoris mater</i> were so popular
in Mexico City that in 1640 they had to be recopied by hand because the
original partbooks were worn out. Victoria or his agents sent sets to
such distant places as Graz, Urbino and Bogotá, Colombia. In
accompanying letters he asked for contributions to cover printing costs
and in at least one instance solicited money to secure the release of a
younger brother from prison. His strong family ties were especially
evident during the last years of his life, when two of his brothers and
two of his sisters lived in Madrid; one of the brothers, Agustín, was
also a chaplain of the Descalzas Reales convent. Victoria died near the
convent in the chaplains’ residence. He was buried at the convent, but
his tomb has not been identified.<br /> <br /> II. Works: general characteristics.<br /> <br />
Victoria not only left far less music than either Palestrina or Lassus
but also limited himself to setting Latin sacred texts. He had a habit
of reissuing works that he had already published: more than half the
contents of five of his 11 prints had appeared in earlier prints, and of
prints subsequent to his first only the first consists almost entirely
of newly published music. Moreover, unlike Palestrina, he succeeded in
publishing, usually in a luxurious format, nearly the whole of what is
now recognized as his authentic oeuvre. Thus the first seven volumes of
the eight-volume complete edition of 1902–13 consist wholly of music
published during his lifetime; some of that in the eighth is spurious.<br /> <br /> Victoria’s posthumous reputation has largely rested on some plangent
motets in his first publication (1572) and on the <i>Officium defunctorum</i>
of 1605, composed on the death of the Empress María. Such memorable
motets as <i>O vos omnes</i> and <i>Vere languores nostros</i> and a passage such as
the setting of the words ‘nihil enim sunt dies mei’ in <i>Versa est in
luctum</i> from the Office of the Dead do indeed have a poignancy rarely
encountered in other music of the period. Poignancy and mystical fervour
are, however, not the only emotions in Victoria’s music, nor indeed the
predominant ones. His contemporaries and immediate successors certainly
saw a different side of his artistic nature. One astute critic who knew
his whole oeuvre as few do today was João IV of Portugal, who, noting
in his <i>Defensa de la música moderna</i> (1649) that he instinctively leant
more towards the joyful than to the sad, observed that ‘although there
is much in his Holy Week volume [1585] that exactly suits the text,
nonetheless his disposition being naturally sunny he never stays
downcast for long’. João IV also gave the lie to another misconception
about Victoria still prevalent in the 20th century when he endorsed the
liberal use of instruments to double the vocal lines, and there is other
contemporary evidence confirming that doubling was widely practised in
his works circulating in Spain.<br /> <br /> III. Masses.<br /> <br />
Confirmation of Victoria’s generally cheerful disposition can be found
in his own motets that he chose as the basis of his parody masses. He
based seven of his masses on his own motets – <i>Ascendens Christus</i>,<i> Dum
complerentur</i>, <i>O magnum mysterium</i>, <i>O quam gloriosum</i>, <i>Quam pulchri sunt</i>,
<i>Trahe me post te</i> and <i>Vidi speciosam</i>; the masses are parodies of motets
for Ascension, Pentecost, the Circumcision, All Saints, the Conception,
any Lady feast and the Assumption respectively. Five of these motets end
with exultant ‘Alleluias’. His three masses based on his own Marian
antiphons <i>Salve regina</i>, <i>Alma Redemptoris</i> and <i>Ave regina</i>, as well as the
<i>Missa Laetatus sum</i>, based on his own psalm, display similarly positive
qualities. Three other parody masses are based on works by Guerrero,
Morales and Palestrina respectively. The M<i>issa pro victoria </i>is one of
several Spanish battle masses based on Janequin’s La guerre.<br /> <br />
There are 20 authentic masses by Victoria, all published during his
lifetime. 15 are parodies, four are paraphrases (<i>Ave maris stella</i>, <i>De
Beata Maria Virgine</i>, <i>Pro defunctis </i>of 1583 and the mass sections of the <i>
Officium defunctorum</i>), and one, <i>Missa quarti toni</i>, is mostly a free
mass, which does, however, at the close of both <i>Gloria </i>and <i>Credo
</i>(‘Amen’) <i>quote verbatim</i> the music of the last appearance of ‘ipsum quem
genuit adoravit’ in his Purification motet <i>Senex puerum portabat</i>. The
four masses published in the 1600 miscellany, all of which are provided
with organ scores paralleling Chorus I, contrast in a number of ways
with those published earlier: they are for two choirs, one for three
(<i>Laetatus</i>), and the three new masses are in an undeviating F major.
There are subtle structural differences too, such as the greater use of
free episodic material, and the repetition of polyphonic blocks. These
are sometimes from movement to movement: for instance, in the <i>Missa pro
victoria</i>, first <i>Kyrie</i>, bars 1–8 = <i>Agnus Dei</i>, bars 1–8; second <i>Kyrie</i>,
36–42 = <i>Agnus Dei</i>, 16–22; <i>Gloria</i>, 1–3 = <i>Credo</i>, 83–5; <i>Gloria</i>, 28–34 =
<i>Agnus Dei</i>, 8 (beat 3) – 15 (beat 3); and <i>Gloria</i>, 59–76 = <i>Credo</i>, 133–50.
But there are also repetitions within the same movement: in the <i>Missa
pro victoria</i>, <i>Gloria</i>, bars 59–64 = bars 67–72; Credo, 133–8 = 141–6; and
<i> Sanctus</i>, 21–5 (beat 1) = 25–9 (beat 1) = 47–51 (beat 1) = 51–5 (beat
1). Another feature of Victoria’s late masses is his frequent recourse
to triple metre: whereas <i>Ave maris stella</i> and <i>Dum complerentur</i> (both
1576) do not contain a single bar of triple time, the 1600 masses are
full of them, the Missa pro victoria composed to celebrate the Treaty of
Vervins (1598) alone containing 134.<br /> <br /> A prominent stylistic
trait in masses from all periods of Victoria’s career, and in other
works, too, is the kind of tonal fluctuation represented by melodic
progressions such as F–G–F#, F#–G–F and E–F–E, which are not found in,
for example, the works of Palestrina or Guerrero. He anticipated both
composers when in 1576 he chose to base a mass on one of his own motets
(<i>Dum complerentur</i>). In his middle-period masses, however, he shared with
Guerrero a fondness for paired imitation. His masses are on the whole
much more concise than those of Palestrina or Guerrero; this is
particularly true of those in the 1592 and 1600 volumes. Unlike
Palestrina, he broke up his masses with frequent emphatic cadences. He
often wrote functional rather than modal harmony, even in the <i>Missa
quarti toni</i>. The modes that he used in his parody masses have been
tabulated by Rive (1969), who drew attention to the high incidence of
the Dorian and Ionian modes (six and five masses respectively) compared
with the Mixolydian (three masses), a tendency also found in his other
music. His chromatic alterations in his parodies, especially the later
ones, make the Dorian mode sound increasingly like a minor key and the
Ionian more and more like a major key.»<br /> <br /> This is wonderful
performance. Very «British», with extraordinary sonority –in my opinion
this sound is absolutely amazing for Victoria's music– but really
expressive too.<br /> I reccomend this album, especially for the fantastic
critical notes prepared by Alfonso de Vicente, an specialist of this
composer.<br /> <br /> Music for reflection and introspection. An absolutely masterwork in the Western History of Music.</span></span><br />
<div style="text-align: center;">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="https://www.youtube.com/embed/z0grYEYLRiU?rel=0" width="640"></iframe></div>
<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-15378439798790216112015-01-20T11:21:00.001+01:002015-01-20T11:26:34.227+01:00«Tras la estela de...» | Crítica, para Doce Notas, del último álbum de Franco Fagioli, dedicado a Porpora<span style="font-size: large;"><b>Tras la estela de los <i>castrati</i></b></span><br />
<!--[if gte mso 9]><xml>
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</xml><![endif]--><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">El
contratenor argentino, uno de los astros rutilantes en el panorama actual del
canto histórico, nos presenta un impresionante recital de arias dedicado al que fuera el gran <i style="mso-bidi-font-style: normal;">maestro de’ cantanti</i>.</span></b><br />
<div style="text-align: justify;">
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Fagioli • Academia Montis Regalis | Alessandro de Marchi. Naïve, 1 CD [V5369],
2014. T.T: 77:05.</span></span></span></span><b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"> </span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b style="mso-bidi-font-weight: normal;"><span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"></span></b></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
Ninguna figura en el canto a lo largo de la historia ha sido tan tremendamente inspiradora como la de los <i>castrati</i>. Esas superestrellas de la ópera en los siglos XVII y XVIII creadas de manera antinatural por el afán del ser humano en traspasar siempre la frontera de lo moralmente asumible. Esos niños de voces angelicales convertidos en cantantes de fama continental, pero de vidas realmente complicadas y de salud mental más que frágil y desequilibrada, son los cantantes que más han querido imitarse a lo largo del siglo XX y XXI, especialmente desde que el movimiento historicista hiciese por recuperar la técnica del falsete y la figura del contratenor. De este modo, parece que no hay falsetista que se precie <span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>bien sea contratenor o sopranista<span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span> que no dedique en algún momento de su carrera algo de tiempo para interpretar arias dedicadas en su momento a alguno de los <i>castrati </i>más afamados.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Pero nada hubiera sido de los <i>castrati </i>sin una música para interpretar. Y es por eso que, especialmente en el XVIII, fueron muchos los compositores que dedicaron gran parte de su corpus compositivo para estos cantantes, consiguiendo así engrandecerles, pero del mismo modo darse fama como compositores a nivel europeo y pasar en gran medida a la historia gracias a ello. Algunos de estos compositores son conocidos hoy día casi de manera exclusiva por sus composiciones operísticas para los <i>castrati</i>, mientras que otros fueron grandes compositores que dedicaron poco o gran parte de su tiempo para la composición de óperas en la que la carga de este tipo de voces era muy elevada. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Uno de los ejemplos más destacados entre estos últimos es el de <b>Nicola Antonio Porpora [1686-1768],</b> autor napolitano que fue uno de los grandes representantes de la ópera italiana durante la primera mitad del XVIII. Reconocido históricamente como el <i>maestro de’ cantanti</i> por antonomasia, especialmente por su labor con los <i>castrati</i>, como hiciera con Farinelli o Caffarelli. El musicólogo Frank Walker llegaba en 1951 a la conclusión de que Porpora había sido «el gran profesor de canto entre los compositores, y el gran compositor entre los profesores de canto». Y así fue, porque como decimos, resultado de sus clases y sistemas pedagógicos <span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>sobre los que se ha debatido ampliamente<span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span> surgen no solo algunos de los cantantes más afamados en su momento, sino también aquellos que han permanecido en la historia de la música como las grandes estrellas de la ópera del XVIII. Pero además, su fama como maestro y compositor le llevó a ocupar puestos de suma importancia en varias de las ciudades que musicalmente jugaban un rol primordial en la Italia del momento: Napoli, Roma y Venezia, llegando incluso a obtener gran fama como maestro y autor de grandes óperas en ciudades tan distantes como London <span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>acudió para llevar dirigir la Opera of the Nobility, que rivalizó durante tres temporadas con la gran compañía operística del todopoderoso Händel<span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span> y Dresden <span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>fue maestro de canto de Maria Antonia Walpurgis, Princesa Electora de Saxony<span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Del compositor napolitano se graban en este <b><i>Porpora il maestro</i></b> doce arias extraídas principalmente de alguna de sus óperas más destacadas [nueve], pero también una de un oratorio y dos de sendas cantatas, con el aliciente de que todas excepto una suponen novedad en registro discográfico alguno. El modelo de aria aparecido es el <i>da capo</i>, comúnmente utilizado en la ópera italiana del momento en cualquiera de sus variantes: <i>da capo</i>, <i>da capo</i> pentapartita, <i>da capo al segno</i>, esto es y resumiéndolo mucho, arias que comienzan con una parte A <span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>que se abre con una introducción orquestal que anticipa el tema, en la que se desarrolla todo la línea de canto básica del aria<span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>, seguida de una parte B <span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>contrastante a la anterior en tempo, carácter e incluso tonalidad<span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>, a la que sigue una parte A’ <span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>vuelta al inicio, pero esta vez con ornamentaciones vocales, que podían ser improvisadas por los propios cantantes, y que servían para mostrar toda su capacidad técnica y expresiva<span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>. Básicamente se trata de arias en las que el cantante pueda lucirse, llegando a ello por dos medios principales: I. arias de bravura, en las que la <i>coloratura </i>y la figuración pirotécnica exigen todo a nivel técnico; II. arias lentas, en las que la capacidad del cantante es requerida en este caso por el lado expresivo, con el que conseguir emocionar a través del <i>legato </i>y una línea delicada y emotiva.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
La capacidad de Nicola Porpora en cualquiera de los casos es realmente apabullante. No es vano es, en mi opinión, uno de los compositores más dotado como «melodista» <span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>en el mejor sentido del término<span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span> de toda la historia de la música. Fue un excepcional creador de líneas realmente hermosas, capaces de extraer lo mejor del texto sobre el que se pone música, y especialmente de los cantantes, para que puedan mostrar todas sus capacidades de manera realmente fluida y nada artificial. Nos quedamos con su lado más expresivo, ese que clama a la tristeza, el llanto o la desesperación, pero tampoco desdeñamos esas arias joviales, brillantes y repletas de cabriolas vocales que hacen levantarse del asiento. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Pocos cantantes hoy día pueden asumir un recital de este tipo con tantas garantías como <b>Franco Fagioli</b>. El contratenor argentino, que está en el mejor momento de su todavía corta carrera, realmente luce de manera deslumbrante en el presente registro. Desde que sorprendiera al mundo con su rol de Arbace en la producción de <i>Artaserse</i>, de Leonardo Vinci <span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>grabada posteriormente en Erato<span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>, y poco tiempo después con su recital dedicado a Caffarelli en Naïve, parece que su carrera ha terminado de despegar de manera fulgurante. Y es que Fagioli es un contratenor <span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>él se autodenomina <i>mezzosoprano</i><span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span> realmente excepcional. Dotado de un hermoso timbre, con el toque justo de feminidad, pero sin estridencias, es más que capaz para librar con toda solvencia el escollo de las agilidades <span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>sin duda uno de sus puntos fuertes<span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>, pero también es una artista muy capaz para la expresión. Con un registro más que envidiable, se muestra aquí sobrado en el agudo <span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>impresionante el DO#6 en <i>Nell’attendere il mio bene</i>, de la ópera <i>Polifemo</i><span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>, consiguiendo siempre un sonido homogéneo, pulido y brillante; pero también en el grave <span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>no menos impresionante su SI2 en <i>Spesso di nubi canto</i>, de la ópera <i>Carlo il Calvo</i><span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>, aunque quizá muestre aquí un timbre algo más obscuro de lo que fuera deseable, especialmente en el cambio de registro. Quizá le quede por mejorar en un punto su dicción <span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>talón de Aquiles para los cantantes<span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>, pero en general su rendimiento es absolutamente excepcional.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Le acompañan en esta empresa el conjunto italiano <b>Academia Montis Regalis</b>, orquesta barroca creada en la región de Piamonete allá por 1994 para cubrir de manera especial el repertorio de los siglos XVII y XVIII. Compuesta en esta ocasión por 29 instrumentistas <span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>si contamos a los encargados de las máquinas de viento y truenos<span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>. Su nutrida sección de cuerda [4/4/3/3/2] es la que se lleva la gran parte del papel protagonista, consiguiendo un resultado exquisito sosteniendo fabulosamente los violines barrocos toda la orquesta <span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>impresionante labor de<b> Olivia Centurioni</b> como <i>concertino</i><span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>. Gran papel también el realizado por el viento-metal cuando Porpora les asigna ese papel virtuoso, especialmente a las trompetas [<b>Jonathan Pia</b> y <b>Michele Santi</b>] y trompas [<b>Ermes Pecchinini</b> y <b>Dimer Maccaferri</b>]. Fabuloso, por lo demás, el rol cumplido por las flautas de pico de <b>Maria de Martini</b> y <b>Aviad Ghersoni</b> en el aria de corte pastoral <i>Il pastor se torna aprile</i>, de la ópera <i>Semiramide riconosciuta</i>, cuyos dos intérpretes atienden también otras necesidades a lo largo del disco <span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>la primera en el fagot barroco y el segundo acompañando a <b>Pier Luigi Fabretti</b> al oboe barroco, con hermoso resultado aunque en muchas ocasiones estos doblen alguna de las líneas de la cuerda<span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>. Completan tan fantástica plantilla el continuo realizado por <b>Josep Maria Martì</b> [tiorba], <b>Mariangiola Martello</b> [clave y órgano] y <b>Alessandro de Marchi</b> [clave], que es a su vez el director del conjunto, como viene siendo habitual desde hace años. </div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Su labor como director en esta ocasión es digna de alabanza. Sabe traducir de manera muy adecuada el lenguaje operístico de Porpora, asumiendo en cada momento el color y carácter oportuno que cada una de las arias requiere. Aporta energía, fuerza y bravura a las arias de <i>coloratura</i>, manteniendo una postura de firme contundencia, pero conteniendo el posible aluvión de exceso de sonido y los problemas de equilibrio que tanta agilidad puede provocar. Mantiene, además, el motor rítmico con rigor, asumiendo que es un punto fundamental para lograr mucho de lo expresivo en la música <span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>obsérvese la introducción orquestal de <i>Torbido intorno al core</i>, de <i>Meride e Salinunte</i>, por ejemplo<span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>. Por otro lado se afana en la búsqueda de la expresión por medio de un sonido en cierta manera reprimido, con el toque justo de sutilidad y terciopelo que requieren los momentos álgidos del registro, como la célebre <i>Alto giove</i>, de <i>Polifemo</i> o <i>Distillatevi a cieli</i>, del oratorio <i>Il verbo in carne</i>.</div>
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<br /></div>
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Un disco fabuloso, que supone todo un acierto en la voz de mezzosoprano de Fagioli <span style="font-family: "Calibri","sans-serif"; font-size: 12.0pt; line-height: 115%; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 11.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-language: EN-US; mso-fareast-theme-font: minor-latin;">–</span>que de nuevo vuelve a recordar de forma increíble la voz de Cecilia Bartoli<!--[if gte mso 9]><xml>
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Publicado en <a href="http://www.docenotas.com/120009/porpora-il-maestro-tras-la-estela-de-los-castrati/">Doce Notas</a> el 14-XII-2014. </div>
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<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6078061706583854456.post-58188336000784293292015-01-17T10:44:00.000+01:002015-01-17T10:47:46.114+01:00The Choir Project al día | 17-I-2015<div style="text-align: justify;">
<b>Jean Maillard [fl. 1538-70]: <i>In pace</i> à 6.<br />The Marian Consort.<br />Unknown french master.</b><br />
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Marie-Alexis Colin and FRank Dobbins wrote about Maillard:<br />
«French composer. Most of his works were published in Paris, probably indicating that he was resident there for at least part of his life. His name is mentioned in the Prologue to Rabelais’ <i>Quart livre [de] Pantagruel</i> [1548], and by Ronsard, in the Preface to Le Roy & Ballard’s <i>Livre de meslanges</i> (1560). These citations, taken with the evidence of a portrait of a middle-aged composer printed in 1565, as well as the content and pattern of his publications, suggest that he was born in about 1515. His publication of the coronation motet <i>Domine salvum fac regem</i> in 1553 and the dedication of his two motet collections of 1565 to King Charles IX and the Queen Mother, Catherine de’ Medici, respectively, suggests a link with the French court; the few surviving records of the royal chapel and household do not mention his name. Several men named Jean Maillard are traceable in Paris between the 1540s and 60s, among them Jehan Maillard, poet and scrivener to François I and then Henry VIII; he published Le premier recueil de la muse cosmopolitique, which contains a polyphonic paraphrase of the Lord’s Prayer. Another Jean Maillard, mentioned by Bèze and Henri Estienne as Dean of the Faculty of Theology in the University of Paris, died in about 1567. However, none of these men is definitely identifiable with the composer; nor can he be positively associated with the later musicians Gilles Maillard of Thérouanne, who was living in Lyons in 1584, or Pierre Maillart of Valenciennes.<br />
<br />
The absence of his name in Le Roy & Ballard’s new collections after 1571, together with the appeal to Catherine de’ Medici in the preface to the <i>Modulorum … secundum librum</i> [1565] for ‘the return of the most refined graces, hidden or banished from your France … during these stormy times’ may signify that Maillard harboured Protestant sympathies that caused him to be excluded from the Catholic court and capital. Even though his output of predominantly Latin sacred music, including a collection of 25 motets, two masses and two Magnificats copied in ultra-Catholic Spain (E-Bc 682), suggests an ecclesiastical career, more than a hint of protest can be gleaned from his setting of three chansons spirituelles – including <i>Hélas mon Dieu ton ire</i> by the Huguenot poet Guillaume Guéroult – and of a paraphrase of Psalm xv [<i>Qui est-ce qui conversera</i>] by Marot [RISM 155318].<br />
<br />
Maillard’s six surviving masses include a requiem for four voices, a <i>Missa Virginis Mariae» </i>paraphrasing the plainchant melodies of the Mass of the Virgin, three four-voice parody masses on chansons by Cadéac or Lupi Second [<i>Je suis déshéritée</i>], Certon [<i>M’amie un jour</i>], Sermisy [<i>Missa pro vivis</i>, based on <i>O combien est malheureux</i>] and one based on a motet by Richafort [<i>Ego sum qui sum</i>]. Of his 86 motets, 44 are for four voices, 32 for five, nine for six and one for seven voices; more than half of the motets are freely composed and the others based on plainchant melodies, presented usually in long note values in the superius, but occasionally in the tenor, or paraphrased with successive motifs treated in imitation. His five-voice <i>Exaudi Domine</i> uses an ostinato from Josquin’s <i>Faulte d’argent</i>, while one of his two four-voice settings of <i>Inviolata integra</i> combines the chant for the sequence with those of three different antiphons. Like other French composers, Maillard generally used short melodic motifs of limited range in close imitation; he also occasionally employed canonic devices, most effectively in the six-voice motet <i>Fratres mei elongaverun</i>t and the four-voice <i>Congregati sunt inimici nostri</i>. He fairly frequently employed techniques of word-painting, as in the Cecilian responsory Cantantibus organis and the Easter sequence <i>Victimae paschali laudes</i>.<br />
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Most of his chansons set either courtly epigrams of four or eight lines by poets such as Marot, Saint-Gelais, Scève and Sainte-Marthe, or anonymous anecdotal narratives; these works are very much in the style of the 1540s established by Sermisy, Sandrin, Janequin and Certon. Occasionally he turned to older forms [as in the rondeaux <i>Du mal que j’ay</i> and <i>Ceste belle petite bouche</i>]. His earliest works were printed simultaneously by Moderne in Lyons and Attaingnant in Paris; his later pieces appeared in Le Roy’s collections, including two five-voice pieces in the retrospective Meslanges of 1560.<br />
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Three of the motets appeared in the lute intabulation by Adrian Le Roy [155124] before their partbook publication in 15537. Many of the chansons were also arranged for lute, guitar, cittern and vihuela in publications by Gerle, Le Roy, Phalèse and others between 1546 and 1578; Goudimel based a mass on the chanson Tant plus je mets, Palestrina a mass on Eripe me, while Lassus parodied other motets and chansons.»<br />
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Eric Rice wrote about this piece:<br />
«Maillard’s impressive <i>In pace</i> for six voices was likely composed for use at Compline. The name “Compline” is from the Latin completus [“completed”], a reference to the end of the day; the service seems to have grown out of collective prayers said before going to bed. Many of the prayers and other texts recited during compline are supplications for God’s protection during sleep, and four psalms deemed particularly pertinent are chanted in Compline services: 4, 90, 30, and 133 [Vulgate numbering]. The texts of In pace are not drawn from these psalms, but they from others that refer to sleep. The brevity and grammatical incompleteness of the texts suggests that chant — perhaps that of a Paris tradition — may have been performed between sections of this motet.»<br />
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Wonderful piece –pieces based on the the «In pace» are really beautiful, very expressive, calm and deep–. This performance is wonderful –pure British–, with an ethereal sonority. The plain chant is very «operistic», but ther poliphonic parts are fantastic. The young The Marian Consort is a fantastic vocal ensemble. Pay attention to them.<br />
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Enjoy it!</div>
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<br />Mario Guadahttp://www.blogger.com/profile/13911690836518498052noreply@blogger.com0